“A fin de cuentas, güera, morena, rica o pobre, toda la gente acaba siendo calavera”

Éstas son las palabras de José Guadalupe Posada, el grabador mexicano que creó la imagen que hoy conocemos como La Calavera Catrina, uno de los símbolos mexicanos más reconocidos en el mundo entero que además se asocia con otra tradición importante: el Día de Muertos. En este episodio especial les hablamos acerca del artista, de los orígenes de La Catrina y por supuesto les contamos todo acerca del significado y la celebración del Día de Muertos.

Para los antiguos habitantes de México la vida y la muerte eran dos estados de una misma existencia.

A partir del siglo XVI, las creencias prehispánicas se fundieron con los ritos cristianos de los conquistadores, dando lugar a las costumbres sincréticas de hoy en día. Es decir que se combinaron dos tradiciones distintas para formar una nueva.

La ofrenda (o altar) de muertos

La noche del 1 al 2 de noviembre, los cementerios se llenan de gente que dedica un altar con las comidas y bebidas favoritas del muertito a quien estén recordando. Las ofrendas también incluyen otros elementos tradicionales como un vaso de agua, velas, papel picado y pan de muerto. Escuchen el episodio donde les explicamos el significado simbólico de cada uno de éstos, y otros elementos.

 

Calavera del editor popular Venegas Arroyo

Dentro del mundo del arte, la figura que más se asocia con el Día de Muertos es José Guadalupe Posada, un grabador y dibujante mexicano que vivió de 1852 a 1913. Su obra representa el modo de vida del mexicano común, incluyendo sus sufrimientos y angustias, al mismo tiempo que critica los excesos de la clases altas. Esto durante la epoca agitada en la que le tocó vivir, que desembocó en la Revolución mexicana.

El artista pobló su mundo gráfico de personajes de su propia invención, entre éstos todo un imaginario de huesos y calaveras relacionados con el culto a la muerte con los que construyó su propio mensaje social. El más famoso de sus personajes es La Calavera Catrina. Sonriente bajo un extravagante sombrero francés adornado con flores y plumas de avestruz, es una burla a las costumbres e hipocresías de los nuevos ricos que se vestían de manera ostentosa y que admiraban todo lo que viniera de países extranjeros y en especial de Francia, mientras que desdeñaban su propia herencia mexicana.

También creó calaveras que representan figuras artísticas o literarias como la Calavera Don Quijote.

Logramos despertar tu curiosidad? Dale click al símbolo de play y escucha el episodio para aprender mucho más acerca de este artista.

La obra de Rivera muestra a docenas de personajes representativos de 400 años de historia nacional.Todos son importantes, pero en la visión del muralista es La Catrina quien es la representante principal de la cultura y la historia de su país. Ella aparece en el centro de todo con su sombrero francés, un elegante traje blanco y una boa de plumas de colores que alude al dios prehispánico Quetzalcoatl, la serpiente emplumada. Junto a ella está su creador Guadalupe Posada, y del otro lado aparece un autorretrato de Diego a la edad de 10 u 11 años, con Frida Kahlo detrás.

No te pierdas el episodio para enterarte de porqué esto es importante!

Bibliografía

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/343353
https://www.npr.org/sections/thesalt/2014/10/29/359829045/decoding-the-food-and-drink-on-a-day-of-the-dead-altar
https://rosalandia.com/varios/damasquina
https://www.christies.com/lot/lot-2062396
https://ich.unesco.org/es/que-es-el-patrimonio-inmaterial-00003
https://smarthistory.org/rivera-dream-of-a-sunday-afternoon-in-alameda-central-park/

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Si tú respuesta es Dalí, eres uno entre el 99% de las personas consultadas. Pero si lo que te vino a la mente es algo diferente, por favor déjanoslo saber. Escríbenos en Instagram o por medio de ésta, nuestra página web.

Su obra más famosa (ver abajo) es La persistencia de la memoria, que se expuso por primera vez en 1931. La inolvidable imagen mide sólamente 24 x 33cm o sea, un poquito más grande que una hoja de papel carta. La puedes ver en el MoMA, NY. Qué ves en ella?Yo veo: un paisaje desolado y silencioso donde el tiempo parece haberse detenido, tres relojes derritiéndose al sol, cada uno marcando una hora distinta, y un montón de hormigas sobre la tapa del que se encuentra cerrado. Una forma muy rara y también blanda está en el suelo. Podría ser un perfil del artista: fíjense que parece tener un ojo cerrado, con pestañas muy largas, y también una nariz de la que sale una lengua gorda.

