La obra más enigmática de la historia del arte

La obra es un tríptico, es decir que consiste en tres partes, tres tablas de madera de roble unidas por medio de bisagras para que las dos exteriores se puedan cerrar sobre la del centro. Las tres partes se deben leer de izquierda a derecha como si fuera un libro. En la primera se representa el Jardín del Edén, en la segunda, un paraíso terrenal repleto de tentaciones y en la tercera, el infierno donde inevitablemente van a parar los que durante su vida cayeron en las tentaciones.

La producción pictórica del Bosco le dió vida a un mundo fuera de la realidad, un mundo raro y perturbador.

La cara que casi nunca se ve

En la parte exterior del tríptico aparece una gran esfera transparente que tienen agua hasta la mitad, de la cual emergen unas formas muy raras, como grandes rocas y plantas. Lo que esto representa es incierto. La interpretación más aceptada propone que es el tercer día de la Creación cuando ya habían aparecido las plantas y vegetales pero aún no los animales y los seres humanos.

 

La maldad existe incluso en El Jardín del Edén

En ésta visión del Paraíso aparecen animales y aves tanto reales como imaginarios. En el centro aparece la tradicional fuente de los cuatro ríos del Paraíso pero de forma estrafalaria y de color rosa y en primer plano aparece Dios quien tomando de la mano a una Eva rubia, se la presenta Adan que sentado muy derechito sobre el pasto, espera para conocer a su pareja. En la esquina inferior izquierda vemos a un gato que camina tranquilamente con un ratón entre los dientes, otro símbolo de que incluso en el paraíso existían la corrupción y el peligro.

El panel del centro es el que le da el título a toda la obra. Este paisaje está poblado por cientos de pequeños hombres y mujeres desnudos, todos jóvenes. No se encuentran ni un sólo niño ni un viejo. Entre la mayoría de figuras de raza blanca, también vemos algunas de raza negra, lo cual es notable ya que no solían ser incluidas en el arte de la época. Los expertos consideran que en este caso el artista quiso mostrar algo de la diversidad de las razas en el mundo. Aparecen también personajes míticos e imaginarios, como las mujeres que tienen todo el cuerpo cubierto con una fina capa de pelo o pelusa a excepción del cuello y la cara, los senos, las manos y los pies.

Bienvenidos al infierno!

El soleado jardín desapareció y en su lugar el Bosco nos muestra un lugar horrible dominado por colores oscuros y cubierto por un gran numero de detalles que vale la pena mirar detenidamente. Estos nos presentan los castigos mas macabros y fantásticos que se hayan pintado. Quieren saber cuáles son sus figuras más famosas y lo que ésatas significan? Oígan el episodio, porque ahí se los contamos todo.

Infierno completo (izquierda)

Les contamos mucho más acerca de esta obra en nuestro podcast. No dejen de oírlo.

Bibliografía

Gombrich, Ernst, “Bosch of Hertogenbosch” in The New York Review, February, 23, 1967 (acceso el 28 de septiembre, 2022), https://www.nybooks.com/articles/1967/02/23/bosch-of-hertogenbosch/
Hickson, Sally, Dr. ”Hieronymus Bosch, The Garden of Earthly Delights,” in Smarthistory, August 9, 2015, (acceso el 28 de septiembre, 2022) https://smarthistory.org/bosch-the-garden-of-earthly-delights/.
Silva, Pilar, ‘El Bosco. Tríptico del Jardín de las delicias.’ En: el Bosco. La exposición del V Centenario, Madrid, Museo Nacional del Prado, 2016, p.n.46 330-346, (acceso el 17 de septiembre, 2022), https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/triptico-del-jardin-de-las-delicias/02388242-6d6a-4e9e-a992-e1311eab3609
Simon Mittman, Asa Dr. “Spotlight — Hieronymus Bosch, The Garden of Earthly Delights, in Smarthistory , August, 31, 2019 (acceso el 17 de septiembre, 2022), https://smarthistory.org/garden-bosch/.
https://english.elpais.com/elpais/2016/06/01/inenglish/1464784579_825393.html (acceso el 17 de septiembre, 2022).
https://mymodernmet.com/es/jardin-de-las-delicias-bosco/ (acceso el 28 de septiembre, 2022).
https://periergeia.org/en/deciphering-the-garden-of-earthly-delights-part-1-the-prelude-to-disaster/ (acceso el 17 de septiembre, 2022).
https://www.salmanrushdie.com/garden-earthly-delights/ (acceso el 20 de octubre, 2022).

