“El beso más famoso de la historia del arte”

Creada al óleo en 1907, El Beso es un gran cuadrado de 180 x 180 cm que brilla y refleja la luz que lo rodea, porque para ornamentarla Klimt utilizó hoja de oro y plata. En la obra aparecen un hombre y una mujer, casi de tamaño natural, que se abrazan sobre un prado de flores de colores. El fondo dorado y el halo de cuerpo entero que los une dan a la obra una dimensión casi sagrada. Escucha nuestro episodio para enterarte de todo acerca de esta hermosa pintura y de su creador: el enigmático Gustav Klimt.

“A cada época, su arte, y al arte, su libertad”.

Viena, Austria, 1897.

Un grupo de artistas jóvenes decidieron romper con la Asociación de Artistas a la que consideraban demasiado estricta y anticuada y fundaron la Secesión Vienesa, literalmente: la separación. El estilo de sus obras fue el de las líneas curvas, orgánicas, de formas naturales y decorativas del Art Nouveau.
Su lema fue: “a cada tiempo, su arte, y al arte, su libertad”.

Su primer presidente fue Gustav Klimt.

Klimt, Adele Block-Bauer, 1907

Ella es Adele Bloch-Bauer, esposa del industrial vienés Ferdinand Bloch-Bauer. Su retrato se conoce como “La Dama Dorada” por su esplendorosa superficie ornamentada con pan de oro y plata, que sirve para acentuar la riqueza de las joyas que la modelo lleva encima. Miren las pulseras y sobre todo la sensacional gargantilla de oro y diamantes!

Klimt tuvo affairs con muchas de sus modelos y hasta con algunas de las esposas de sus patrones. Pero su relación más duradera fue con Emilie Flöge, una famosa diseñadora de moda. Su estudio de alta costura fué uno de los primeros en coser vestidos de estilo vanguardista, sueltos y sin corsé, algunos diseñados por el mismo Klimt. Entonces él era el artista más conocido y prestigioso de la ciudad y los retratos que le hizo a su novia la ayudaron a catapultarse a la fama. Uno de estos retratos, pintado en 1902 la muestra enfundada en un vestido modernista en tonos azules.

Una avalancha de flores

En Jardín Campestre con Girasoles (1906), Klimt nos pone frente a una avalancha de girasoles, margaritas, petunias, áster, begonias y flores del campo en colores verdes y rojos, rosas, azules, amarillos y morados, que convierten ese rincon de la naturaleza en un sitio lleno de esplendor.

Logramos despertar tu curiosidad? Dale click al simbolo de play y escucha el episodio para aprender mucho más acerca de este artista.

Bibliografía

Dr. Charles Cramer and Dr. Kim Grant, “Art Nouveau,” in Smarthistory, June 14, 2020, https://smarthistory.org/art-nouveau/ [acceso el 9 de febrero, 2022].
https://www.neuegalerie.org/collection/artist-profiles/gustav-klimt [acceso el 9 de febrero, 2022].
https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-liverpool/exhibition/gustav-klimt-painting-design-and-modern-life-vienna-1900/gustav-5 [acceso el 9 de febrero, 2022].
https://www.wien.info/es/turismo-en-viena/monumentos-en-viena/modernismo/secesi%C3%B3n-357928 [acceso el 14 de febrero, 2022].
https://www.theartstory.org/artist/klimt-gustav/life-and-legacy/ [acceso el 20 de febrero, 2022].
https://artsandculture.google.com/story/yQVhvTHl7e3XJA [acceso el 21 de febrero, 2022].
https://mymodernmet.com/the-kiss-gustav-klimt/ [acceso el 14 de febrero, 2022].
https://www.thecollector.com/6-little-known-facts-about-gustav-klimt/ [acceso el 20 de febrero, 2022].

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Y para festejar, decidimos re-editar nuestro primer episodio, con el que nos conocieron y el que hicimos con mucha ilusion. Disfruténlo, ahora con mas información acerca de la artista, su vida y su magnifica obra. Para ver una selección de fotos diferentes, les invitamos a visitar también la página dedicada a ese primer episodio de Kusama (encuéntrenlo en nuestra primera temporada).

GRACIAS por escucharnos y ayudar a difundir las historias del arte. Bienvenidos.