Y qué quiere decir esto? Oye nuestro episodio de podcast en el que te explicamos todo acerca de esta enigmática obra.

“Cada mañana cuando me levanto, experimento una exquisita alegría, la alegría de ser Salvador Dalí, y me pregunto entusiasmado, ‘qué cosas maravillosas logrará hoy este Salvador Dalí'”

Salvador Dalí fue el segundo hijo de sus padres. Otro bebé, al que también bautizaron Salvador, había nacido y muerto casi un año antes de que naciera el que se convertiría en artista. Dalí siempre dijo creer ser la reencarnación de su hermanito muerto y lo usó como inspiración para muchas de sus obras. Un ejemplo es Retrato de mi hermano muerto (1963).

Mira también este de Paisaje de Figueres que el pintor creó con 6 añitos! >>>

Cuando era joven, Dalí fue expulsado de la Real Academia de Arte de Madrid por decir que él era más inteligente y talentoso que cualquiera de sus profesores, y que por lo tanto, nadie lo podría calificar en los exámenes finales.

Dalí, La canasta de pan, 1926

Un ejemplo de su extraordinario talento para observar y representar la realidad es esta canasta de pan sobre un mantel blanco. Está pintada de un modo tan naturalista que parece verdadera. A esto se le conoce como un ‘trampantojo’ o ‘trompe l’oeil’ (en francés), quiere decir ‘engaña al ojo’. Es decir, que crea una ilusión óptica.

 

Telefóno afrodisíaco (Telefóno-Langosta) de 1936, es un objeto surrealista que Dalí creó para su amigo, el coleccionista y poeta británico Edward James.

La obra surrealista de Salvador Dalí nos muestra su muy complejo mundo interior por medio de la técnica naturalista de los grandes maestros. Fíjate que sus pinturas son híper realistas, casi fotográficas, aunque las imágenes sean irreales. Y es que Dalí fue un artista que se atrevió a mostrarnos su mundo interior, inclusive cuando éste fuera cómico, horrible, asqueroso o indescifrable. Su personalidad por demás excéntrica y sus obras en pintura, escultura, joyería, cine y literatura lo consolidaron como el surrealista por excelencia.

Fue un genio o un loco? Tú qué opinas?

Bibliografía del episodio

https://www.moma.org/collection/works/79018 [acceso en linea 17 de enero, 2022].

https://3minutosdearte.com/cuadros-fundamentales/la-persistencia-de-la-memoria-1931-salvador-dali/ [acceso en linea 17 de enero, 2022].

 https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/dali-salvador/sueno-causado-vuelo-abeja-alrededor-granada-segundo-antes [acceso en linea 17 de enero, 2022].

https://www.salvador-dali.org/en/dali/bio-dali/ [acceso en linea 5 de enero, 2022].

Stanley Meisler (April 2005). “The Surreal World of Salvador Dalí”. Smithsonian Magazine. https://www.smithsonianmag.com/arts-culture/the-surreal-world-of-salvador-dali-78993324/ [acceso en linea 5 de enero, 2022].

https://elpais.com/elpais/2019/10/25/icon_design/1572029126_141785.html [acceso en linea 7 de enero, 2022].

https://www.lavanguardia.com/historiayvida/historia-contemporanea/20190117 /47309736935/las-excentricidades-de-salvador-dali.html [acceso en linea 7 de enero, 2022].

http://archive.thedali.org/mwebcgi/mweb.exe?request=record;id=31;type=101 [acceso en linea 5 de enero, 2022].

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Leonora deseaba que ejerciéramos nuestro propia capacidad creativa al entrar en su mundo en el que rigen la imaginación y los sueños. Un muy peculiar mundo habitado por personajes misteriosos tanto reales como imaginarios; protagonizado por mujeres poderosas e independientes y en el que los objetos inanimados cobran vida y los animales poseen características humanas.

