Hilma af Klint fue una pintora y mística sueca cuya obra singular e innovadora permaneció prácticamente escondida durante décadas hasta que el Museo Guggenheim de Nueva York en 2018, presentó la muestra “Pinturas para el futuro” lanzando su nombre a la fama mundial de la noche a la mañana.

¿Qué es lo que la hace tan especial, a ella y a su obra?

Obras dictadas por un ser trascendental

Nació en Estocolmo, Suecia, en 1862. En 1887, se convirtió en una de las primeras egresadas de La Real Academia Sueca de las Artes; en ese entonces una de las pocas que admitía mujeres.

Interesada en temas esotéricos, formó con 4 amigas artistas, el grupo “Las Cinco” que se reunía semanalmente para discutir temas ocultos y llevar a cabo sesiones con el fin de establecer contacto con seres espirituales de un orden superior a quienes se referían como “Los Altos Maestros”.

 

 

En 1905 dijo haber recibido una comisión de uno de los Maestros, quien le ofreció ser su guía en la producción de la que se convertiría en su obra maestra. Sus amigas le aconsejaron rehusar. Temían que involucrarse en temas ocultos a ese nivel pudieran llevarla incluso a locura. Pero Hilma no las escuchó y dedicó varios años entre 1906 y 1915 a la creación de sus “Pinturas para el Templo”.

“Yo fui el medio por el cual las pinturas fueron creadas, sin dibujos preliminares y con gran fuerza. Yo no tenía idea de lo que debía representar y sin embargo trabajé rápida y segura, sin cambiar ni una sola pincelada” -Hilma af Klint

Las composiciones, que son en verdad extraordinarias, se caracterizan por un estilo único que revelan imaginación y creatividad ilimitadas y representan las diferentes etapas de la vida humana, infancia, juventud, edad adulta y vejez. En ellas, la artista experimentó con el color y la forma tratando de interpretar de manera visual el mundo oculto y enigmático que se le estaba revelando.

El lenguaje que utilizó es el que hoy conocemos como concreto o abstracto por medio del cual se representan conceptos, pensamientos y sentimientos sin reproducir lo que vemos con los ojos y no existía en esa época. Así de simple: NO existía. Ahora imagínense lo que significaba atreverse a crear algo completamente nuevo dentro de un mundo artístico con una larga historia, reglas establecidas y que además estaba dominado por artistas, galeristas y clientes varones.

Hilma, aun siendo mujer, había hecho carrera pintando paisajes y retratos tradicionales y posiblemente temía arriesgarlo todo diciendo abiertamente que estaba creando imágenes nunca antes vistas bajo la guía de un ser del más allá.

Hilma trabajó en estas piezas a escondidas y durante la noche, colocándolas sobre el suelo de su estudio.

Al contrario de Hilma, al artista ruso Vassily Kandinsky se le concedió el título de “el padre del arte abstracto”, después de que publicara en 1911 su ensayo “De lo Espiritual en el Arte”. En este explica que sus pinturas abstractas tienen el poder de trascender el mundo material, acceder al mundo interior de las emociones y evocar sentimientos espirituales en el espectador. En otras palabras, lo que Hilma ya había entendido y en lo que para entonces llevaba varios años trabajando.

 

Y es que af Klint sufrió discriminación de género por parte de clientes y colegas a pesar de haberse graduado de la universidad con honores. Además, el haber llevado por así decirlo, una ‘vida poco convencional’ seguramente hubiese jugado un papel importante en su estigmatización. Te recomendamos oír el episodio para enterarte de lo que la hacía poco convencional a los ojos de sus contemporáneos.

La realidad es que aunque posiblemente nunca lleguemos a saber por qué Hilma hizo las cosas como las hizo, no hay duda de que como mujer ella tenía que ser mucho más cuidadosa. 

Bibliografía del episodio

https://www.theguardian.com/artanddesign/2016/feb/21/hilma-af-klint-occult-spiritualism-abstract-serpentine-gallery

Iris Müller-Westermann, “Paintings for the Future: Hilma af Klint—A Pioneer of Abstraction in Seclusion,” in Hilma af Klint—A Pioneer of Abstraction, ed. Müller-Westermann with Jo Widoff (Stockholm: Moderna Museet; Oftfildern, Germany: Hatje Cantz, 2013), p. 38.