El arte lo fue siempre todo en su vida

 

Kusama nació en 1929 en la Matsumoto, Japón, en una familia de ricos terratenientes que se dedicaban a cultivar semillas y flores para vender al por mayor. Su familia era muy tradicional y esperaban que tanto Yayoi se casara con un hombre a quien los padres consideraran adecuado.

En el podcast te contamos la historia completa. Pero ahora solo te decimos que Yayoi fue diferente desde muy pequeña y prefería pasar el día dibujando. También empezó a tener alucinaciones desde muy joven. Sin embargo, al cumplir la mayoría de edad logró viajar a los Estados Unidos desde donde se convirtió en una artista internacionalmente famosa.

Uno de los momentos mas importantes de su vida profesional tuvo lugar en 1966 cuando pudo participar en la Bienal de Venecia, con una obra que ella tituló El jardín de Narciso. Esta es otra historia super interesante que te contamos en el episodio.

Transmite felicidad

La obra de Kusama se origina en el dolor y el trauma, sin embargo, es una obra que al final nos transmite alegría. Quién no sonríe al ver una flor rosa llena de puntitos blancos? Su mensaje nace del amor por la vida, de sus propias ganas de vivir. Y es un mensaje de unidad universal que nos hace sentir felices. 

 

 

Su obra más reciente es “Mi alma eterna”, una serie en la que ha trabajado desde 2009, produciendo entre 1 y 4 pinturas por semana. La serie cuenta al día de hoy con mas de 700 piezas!

 

Bibliografía del episodio

• Kusama, Yayoi, and Ralph F. McCarthy. (2011). Infinity Net: The Autobiography of Yayoi Kusama. London, U.K.: Tate.Ormond, Mark (2002).
• “Yayoi Kusama – Exodus, Liberation, and Return.” Originally published in Yayoi Kusama. (Exhibition December 4, 2002 – May 11, 2003). Miami Beach, Florida: Bass Museum of Art. [Internet]. Accesible en http://www.markormond.com/kusama_essay.html [6 de noviembre, 2021 y 10 de noviembre 2021].
• Tate, U.K. (s.f.). “Who is Yayoi Kusama”. In Tate Kids. [Internet]. Accesible en https://www.tate.org.uk/kids/explore/who-is/who-yayoi-kusama [30 de octubre, 2020 y 10 de noviembre 2021].
• Yayoi Kusama, Inc. (n.f.) [Internet] Accesible en http://yayoi-kusama.jp/e/information/index.html [6 de noviembre, 2020 y 10 de noviembre, 2021].

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Leonora deseaba que ejerciéramos nuestro propia capacidad creativa al entrar en su mundo en el que rigen la imaginación y los sueños. Un muy peculiar mundo habitado por personajes misteriosos tanto reales como imaginarios; protagonizado por mujeres poderosas e independientes y en el que los objetos inanimados cobran vida y los animales poseen características humanas.

Lo surreal no está solo en sus obras; también su vida tiene algo de historia fantástica

Despeinada y en traje de montar

A los 20 años de edad, Leonora pintó La Posada del Caballo del Alba, 1937 (Museo Metropolitano, Nueva York). La artista aparece encerrada en su habitación, con una hiena en estado de lactancia y un caballito de madera. En el bosque fuera de la ventana abierta, cabalga una yegua que simboliza el deseo de libertad de su espíritu. De qué se quería liberar? Escucha nuestro episodio para saber toda la historia.

 

En Memorias de Abajo, 1947 Leonora expresa el horror que vivió durante los meses que pasó encerrada en un hospital siquiátrico en la ciudad de Santander en España.

La historia de Leonora Carrington continúa en México, país al que, escapando de su familia y de la Segunda Guerra Mundial, llegó en 1942. Vivió en la Ciudad de México por los siguientes 69 años.

El recuerdo de la cocina de su abuela irlandesa, aparece transformado en un lugar de magia en el que varias enigmáticas figuras preparan comida con ingredientes que son típicamente mexicanos. Miren como el ‘comal,’ un tipo de plancha mexicana, sostiene una gran olla curva sobre la que se cuecen chiles, ajos y maíz. Del lado izquierdo, una criatura vestida de rojo usa un petate de piedra para moler el maíz para las tortillas. Mientras que en el fondo otra figura cocina sobre una gran estufa irlandesa.