Lo surreal no está solo en sus obras; también su vida tiene algo de historia fantástica

Despeinada y en traje de montar

A los 20 años de edad, Leonora pintó La Posada del Caballo del Alba, 1937 (Museo Metropolitano, Nueva York). La artista aparece encerrada en su habitación, con una hiena en estado de lactancia y un caballito de madera. En el bosque fuera de la ventana abierta, cabalga una yegua que simboliza el deseo de libertad de su espíritu. De qué se quería liberar? Escucha nuestro episodio para saber toda la historia.

 

En Memorias de Abajo, 1947 Leonora expresa el horror que vivió durante los meses que pasó encerrada en un hospital siquiátrico en la ciudad de Santander en España.

La historia de Leonora Carrington continúa en México, país al que, escapando de su familia y de la Segunda Guerra Mundial, llegó en 1942. Vivió en la Ciudad de México por los siguientes 69 años.

El recuerdo de la cocina de su abuela irlandesa, aparece transformado en un lugar de magia en el que varias enigmáticas figuras preparan comida con ingredientes que son típicamente mexicanos. Miren como el ‘comal,’ un tipo de plancha mexicana, sostiene una gran olla curva sobre la que se cuecen chiles, ajos y maíz. Del lado izquierdo, una criatura vestida de rojo usa un petate de piedra para moler el maíz para las tortillas. Mientras que en el fondo otra figura cocina sobre una gran estufa irlandesa.

Mujeres Conciencia!

Durante los años 70 Leonora fue una de las fundadoras del movimiento para la liberación femenina de Mexico. “Mujeres, Conciencia” es un poster que diseñó en favor de esta causa.

Muestra entre otros símbolos, una gran serpiente y un árbol debajo del cual DOS figuras de Eva, una pintada en color negro y la otra en blanco, intercambian las manzanas, símbolos de la sabiduría que tienen en las manos. Creo que al incluír a dos Evas y omitir a Adan, Carrington pretende mostrar la posibilidad de un mundo donde el conocimiento se transfiera de mujer a mujer y se comparta con todos.

 

En “El Mundo Mágico de los Mayas,” Leonora nos regaló su interpretación artística de esa cultura, en un mural que mide más de cuatro metros de largo. Para realizarlo, ella llevó a cabo una investigación profunda que incluyó su estudio de varios códices, así como del Popol Vuh, también se conoce como El Libro Sagrado de los Mayas. Escucha la explicacion del simbolismo de la obra en el episodio.

 

La música original de este episodio es de Alejandro Ferrer.

El tema del podcast fue compuesto por Ilan Blanck http://www.ilanmakesmusic.com/

Bibliografía del episodio

Aberth, Susan L. (2004). Leonora Carrington: Surrealism, Alchemy and Art, Burlington Magazine.

BBC FOUR (2017). Leonora Carrington, The Lost Surrealist.(Documental).

Caso Ruiz, Luis (2006). Artes de Mexico

Conaculta, canal 22 (2006). Leonora Carrington, Imaginación a galope fino. (Documental.)

Conley, Katharine, Carrington’s Kitchen (2013). Papers of Surrealism. https://scholarworks.wm.edu/aspubs/290 (acceso 3 sept. 2021).

Chadwick, Whitney. (1991). ’El Mundo Magico: Leonora Carrington’s Enchanted Garden,’ in Leonora Carrington, The Mexican Years, ed. Holly Barnet-Sanchez, The Mexican Museum-University of New Mexico Press, San Francisco.

Daigle, Claire, Leonora Carrington with a Pen in Her Right Hand a Paintbrush in Her Left (2021). Figuring Fiction. https://figuringfiction.net/2021/05/31/leonora-carrington-with-a-pen-in-her-right-hand-a-paintbrush-in-her-left/ (acceso 4 septiembre, 2021).

Fundación Leonora Carrington https://www.leocarrington.com/home.html (acceso 4 septiembre, 2021).

Moorehead, Joanna https://www.the-tls.co.uk/articles/great-embarkation-carrington-lisbon/ (acceso 4 septiembre, 2021).