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“El beso más famoso de la historia del arte”

Creada al óleo en 1907, El Beso es un gran cuadrado de 180 x 180 cm que brilla y refleja la luz que lo rodea, porque para ornamentarla Klimt utilizó hoja de oro y plata. En la obra aparecen un hombre y una mujer, casi de tamaño natural, que se abrazan sobre un prado de flores de colores. El fondo dorado y el halo de cuerpo entero que los une dan a la obra una dimensión casi sagrada. Escucha nuestro episodio para enterarte de todo acerca de esta hermosa pintura y de su creador: el enigmático Gustav Klimt.

“A cada época, su arte, y al arte, su libertad”.

Viena, Austria, 1897.

Un grupo de artistas jóvenes decidieron romper con la Asociación de Artistas a la que consideraban demasiado estricta y anticuada y fundaron la Secesión Vienesa, literalmente: la separación. El estilo de sus obras fue el de las líneas curvas, orgánicas, de formas naturales y decorativas del Art Nouveau.
Su lema fue: “a cada tiempo, su arte, y al arte, su libertad”.

Su primer presidente fue Gustav Klimt.

Klimt, Adele Block-Bauer, 1907

Ella es Adele Bloch-Bauer, esposa del industrial vienés Ferdinand Bloch-Bauer. Su retrato se conoce como “La Dama Dorada” por su esplendorosa superficie ornamentada con pan de oro y plata, que sirve para acentuar la riqueza de las joyas que la modelo lleva encima. Miren las pulseras y sobre todo la sensacional gargantilla de oro y diamantes!

Klimt tuvo affairs con muchas de sus modelos y hasta con algunas de las esposas de sus patrones. Pero su relación más duradera fue con Emilie Flöge, una famosa diseñadora de moda. Su estudio de alta costura fué uno de los primeros en coser vestidos de estilo vanguardista, sueltos y sin corsé, algunos diseñados por el mismo Klimt. Entonces él era el artista más conocido y prestigioso de la ciudad y los retratos que le hizo a su novia la ayudaron a catapultarse a la fama. Uno de estos retratos, pintado en 1902 la muestra enfundada en un vestido modernista en tonos azules.

Una avalancha de flores

En Jardín Campestre con Girasoles (1906), Klimt nos pone frente a una avalancha de girasoles, margaritas, petunias, áster, begonias y flores del campo en colores verdes y rojos, rosas, azules, amarillos y morados, que convierten ese rincon de la naturaleza en un sitio lleno de esplendor.

Logramos despertar tu curiosidad? Dale click al simbolo de play y escucha el episodio para aprender mucho más acerca de este artista.

Bibliografía

Dr. Charles Cramer and Dr. Kim Grant, “Art Nouveau,” in Smarthistory, June 14, 2020, https://smarthistory.org/art-nouveau/ [acceso el 9 de febrero, 2022].
https://www.neuegalerie.org/collection/artist-profiles/gustav-klimt [acceso el 9 de febrero, 2022].
https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-liverpool/exhibition/gustav-klimt-painting-design-and-modern-life-vienna-1900/gustav-5 [acceso el 9 de febrero, 2022].
https://www.wien.info/es/turismo-en-viena/monumentos-en-viena/modernismo/secesi%C3%B3n-357928 [acceso el 14 de febrero, 2022].
https://www.theartstory.org/artist/klimt-gustav/life-and-legacy/ [acceso el 20 de febrero, 2022].
https://artsandculture.google.com/story/yQVhvTHl7e3XJA [acceso el 21 de febrero, 2022].
https://mymodernmet.com/the-kiss-gustav-klimt/ [acceso el 14 de febrero, 2022].
https://www.thecollector.com/6-little-known-facts-about-gustav-klimt/ [acceso el 20 de febrero, 2022].