Mujeres Conciencia!

Durante los años 70 Leonora fue una de las fundadoras del movimiento para la liberación femenina de Mexico. “Mujeres, Conciencia” es un poster que diseñó en favor de esta causa.

Muestra entre otros símbolos, una gran serpiente y un árbol debajo del cual DOS figuras de Eva, una pintada en color negro y la otra en blanco, intercambian las manzanas, símbolos de la sabiduría que tienen en las manos. Creo que al incluír a dos Evas y omitir a Adan, Carrington pretende mostrar la posibilidad de un mundo donde el conocimiento se transfiera de mujer a mujer y se comparta con todos.

 

En “El Mundo Mágico de los Mayas,” Leonora nos regaló su interpretación artística de esa cultura, en un mural que mide más de cuatro metros de largo. Para realizarlo, ella llevó a cabo una investigación profunda que incluyó su estudio de varios códices, así como del Popol Vuh, también se conoce como El Libro Sagrado de los Mayas. Escucha la explicacion del simbolismo de la obra en el episodio.

 

La música original de este episodio es de Alejandro Ferrer.

El tema del podcast fue compuesto por Ilan Blanck http://www.ilanmakesmusic.com/

Bibliografía del episodio

Aberth, Susan L. (2004). Leonora Carrington: Surrealism, Alchemy and Art, Burlington Magazine.

BBC FOUR (2017). Leonora Carrington, The Lost Surrealist.(Documental).

Caso Ruiz, Luis (2006). Artes de Mexico

Conaculta, canal 22 (2006). Leonora Carrington, Imaginación a galope fino. (Documental.)

Conley, Katharine, Carrington’s Kitchen (2013). Papers of Surrealism. https://scholarworks.wm.edu/aspubs/290 (acceso 3 sept. 2021).

Chadwick, Whitney. (1991). ’El Mundo Magico: Leonora Carrington’s Enchanted Garden,’ in Leonora Carrington, The Mexican Years, ed. Holly Barnet-Sanchez, The Mexican Museum-University of New Mexico Press, San Francisco.

Daigle, Claire, Leonora Carrington with a Pen in Her Right Hand a Paintbrush in Her Left (2021). Figuring Fiction. https://figuringfiction.net/2021/05/31/leonora-carrington-with-a-pen-in-her-right-hand-a-paintbrush-in-her-left/ (acceso 4 septiembre, 2021).

Fundación Leonora Carrington https://www.leocarrington.com/home.html (acceso 4 septiembre, 2021).

Moorehead, Joanna https://www.the-tls.co.uk/articles/great-embarkation-carrington-lisbon/ (acceso 4 septiembre, 2021).

PINILLOS, Laura (@laurapllvll), “Leonora Carrington” en Woman Art House, 21 de junio de 2020 (Twitter). [Consulta 24/06/2020] (acceso 1 noviembre, 2021).

https://www.sothebys.com/en/buy/auction/2020/impressionist-modern-art-evening-sale/leonora-carrington-tuesday (acceso 20 octubre, 2021).

https://www.sothebys.com/en/auctions/ecatalogue/2012/impressionist-modern-art-evening-sale-n08850/lot.48.html#:~:text=Max%20Ernst%20painted%20Leonora%20in,and%20later%20at%20Les%20Milles (acceso 20 octubre, 2021).

https://culturacolectiva.com/arte/leonora-carrington-mural-mayas (acceso 15 septiembre, 2021).

http://www.explore.mx/la-ceiba-o-yaxche-el-arbol-sagrado-de-la-cultura-maya/ (acceso 20 octubre, 2021).

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La suya es una historia de lucha y discriminación, de logros, desilusiones y valentía. Y aunque desgraciadamente no tenga un final feliz, nosotras se las contamos desde el principio en nuestro episodio. No te lo pierdas!