PINILLOS, Laura (@laurapllvll), “Leonora Carrington” en Woman Art House, 21 de junio de 2020 (Twitter). [Consulta 24/06/2020] (acceso 1 noviembre, 2021).

https://www.sothebys.com/en/buy/auction/2020/impressionist-modern-art-evening-sale/leonora-carrington-tuesday (acceso 20 octubre, 2021).

https://www.sothebys.com/en/auctions/ecatalogue/2012/impressionist-modern-art-evening-sale-n08850/lot.48.html#:~:text=Max%20Ernst%20painted%20Leonora%20in,and%20later%20at%20Les%20Milles (acceso 20 octubre, 2021).

https://culturacolectiva.com/arte/leonora-carrington-mural-mayas (acceso 15 septiembre, 2021).

http://www.explore.mx/la-ceiba-o-yaxche-el-arbol-sagrado-de-la-cultura-maya/ (acceso 20 octubre, 2021).

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La suya es una historia de lucha y discriminación, de logros, desilusiones y valentía. Y aunque desgraciadamente no tenga un final feliz, nosotras se las contamos desde el principio en nuestro episodio. No te lo pierdas!

Cuando empezó a pintar, tenía casi 30 años, 3 hijos y un ex-marido

Diego Rivera era director de la academia de Bellas Artes durante el corto tiempo en que María Izquierdo estudió ahí. Una día, durante una exposición de trabajos de los estudiantes, Rivera, se detuvo frente a las obras firmadas M. Izquierdo y pronunció “Esto es lo único.” Es decir, que las obras de ese estudiante, que en principio asumió era varón, eran las únicas de valor, las únicas que mostraban talento y promesa. El elogio del famoso director, le costó a María la envidia de sus compañeros que la abucheaban y molestaban, hasta que ella se recluyó pintar en su casa.

Maternidad, de 1944, es un precioso autorretrato. Pero hay mas …

La imagen nos recuerda a la Virgen María, un símbolo religioso y maternal muy pero muy mexicano. El rebozo, que es el chal (shawl) tradicional que las mujeres mexicanas usan para cubrirse y también para amarrarse sus bebés a la espalda mientras trabajan, funciona como un emblema de mexicanidad.

Mujer ante el espejo (ver abajo), es una obra con tonos surrealistas en la que aparece una mujer desnuda. En contraste con las miles de obras de arte en las que artistas varones representan musas, diosas y actrices sin ropa, esta mujer nos da la espalda y ni su cuerpo ni su rostro se reflejan en el espejo que sostiene frente a ella. Es como si la modelo de la obra nos dijera “no dejaré que me vean como un cuerpo más .” Y para reforzar esta idea, junto a ella aparece un maniquí femenino sin cabeza, brazos, ni piernas.

Todas la mujeres tenemos algo de acróbatas

En Amazona Blanca, 1932, una caballista se balance sobre un poni en movimiento. Maria amaba el circo y es posible que haya querido rendir homenaje a un tema representado por varios artistas famosos. Pero en lo personal, coincidimos con el historiador de arte Mark A. Castro que opina que las acróbatas sean una representación metafórica de si misma. Qué quiere decir esto? Descubrélo en el epiodio!

Bibliografía

Cotter, H. (May 30 1997) Painter on a Pendulum, Swinging From Innocent to Elegiac and Back, The New York Times.

Geis, T. (2005).  Arte Moderno de México. Colección Andrés Blaisten, Mexico, Universidad Nacional Autónoma de México.

Guillen, B. (7 mar 2021). “Maria Izquierdo: una pintora tapada por los muralistas.” Las Olvidadas de America. El Pais. Mexico (28 sept 2021).

Navarrete, S. (1998). “María Izquierdo,” in María Izquierdo, Mexico, D.F., Centro Cultural/Arte Contemporáneo, A.C.

Paz, O. “María Izquierdo. (1993).  Seen in Her Surroundings and Set in Her Proper Place,” in Essays on Mexican Art, New York, Harcourt Brace & Company,  257-258. 

https://www.admagazine.com/cultura/maria-izquierdo-lo-que-no-sabias-de-la-pintora-surrealista-20200406-6229-articulos.html

http://warp.la/el-feminismo-de-maria-izquiero-199835

https://www.jornada.com.mx/2013/10/06/sem-germaine.html

https://www.jornada.com.mx/2012/11/23/politica/021n1pol

https://historia-arte.com/obras/sueno-y-presentimiento

https://museoblaisten.com/Artista/240/Maria-Izquierdo

https://www.christies.com/en/lot/lot-5897427

https://www.christies.com/lot/lot-5897428

https://www.artnexus.com/en/magazines/article-magazine-artnexus/5efbab91e566a87dd8a8ea0e/27/maria-izquierdohttps://elpais.com/mexico/2021-03-07/maria-izquierdo-una-pintora-tapada-por-los-muralistas.html

María Izquierdo, “Amazona blanca [White Horsewoman], also known as Caballista del circo [Circus Bareback Rider],” Blanton Museum of Art Collections, accessed September 27, 2021). https://utw10658.utweb.utexas.edu/items/show/2662.