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Van Gogh eligió su paleta de manera que esta expresara lo que él sentía.  Su método era muy subjetivo y además muy innovador: nadie pintaba así en ese momento! Este genio del arte se alejó por completo de la idea de usar la superficie pictórica para recrear una realidad visual, y la usó para representar su realidad interior.

Más de 2,000 obras en 10 años

Empezó a pintar con 27 años y murió a los 37.

Durante una carrera muy corta que duró solo una década, Van Gogh produjo alrededor de 2,000 obras. Entre ellas están algunas de las pinturas más queridas de la historia.

También pintó no menos de 35 autorretratos en los que vemos su cabello rojizo y sus ojos azules, tristes e intensos.

En Habitación en Arles de 1888, Vincent nos muestra su pequeña habitación en la que vemos una ventana cerrada, una mesita con sus cosas de aseo, una cama y dos sillas de madera. De las paredes cuelgan su toalla, un espejo y varias de sus pinturas. En una carta dirigida a Theo el artista explicó que en esta obra quería que los colores que utilizó expresaran la sensación de tranquilidad y reposo absoluto que sentía cuando estaba en su habitación.

Con Café Nocturno, Vincent quiso expresar lo que sería la presencia del infierno en la Tierra.

Las cartas del artista, algunas en francés y otras en holandés, revelan a un hombre de gran inteligencia y claridad intelectual. Además se mantenía al tanto de las innovaciones artísticas más avanzadas y articulaba perfectamente sus opiniones acerca de ellas.

Sus flores favoritos

El sueño de Vincent de fundar una colonia de artistas donde todos vivieran y trabajaran juntos, desapareció cuando el único que respondió a su invitación fue Paul Gauguin. 

Feliz ante la llegada inminente del francés que para entonces era ya conocido, Vincent preparó cuatro lienzos para decorar la casa. Estos son los hermosos girasoles que eran sus flores favoritas y que pintó en diferentes tonalidades de amarillo, que era su color favorito.

En 1889 Theo se casó con Johanna Bonger. Tuvieron un bebé a quien nombraron Vincent Willem en honor de su tío. En la carta en la que le anuncia el nacimiento, Theo escribió “ … mi deseo es que sea tan determinado y valiente como tú.” Emocionado por la noticia Vincent pintó Almendro en flor como regalo para los nuevos padres.

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía del episodio

Museum of Modern Art, N.Y. (2019). Publication excerpt from MoMA Highlights: 375 Works from The Museum of Modern Art, New York.  [Internet] Accesible en https://www.moma.org/collection/works/79802 [10 de abril, 2021].

Shinn-Morris,Léoni (2018). “10 cosas que quizá nos sepas sobre Vincent Van Gogh.” Google Arts and Culture. [Internet] Accesible en https://artsandculture.google.com/story/10-cosas-que-quiz%C3%A1-no-sepas-sobre-vincent-van-gogh/agLStrYjblBRKA?hl=es [11 de abril, 2021].

Van Gogh Museum, Amsterdam. [Internet]. https://www.vangoghmuseum.nl/en. [fechas varias durante marzo y abril, 2021].

Van Gogh Museum, Amsterdam, and the Huygens Institute (Royal Netherlands Academy of Arts and Sciences), The Hague. (2009). “ Theo van Gogh to Vincent van Gogh. Paris, Friday, 31 January 1890.” Van Gogh Letters Project. [Internet] Accesible en http://www.vangoghletters.org/vg/letters/let847/letter.html. [15 de abril, 2021].