Cuando empezó a pintar, tenía casi 30 años, 3 hijos y un ex-marido

Diego Rivera era director de la academia de Bellas Artes durante el corto tiempo en que María Izquierdo estudió ahí. Una día, durante una exposición de trabajos de los estudiantes, Rivera, se detuvo frente a las obras firmadas M. Izquierdo y pronunció “Esto es lo único.” Es decir, que las obras de ese estudiante, que en principio asumió era varón, eran las únicas de valor, las únicas que mostraban talento y promesa. El elogio del famoso director, le costó a María la envidia de sus compañeros que la abucheaban y molestaban, hasta que ella se recluyó pintar en su casa.

Maternidad, de 1944, es un precioso autorretrato. Pero hay mas …

La imagen nos recuerda a la Virgen María, un símbolo religioso y maternal muy pero muy mexicano. El rebozo, que es el chal (shawl) tradicional que las mujeres mexicanas usan para cubrirse y también para amarrarse sus bebés a la espalda mientras trabajan, funciona como un emblema de mexicanidad.

Mujer ante el espejo (ver abajo), es una obra con tonos surrealistas en la que aparece una mujer desnuda. En contraste con las miles de obras de arte en las que artistas varones representan musas, diosas y actrices sin ropa, esta mujer nos da la espalda y ni su cuerpo ni su rostro se reflejan en el espejo que sostiene frente a ella. Es como si la modelo de la obra nos dijera “no dejaré que me vean como un cuerpo más .” Y para reforzar esta idea, junto a ella aparece un maniquí femenino sin cabeza, brazos, ni piernas.

Todas la mujeres tenemos algo de acróbatas

En Amazona Blanca, 1932, una caballista se balance sobre un poni en movimiento. Maria amaba el circo y es posible que haya querido rendir homenaje a un tema representado por varios artistas famosos. Pero en lo personal, coincidimos con el historiador de arte Mark A. Castro que opina que las acróbatas sean una representación metafórica de si misma. Qué quiere decir esto? Descubrélo en el epiodio!

Bibliografía

Cotter, H. (May 30 1997) Painter on a Pendulum, Swinging From Innocent to Elegiac and Back, The New York Times.

Geis, T. (2005).  Arte Moderno de México. Colección Andrés Blaisten, Mexico, Universidad Nacional Autónoma de México.

Guillen, B. (7 mar 2021). “Maria Izquierdo: una pintora tapada por los muralistas.” Las Olvidadas de America. El Pais. Mexico (28 sept 2021).

Navarrete, S. (1998). “María Izquierdo,” in María Izquierdo, Mexico, D.F., Centro Cultural/Arte Contemporáneo, A.C.

Paz, O. “María Izquierdo. (1993).  Seen in Her Surroundings and Set in Her Proper Place,” in Essays on Mexican Art, New York, Harcourt Brace & Company,  257-258. 

https://www.admagazine.com/cultura/maria-izquierdo-lo-que-no-sabias-de-la-pintora-surrealista-20200406-6229-articulos.html

http://warp.la/el-feminismo-de-maria-izquiero-199835

https://www.jornada.com.mx/2013/10/06/sem-germaine.html

https://www.jornada.com.mx/2012/11/23/politica/021n1pol

https://historia-arte.com/obras/sueno-y-presentimiento

https://museoblaisten.com/Artista/240/Maria-Izquierdo

https://www.christies.com/en/lot/lot-5897427

https://www.christies.com/lot/lot-5897428

https://www.artnexus.com/en/magazines/article-magazine-artnexus/5efbab91e566a87dd8a8ea0e/27/maria-izquierdohttps://elpais.com/mexico/2021-03-07/maria-izquierdo-una-pintora-tapada-por-los-muralistas.html

María Izquierdo, “Amazona blanca [White Horsewoman], also known as Caballista del circo [Circus Bareback Rider],” Blanton Museum of Art Collections, accessed September 27, 2021). https://utw10658.utweb.utexas.edu/items/show/2662.

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La Jungla es su obra maestra.
Sobre un fondo de densas plantas tropicales aparecen cuatro criaturas híbridas con elementos humanos, animales y vegetales. Tienen máscaras africanas en lugar de rostros, y sus enormes pies están descalzos. Quieres saber quiénes son y qué representan? Les contamos todo en nuestro episodio.