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La Jungla es su obra maestra.
Sobre un fondo de densas plantas tropicales aparecen cuatro criaturas híbridas con elementos humanos, animales y vegetales. Tienen máscaras africanas en lugar de rostros, y sus enormes pies están descalzos. Quieres saber quiénes son y qué representan? Les contamos todo en nuestro episodio.

Wifredo Lam nació en Sagua La Grande, Cuba en 1902. Fue hijo de Lam-Yam, un emigrante oriundo de Cantón en China y de su esposa Ana Serafina Castilla, descendiente mestiza de familias originarias de África y España. A los 16 años ingresó a la Escuela Profesional de Pintura y Escultura en La Habana, y a los 21 años viajó a Madrid para continuar sus estudios. Una década después se mudó a Paris donde se hizo amigo Pablo Picasso, y trabajó junto a los Surrealistas. Finalmente, en 1941, a los 39 años de edad, regresó a su país.

“Me rehusé a pintar cha-cha-cha”

Los artistas de la vanguardia europea vieron en Lam la autenticidad y el exotismo que buscaban recrear en sus propias obras, ya que en ese tiempo los intelectuales sentían fascinación por todo lo no-europeo, y en especial las culturas de Africa, Oceanía y América. Al mismo tiempo, Lam absorbió las enseñanzas de las vanguardias parisinas, como el cubismo y el surrealismo, al mismo tiempo que cada vez más se inclinó hacia un lenguaje propio que los combina con SUS propias raíces afro-caribeñas.

Lam logró crear un lenguaje artístico que es 100% moderno e internacional, y que al mismo tiempo tiene las raíces bien plantadas en la compleja historia de su Cuba natal. Además, su obra sirvió como un antídoto al estereotipo de su país como una pintoresca fantasía de diversión excesiva. Dale click al episodio para oír la historia completa!

Bibliografía del episiodio:

• Connor, Olga. (2016). “Promesa del Paraíso en La Habana, un mundo sobre la seducción cubana.” El Nuevo Herald. https://www.elnuevoherald.com/vivir-mejor/artes-letras/article80421517.html#storylink=cpy [18 de junio, 2021].
• MacLennan, Gloria C. (2019). “Imagenes de un exilio.” El País. https://elpais.com/cultura/2019/07/25/babelia/1564051032_435588. [16 de junio, 2021].
• MoMA. (2019). MoMA Highlights: 375 Works from The Museum of Modern Art, New York (NY: MoMA). https://www.moma.org/collection/works/34666 [20 de junio, 2021].
• MoMA. (n.d) https://www.moma.org/learn/moma_learning/wifredo-lam-the-jungle-1943/ [20 de junio, 2021].
• Paudrat, Jean-Louis, (n.d.) http://www.wifredolam.net/es/biografia.html [19 de junio, 2021].
• Tate (n.d.) https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/wifredo-lam [18 de junio, 2021].
• Rivero Andreu, Irene. (2016). “Wifredo Lam en el Museo Reina Sofia.” Africanidad. https://www.africanidad.com/2016/08/finaliza-la-exposicion-de-wifredo-lam.html [21 de enero, 2021].
• Wolfsonian Museum, Florida International University. (2019). The Artwork and Caricatures of Conrado Walter Massaguer. https://wolfsonianfiulibrary.wordpress.com/2019/05/31/the-artwork-and-caricatures-of-conrado-walter-massaguer/ [21 de junio, 2021].
• Schulze, Paula (editor). (2008). Wifredo Lam in North America. Haggerty Museum of Art, Marquette University.