Zelazko, Alicja. (2020). “The Starry Night.” Encyclopedia Britannica. [Internet] Accessible en https://www.britannica.com/topic/The-Starry-Night [30 de marzo, 2021].

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Las Meninas es considerada la mejor pintura de la historia.

Pablo Picasso produjo 58 obras en las que la analizó, la recreó y la reinterpretó. El artista contemporáneo Manolo Valdes le rinde homenaje con sus figuras de bronce y resina a gran escala. Y Salvador Dalí dijo alguna vez que si el Museo del Prado se incendiara lo único que a él le interesaría rescatar es el aire que se contiene en su interior ya que, en sus propias palabras “es el aire de mejor calidad que existe.”

Meninas por todas partes

Probablemente todos hemos visto ‘meninas’ pintadas, esculpidas y grabadas, cocidas en telas, moldeadas en cerámica o chocolate. Se venden como artículos promocionales en llaveros y tacitas de café y están estampadas en camisetas por todas las tiendas turísticas en España. Hoy son elementos de moda para fotografías en redes sociales, decoración de vitrinas, parques y jardines.  

Pues sí, todas ellas hacen referencia al famosísimo cuadro que el español Diego Velázquez pintó en 1656 y que hoy hace parte de la colección de mi museo favorito, El Museo Nacional del Prado en Madrid. 

Antes de hablar de esta obra … una aclaración! La pintura de Las Meninas no siempre fue conocida con este nombre. Cómo es la historia? Escucha nuestro podcast ahora para saber más!

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía:

• Brown, J. Velázquez: Painter and Courtier. New Haven: Yale University Press, 1999.
• Calvo Serraller, F. [Internet] Disponible en https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/meninas-las-velazquez/296ac38f-8bf6-439d-b13c-ed22de8c39de [Acceso el 28 de enero de 2021].
• Eslava Galán, J. (2018) La Familia del Prado. Madrid: Planeta.
• Fahy, Everett. “Velázquez (1599–1660).” In Heilbrunn Timeline of Art History. New York: The Metropolitan Museum of Art, 2000–. [Internet] Disponible en https://www.metmuseum.org/toah/hd/vela/hd_vela.htm (originally published October 2003, last revised September 2009). [Acceso el 20 de enero de 2021].
• Harris, E. Enciclopedia M.N.P., 2006, VI, pp. 2148-2156. [Internet] Disponible en https://www.museodelprado.es/coleccion/artista/velazquez-diego-rodriguez-de-silva-y/434337e9-77e4-4597-a962-ef47304d930d [Acceso el 28 de enero de 2021].
• Portus, J. (2013). Diego Velázquez ‘Las Meninas’. En : Velázquez y la familia de Felipe IV, [1650-1680], Madrid, Museo Nacional del Prado, 2013, p.126-129 n.16. [Internet] Disponible en  https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/las-meninas/9fdc7800-9ade-48b0-ab8b-edee94ea877f [Acceso el 28 de enero de 2021].
• Diego Velázquez 1599-1660. [Internet] Disponible en https://www.nationalgallery.org.uk/artists/diego-velazquez [Acceso el 20 de enero de 2021].

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En el año de 1508, cuando Miguel Angel Buonarroti tenía 31 años, el Papa Julio II lo llama y le dice que quiere que pinte uno de los espacios más importantes en el Vaticano. 

La Capilla Sixtina toma su nombre del Papa Sixto IV quien la mandó restaurar alrededor del año 1480. Es una de las capillas más importantes, además de ser la más grande dentro del Vaticano.  La bóveda mide 40 m de largo x 14 m de ancho y tiene 20 m de altura.

El panel más famoso es La Creación de Adán, en el que Dios está por trasmitir la energía vital al primer hombre. Es una sinfonía de contrastes: Adán es joven, desnudo y está recostado en la tierra, mientras que Dios aparece mayor, con una larga barba gris y volando por los aires.