Wifredo Lam nació en Sagua La Grande, Cuba en 1902. Fue hijo de Lam-Yam, un emigrante oriundo de Cantón en China y de su esposa Ana Serafina Castilla, descendiente mestiza de familias originarias de África y España. A los 16 años ingresó a la Escuela Profesional de Pintura y Escultura en La Habana, y a los 21 años viajó a Madrid para continuar sus estudios. Una década después se mudó a Paris donde se hizo amigo Pablo Picasso, y trabajó junto a los Surrealistas. Finalmente, en 1941, a los 39 años de edad, regresó a su país.

“Me rehusé a pintar cha-cha-cha”

Los artistas de la vanguardia europea vieron en Lam la autenticidad y el exotismo que buscaban recrear en sus propias obras, ya que en ese tiempo los intelectuales sentían fascinación por todo lo no-europeo, y en especial las culturas de Africa, Oceanía y América. Al mismo tiempo, Lam absorbió las enseñanzas de las vanguardias parisinas, como el cubismo y el surrealismo, al mismo tiempo que cada vez más se inclinó hacia un lenguaje propio que los combina con SUS propias raíces afro-caribeñas.

Lam logró crear un lenguaje artístico que es 100% moderno e internacional, y que al mismo tiempo tiene las raíces bien plantadas en la compleja historia de su Cuba natal. Además, su obra sirvió como un antídoto al estereotipo de su país como una pintoresca fantasía de diversión excesiva. Dale click al episodio para oír la historia completa!

Bibliografía del episiodio:

• Connor, Olga. (2016). “Promesa del Paraíso en La Habana, un mundo sobre la seducción cubana.” El Nuevo Herald. https://www.elnuevoherald.com/vivir-mejor/artes-letras/article80421517.html#storylink=cpy [18 de junio, 2021].
• MacLennan, Gloria C. (2019). “Imagenes de un exilio.” El País. https://elpais.com/cultura/2019/07/25/babelia/1564051032_435588. [16 de junio, 2021].
• MoMA. (2019). MoMA Highlights: 375 Works from The Museum of Modern Art, New York (NY: MoMA). https://www.moma.org/collection/works/34666 [20 de junio, 2021].
• MoMA. (n.d) https://www.moma.org/learn/moma_learning/wifredo-lam-the-jungle-1943/ [20 de junio, 2021].
• Paudrat, Jean-Louis, (n.d.) http://www.wifredolam.net/es/biografia.html [19 de junio, 2021].
• Tate (n.d.) https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/wifredo-lam [18 de junio, 2021].
• Rivero Andreu, Irene. (2016). “Wifredo Lam en el Museo Reina Sofia.” Africanidad. https://www.africanidad.com/2016/08/finaliza-la-exposicion-de-wifredo-lam.html [21 de enero, 2021].
• Wolfsonian Museum, Florida International University. (2019). The Artwork and Caricatures of Conrado Walter Massaguer. https://wolfsonianfiulibrary.wordpress.com/2019/05/31/the-artwork-and-caricatures-of-conrado-walter-massaguer/ [21 de junio, 2021].
• Schulze, Paula (editor). (2008). Wifredo Lam in North America. Haggerty Museum of Art, Marquette University.

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Las figuras que habitan el mundo del maestro Botero no son redondas sino más bien esféricas. Como si fueran globos llenos de aire; grandes pero ligeros y con la capacidad de flotar. Por su parte, el maestro insiste que las formas de su creación no son gordas sino sensuales, y que su estilo es una manera de expresar no solo esa sensualidad sino también su amor por la forma, el volumen y el color. Piensen que en un mundo de proporciones diferentes a las que estamos acostumbrados, en el que nuestra idea de normalidad no tiene cabida, sus figuras no son las que nos encontramos por la calle porque ellas viven en un mundo aparte.

“Engordar esa mandolina fue como entrar en otro cuarto”

Se dice que Botero se convirtió en Botero un día de 1956, cuando en un parque de la Ciudad de Mexico dibujo distraído una mandolina con el hueco demasiado pequeño. El joven artista de 24 años notó que el reducir una parte causaba que el resto de la forma pareciera más grande de lo normal. En este caso, la mandolina parecia como si hubiera ‘engordado’ alrededor del agujero dejándolo demasiado chico.

Miren esta belleza de Mona Lisa!