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Las figuras que habitan el mundo del maestro Botero no son redondas sino más bien esféricas. Como si fueran globos llenos de aire; grandes pero ligeros y con la capacidad de flotar. Por su parte, el maestro insiste que las formas de su creación no son gordas sino sensuales, y que su estilo es una manera de expresar no solo esa sensualidad sino también su amor por la forma, el volumen y el color. Piensen que en un mundo de proporciones diferentes a las que estamos acostumbrados, en el que nuestra idea de normalidad no tiene cabida, sus figuras no son las que nos encontramos por la calle porque ellas viven en un mundo aparte.

“Engordar esa mandolina fue como entrar en otro cuarto”

Se dice que Botero se convirtió en Botero un día de 1956, cuando en un parque de la Ciudad de Mexico dibujo distraído una mandolina con el hueco demasiado pequeño. El joven artista de 24 años notó que el reducir una parte causaba que el resto de la forma pareciera más grande de lo normal. En este caso, la mandolina parecia como si hubiera ‘engordado’ alrededor del agujero dejándolo demasiado chico.

Miren esta belleza de Mona Lisa!

De acuerdo al artista, su trabajo tiene gran respeto por la tradición y es a la vez una expresión moderna y contempóranea de la pintura. Botero deriva inspiración de los grandes maestros de la Edad Media y del Renacimiento italiano y se deleita al boterizar obras muy importantes dentro de la historia del arte.

Su Mona Lisa a los doce años (abajo, izquierda) fue la primera obra de Botero adquirida por el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Esto sucedió cuando él vivía en una residencia de estudiantes en esa ciudad. Quieres saber toda la historia detrás de esta pintura? Corre a escuchar nuestro episodio donde te contamos eso y mucho más acerca de la vida y obra del gran artista colombiano.

Un amoroso homenaje

Pedro, de 1974 se refiere a una enorme tragedia personal. En 1974 el maestro y Pedrito, su hijito de 4 años, sufrieron un terrible accidente automovilístico en el que el niño perdió la vida. En este retrato Pedrito aparece vestido con uniforme y casco de policía, sus piecitos enfundados en botines blancos y montando su pony de juguete.

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía

Sullivan, Edward, J. Botero: Sculpture, New York, 1986.

Torrado, Santiago (2019). “El retrato más íntimo de Botero: Colombia exhibe un exhaustivo documental sobre la vida y obra del octogenario artista.” El País.
https://elpais.com/cultura/2019/04/10/actualidad/1554867666_998215.html

Vargas Llosa, Mario (2005). “Botero: La suntuosa abundancia.” Donación Botero: Museo de Antioquia. (2005). Fondo Editorial Museo de Antioquia.

https://www.christies.com/en/lot/lot-4989322

https://www.banrepcultural.org/bogota/museo-botero/bienvenidos

https://www.biografiasyvidas.com/reportaje/fernando_botero/fotos1.htm

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Frida Kahlo. La Frida Kahlo. 

Qué podemos decir acerca de una artista que es ya tan conocida? 

Frida Kahlo y Diego Rivera

Lo primero es contarles que en vida ella no era ni la mitad de conocida de lo que era su marido, el gran muralista Diego Rivera. Cuando ella murió en 1954, sus pinturas eran prácticamente  desconocidas fuera de México. El verdadero interés por su obra empezó en los años 70 cuando con el fin de dar a conocer artistas mujeres, se publicaron los primeros dos libros acerca de su vida y obra. 

En 1977 se subastó por primera vez, fuera de México, una de sus pinturas, esta fue Árbol de la esperanza, mantente firme.  Un año más tarde, en 1978, se organizaron sus dos primeras exposiciones retrospectivas: una en el Palacio Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de México y otra en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago.

En 1982, otra exposición viajó por diferentes partes del mundo, y ese mismo año la historiadora de arte Hayden Herrera publicó Frida: una Biografía de Frida Kahlo.  Este libro fue considerado uno de los más vendidos a nivel internacional y sirvió de base para la película “Frida” del 2002, actuada y producida por Salma Hayek.

Bibliografía del episodio:

Herrera, Hayden. (1997). Frida Kahlo: Las Pinturas. México, D. F.: Editorial Diana.

Las dos Fridas, cuadro de Frida Kahlo, cumple 80 años con presentación en el Museo de Arte Moderno. (2019). [Internet]. Ciudad de México: INBAL (Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura). Disponible en <https://inba.gob.mx/prensa/13178/las-dos-fridas-cuadro-de-frida-kahlo-cumple-80-anos-con-presentacion-en-el-museo-de-arte-moderno-exhibe> [18 de febrero de 2021].