Estrellas doradas sobre un fondo azul

Antes de la época de Miguel Angel, algunas partes de la capilla ya habían sido decoradas con frescos diseñados por artistas importantes como Sandro Botticelli y Pietro Perugino y la bóveda estaba toda pintada de azul y decorada con estrellitas doradas. 

Era la época del Renacimiento, para ese entonces Miguel Angel ya había creado La Piedad, esto fue en el año 1500 cuando el artista tenía 25 años y también había triunfado con el famosísimo David en Florencia en 1504, a sus 29 años.

La limpieza de los frescos en los 1980, reveló los colores brillantes que el artista usó y que permanecieron escondidos y ennegrecidos por el polvo, humo y malos restauros por cientos de años. Hubo que reescribir los libros de historia del arte para explicar la verdadera paleta del artista!

Bibliografia del episodio:

• Paoletti, John and Radke, Gary. (2002). Art in Renaissance Italy, N.Y.: Harry N. Abrams, 2nd Ed..
• Vasari, Pietro. The lives of the Artists, a new translation. (2008). Conaway Bondanella, Julia and Bondanella, Peter (Translators). Oxford, UK: Oxford University Press.
• Youtube (2009). “Michelangelo’s fresco painting technique demonstration from a NOVA episode.” [Internet]. Accesible en https://www.youtube.com/watch?v=Cej4Ggq5nQI [5 de diciembre, 2020]. 
• Zappella, Christine. (2015). “Ceiling of the Sistine Chapel,” in Smarthistory. [Internet]. Accesible en https://smarthistory.org/michelangelo-ceiling-of-the-sistine-chapel/ [5 de diciembre, 2020].

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Cuando la pandemia empezó, el Jardín Botánico de la Ciudad de Nueva York ya había vendido cientos de boletos para lo que prometía ser la exposición más completa de la obra de la Japonesa Yayoi Kusama. Esta exhibición iba a incluir varios cuartos infinitos, esos en los que se entra para encontrarse con una infinidad de reflejos creados a través  de un sistema de espejos, calabazas de todos los tamaños y enormes flores. Todo esto pintado con miles de puntos de colores. Ahora tendrá que esperar hasta por lo menos el verano de 2021.

Puntos, puntos y más puntos

Yayoi Kusama es una artista fotografiada frecuentemente con su obra y vistiendo ropa que ella misma decora con sus característicos puntos.

Hoy día, Yayoi Kusama es considerada una de las artistas vivas más famosas del mundo.

Kusama empezó a crear sus obras más populares, esas calabazas de colores llenas de lunares, en los años 90. Pero para entonces, ella ya llevaba más de 30 años produciendo arte de manera profesional.

Su fascinante historia juega un papel muy importante en su obra, así como en quién es hoy.

Kusama empezó a crear sus obras más populares, esas calabazas de colores llenas de lunares, en los años 90. Pero para entonces, ella ya llevaba más de 30 años produciendo arte de manera profesional. Su fascinante historia juega un papel muy importante en su obra, así como en quién es hoy.

 

Bibliografía del episodio:

• Kusama, Yayoi, and Ralph F. McCarthy. (2011). Infinity Net: The Autobiography of Yayoi Kusama. London, U.K.: Tate.
• Ormond, Mark (2002). “Yayoi Kusama – Exodus, Liberation, and Return.” Originally published in Yayoi Kusama. (Exhibition December 4, 2002 – May 11, 2003). Miami Beach, Florida: Bass Museum of Art. [Internet]. Accesible en http://www.markormond.com/kusama_essay.html [6 de noviembre, 2020].
• Tate, U.K. (s.f.). “Who is Yayoi Kusama”. In Tate Kids. [Internet]. Accesible en https://www.tate.org.uk/kids/explore/who-is/who-yayoi-kusama [30 de octubre, 2020].
• Yayoi Kusama, Inc. (n.f.) [Internet] Accesible en http://yayoi-kusama.jp/e/information/index.html [6 de noviembre, 2020].

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