De acuerdo al artista, su trabajo tiene gran respeto por la tradición y es a la vez una expresión moderna y contempóranea de la pintura. Botero deriva inspiración de los grandes maestros de la Edad Media y del Renacimiento italiano y se deleita al boterizar obras muy importantes dentro de la historia del arte.

Su Mona Lisa a los doce años (abajo, izquierda) fue la primera obra de Botero adquirida por el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Esto sucedió cuando él vivía en una residencia de estudiantes en esa ciudad. Quieres saber toda la historia detrás de esta pintura? Corre a escuchar nuestro episodio donde te contamos eso y mucho más acerca de la vida y obra del gran artista colombiano.

Un amoroso homenaje

Pedro, de 1974 se refiere a una enorme tragedia personal. En 1974 el maestro y Pedrito, su hijito de 4 años, sufrieron un terrible accidente automovilístico en el que el niño perdió la vida. En este retrato Pedrito aparece vestido con uniforme y casco de policía, sus piecitos enfundados en botines blancos y montando su pony de juguete.

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía

Sullivan, Edward, J. Botero: Sculpture, New York, 1986.

Torrado, Santiago (2019). “El retrato más íntimo de Botero: Colombia exhibe un exhaustivo documental sobre la vida y obra del octogenario artista.” El País.
https://elpais.com/cultura/2019/04/10/actualidad/1554867666_998215.html

Vargas Llosa, Mario (2005). “Botero: La suntuosa abundancia.” Donación Botero: Museo de Antioquia. (2005). Fondo Editorial Museo de Antioquia.

https://www.christies.com/en/lot/lot-4989322

https://www.banrepcultural.org/bogota/museo-botero/bienvenidos

https://www.biografiasyvidas.com/reportaje/fernando_botero/fotos1.htm

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La última vez que el mundo vió el retrato que Van Gogh pintó de su medico el doctor Paul Gachet fue el 15 de mayo de 1990. La obra se vendió esa noche por 82.5 millones de dólares, el precio más alto alcanzado por una obra de arte en subasta hasta ese momento. Después se perdió su rastro para siempre. 

A solo 7 años de la muerte del pintor

Vincent murió el 29 de julio de 1890 y su hermano Theo, 6 meses después. Las obras pasaron a manos de Jo Van Gogh, la viuda de Theo. Ella vendió el Dr Gachet a la artista Alice Ruben Faber por 300 francos (unos $58). Esta fotografía de 1897 muestra a la coleccionista embarazada y en cama con la pintura sin marco, recargada contra la pared.

La subasta del 15 de mayo de 1990 tuvo lugar en Nueva York. Lirios de Van Gogh se había vendido por $54 millones en 1987 y se esperaba que Dr. Gachet se vendiera por entre $40 y $50 millones. Pero la pintura hizo historia al convertirse en la mas cara del mundo cuando el martillo cayó en $82.5 millones. Quieres saber quién la compró? Escucha el episodio y entérate!

Vincent pintó dos versiones del retrato. La pose del doctor y los colores son los mismos; la diferencia más notable está en la técnica. La primera, la más original e innovadora, es la protagonista de nuestra historia. La segunda versión  se la regaló al Dr Gachet en agradecimiento y hoy se puede visitar en el Museo d’Orsay en Paris.  En los ojos tristes, pero también en la forma del rostro, y el color del cabello, el retrato de Gachet es también un poco un autorretrato. 

Un marco vacío

El museo Städel de Frankfurt, Alemania adquirió la pintura en 1911. Durante los siguientes 100 años la obra pasó por una docena de dueños… hasta que desapareció de la vista pública. Sin embargo, el marco dorado, hoy vacío, con el que estuvo expuesto en el Städel está todavía en el museo!

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía

Bailey, Martin (2019). The Art Newspaper. Adventures in Van Gogh (blog). “Where is the portrait of Dr Gachet? The mysterious disappearance of Van Gogh’s most expensive painting.” [Internet] Accesible en https://www.theartnewspaper.com/blog/where-is-van-gogh-s-portrait-of-dr-gachet [10 de mayo, 2021].