Sherwin, Skye. (2018). Anatomy of an Artwork Frida Kahlo. [Internet]. U.S. edition: The Guardian. Disponible en <https://www.theguardian.com/artanddesign/2018/aug/31/frida-kahlo-self-portrait-on-the-border> [17 de febrero de 2021].

Tibol, Raquel. (1999). Escrituras de Frida Kahlo. (3a ed. 2004). México, D.F.: Plaza y Janés.

The Diary of Frida Kahlo. (1995). N.Y.: Harry N. Abrams. 

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Por un lado, un artista con ideología comunista. Por el otro, uno de los hombres más ricos del mundo: el capitalismo hecho persona. En el medio, una obra de arte y el drama artístico más sonado de la primera mitad del siglo XX.

Les contamos la fascinante historia de Diego Rivera y el mural del Centro Rockefeller.

Era la década de 1930 y el mundo, en especial Estados Unidos, estaba sumergido en la mayor depresión económica de nuestra historia reciente.

Esta crisis estuvo marcada por un baja significativa en la producción industrial, desempleo masivo y quiebra del sector financiero. Todo esto creó lo peor: pánico general.

Datos interesantes:

• En Estados Unidos el mercado bursátil, es decir los movimientos de la bolsa de valores, perdieron casi el 90% de su valor entre 1929 y 1933. 
• Alrededor de 11,000 bancos se fueron a la quiebra, dejando a muchos sin ningún ahorro. 
• En 1929, el nivel de desempleo estaba en el 3% y en 1933 llegó al 25%. Es decir, uno de cada cuatro trabajadores perdió su empleo.
• El ingreso familiar promedio bajó en un 40% y miles de personas se quedaron sin vivienda.
• Alrededor de 300,000 empresas cerraron por quiebra.

Al mismo tiempo, en la década de los 30 se construyeron los rascacielos más emblemáticos de Manhattan. El edificio Chrysler que se terminó en 1930, era con sus 77 pisos el más alto del mundo, hasta que el Empire State lo pasó con 102 pisos en menos de un año.

Otro de los grandes proyectos de la época fue el Centro Rockefeller, construido por John D. Rockefeller, Jr. Para el vestíbulo del edificio principal de este complejo, se le encargó un mural a Diego Rivera: el artista del momento y muy controvertido por su afiliación a las ideas comunistas.

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía del episodio:

• Herner de Larrea, Irene. (1999). Diego Rivera’s mural at the Rockefeller Center.  Mexico City: Edicupes.
• Museum of Modern Art. “Diego Rivera: Murals for The Museum of Modern Art. (Exhibition: Nov 13, 2011–May 14, 2012) [Internet]. New York, NY https://www.moma.org/calendar/exhibitions/1152?locale=en [12 de octubre de 2020].
• New York Almanack. “1930s Gotham Rising: New York Skyscrapers”. (November 5, 2016) [Internet]. https://www.newyorkalmanack.com/2016/11/1930s-gotham-rising-new-york-skyscrapers/ [10 de octubre de 2020].
• Pliego Quijano, Susana. El Hombre en la Encrucijada: el mural de Diego Rivera en el Centro Rockefeller en [Internet]. https://www.academia.edu/3712218/El_hombre_en_la_encrucijada_el_mural_de_Diego_Rivera_en_el_Centro_Rockefeller [7 de octubre de 2020].
• Smith, Clara (compositora e intérprete). “Deep Blue Sea Blues”. [Internet]. Openmusicarchive.org [10 de octubre de 2020].
• Whitney Museum of American art. Vida americana: Los muralistas mexicanos rehacen el arte estadounidense, 1925–1945  [Internet].  New York, NY. [8 de octubre de 2020].
• Whitney Museum of American art. [Internet]. New York, NY. https://whitney.org/exhibitions/vida-americana [8 de octubre de 2020].

1. NOTA IMPORTANTE: La exhibición del Whitney Museum of American Art “Vida Americana: Los muralistas mexicanos rehacen el arte estadounidense, 1925–1945”, terminó el 31 de enero de 2021 (no en agosto) como mencionamos en el episodio.

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