Bailey, Martin (2019). The Art Newspaper. Adventures in Van Gogh (blog). “Van Gogh and Germany: Frankfurt mounts best show on the artist in recent years.” Accesible en https://www.theartnewspaper.com/blog/van-gogh-and-germany-frankfurt-mounts-best-show-on-the-artist-in-recent-years [10 de mayo, 2021].

Blot, Gérard. Musee d’Orsay. Le docteur Paul Gachet [Dr Paul Gachet]. [Internet] Accesible en https://www.musee-orsay.fr/en/collections/works-in focus/search/commentaire/commentaire_id/dr-paul-gachet-2988.html?no_cache=1&S=&print=1&no_cache=1& [14 de mayo, 2021].

Rosenbaum, Lee. (2007). Arts Journal. “Dr. Gachet” Sighting: It WAS Flöttl! [Internet] Accesible en https://www.artsjournal.com/culturegrrl/2007/01/dr_gachet_sighting_it_was_flot.html [15 de mayo, 2021]

Kleiner, Carolyn (2000). U.S. News online. Mysteries of History. “Van Gogh’s vanishing act: A high-cost, low-profile canvas.” [Internet] Accesible en https://web.archive.org/web/20110514004014/http://www.usnews.com/usnews/doubleissue/mysteries/portrait.htm [11 de mayo, 2021].

Städel Museum (2019). Making Van Gogh: A German Love Story (exhibition). [Internet] Accesible en https://www.staedelmuseum.de/en/vangogh [10 de mayo, 2021].

Städel Museum (2019). Podcast Finding Van Gogh: In search of the legendary “Portrait of Dr Gachet” [Internet] Accesible en https://www.staedelmuseum.de/en/podcast-finding-van-gogh [11 de mayo, 2021].

Boll, Dirk. (2015). Christie’s. Art Works News. “Auctions that made art history: Part 2.” [Internet] Accesible en https://www.christies.com/features Auctions_That_Made_History_2-5580-1.aspx [11 de mayo, 2021].

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Triunfo en un país que no era el suyo y en una profesión dominada por varones. Y lo hizo como toda una dama, siempre elegante en los trajes que encargaba a los mejores modistos de Paris. Sus obras más exitosas presentan el mundo de la mujer, SU propio mundo, con sinceridad y conocimiento.

Nunca se casó ni tuvo hijos

Crea momentos rituales cotidianos

Una madre con un bebé nos remite de inmediato a cientos de obras que representan a La Virgen y El Niño. Y el acto de lavar los pies de otro nos recuerda el acto humilde de Jesus de lavar los pies de los enfermos. Pero lo lindo es que Cassatt convierte estos momentos en rituales, no religiosos, sino cotidianos que pueden ser entendidos por madres de todas las épocas sin importar su nacionalidad o religión.

Los pediatras de la época recomendaban la participación de las mamás en el cuidado y actividades diarias de sus hijos pequeños. Amamantar, bañar, vestir, entretener y abrazar a los bebés estaba de moda entre las madres de la alta sociedad, aunque estas tuvieran los recursos para contratar nanas y nodrizas.

En Mujer y niña conduciendo, vemos que la señora es quién lleva el fuete y las riendas del coche. Su hijita se sienta a su lado y el hijo atrás. El marido ni siquiera aparece.

Una mujer como ella misma

Leyendo Le Figaro, nos muestra a su propia madre, vestida de blanco, con el cabello recogido y con sus anteojos de lectura porque esta leyendo el diario que tiene entre las manos. Las tres letras del título que alcanzamos a leer nos dejan saber que se trata de ‘Le Figaro’ un periódico francés. Cassatt nos presenta a su madre  como la “nueva mujer” del siglo XIX. Es decir, una mujer de mundo, educada e interesada en los acontecimientos del día. 

 

En el Mural de La Mujer Moderna, Cassatt represento a jóvenes de su época haciendo música, cantando y bailando. Al centro, en una maravillosa re-interpretación de la historia del pecado original, varias mujeres cortan manzanas del árbol de la sabiduría, y se las ofrecen a niñas y jovencitas. Así comparten el conocimiento de mujer a mujer a travez de las generaciones.

 

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía

Art Institute of Chicago. “The Child’s Bath.” [Internet]. Accesible en https://www.artic.edu/artworks/111442/the-child-s-bath [28 de abril, 2021].

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