Anna Maria Svensson, “The Greatness of Things: The Art of Hilma af Klint,” in Hilma af Klint, ed. John Hutchinson, exh. cat. (Dublin: Douglas Hyde Gallery, 2005), p. 17.

Julia Voss, Hilma af Klint, a biography. (Chicago, The U of Chicago Press, 2022).

https://www.guggenheim.org/arts-curriculum/topic/paintings-for-the-temple

https://www.rnz.co.nz/national/programmes/saturday/audio/2018823233/jennifer-higgie-the-astonishing-re-emergence-of-hilma-af-klint

https://www.culturagenial.com/es/arte-abstracto/

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/hilma-af-klint-artista-que-pinto-arte-abstracto-antes-que-kandinski_19427

https://www.artgallery.nsw.gov.au/artboards/hilma/the-swan/

https://www.guggenheim.org/arts-curriculum/topic/paintings-for-the-temple

La definición de ‘lo esotérico’ es de https://dle.rae.es/esot%C3%A9rico

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La respuesta es Elisabeth Vigée LeBrun.

La artista viajó cuando era muy jóven y se enamoró de las obras de Peter Pau Rubens. Aquí te mostramos un autoretrato comparado con una obra del maestro. Oye el episodio para sara saber más acerca de éstos.

Elisabeth fue tan talentosa e inteligente que logró llegar hasta Versailles a trabajar para la reina Maria Antonieta. El primer retrato que le hizo es La Archiduquesa Maria Antonieta, Reina de Francia. La reina dijo que era la primera vez que se la retrataba como era realmente, porque según ella todos los pintores de la corte, que eran varones, la trataban muy mal y la hacían perder la esperanza de verse bien en una pintura. Pero esta obra le gustó tanto que le encargó varios más a la pintora. Uno se lo que le envió a su mamá, la reina Maria Teresa de Austria y está hoy en el Kunsthistorisches Museum en Viena. El que retuvo para sus apartamentos es hoy parte de la colección del Metropolitan donde se le conoce como Marie Antoinette in Court dress.

Miren la obra aquí abajo y noten como todos los elementos del conjunto tienen la función de comunicar la elegancia de la reina y el poder de la monarquía. En el episodio se los contamos al detalle!

El retrato de la izquierda, donde la reina aparece vestida de campesina, fue rechazado por la Academia y la artista lo subsituyó por el de la derecha. Les explicamos todo acerca de esto en el podcast.

Maria Antonieta con una rosa,1783 (a la derecha)

Maria Antonieta y sus hijos, 1787

Es una de las obras más conocidas del Palacio de Versalles. La reina aparece rodeada de sus hijos: la mayor, Maria Teresa de 9 años tiene la cabeza sobre su brazo, Luis Charles de 2 añitos está en su regazo, y Luis Joseph de 6 en ese momento el heredero al trono, apunta a la cuna vacía que indica que la bebé Sofi-Beatrice había muerto poco antes. Esta obra se creó para tratar de mostar a una Maria Antonieta más humana (los franceses no la querían. Se acuerdan del famoso “que coman pastel?”).

Cuando estalló la revolución en 1799, Elisabeth entendió que como protegida de la reina ella también corría peligro. Así que una noche se disfrazó de campesina y junto con su hija y su institutriz, se escapó del territorio francés. Pasó los siguientes 12 años viviendo en distintos lugares de Europa, los últimos 6 en la ciudad rusa de San Petersburgo donde produjo hermosísimos retratos como el que ven aquí abajo.

 

Hermosos retratos de niñas

Julie Le Brun mirándose al espejo, 1787 (a la izquierda)

Elisabeth Vigée LeBrun fue una mujer extraordinaria e independiente, artista talentosa y excelente negociante. Rompió paradigmas al mismo tiempo que estableció cánones de moda y belleza. Todo esto no era nada fácil en su época y mucho menos para una mujer. Quiéres saber cómo lo logró? Oye el episodio para conocer la historia completa.

 

 

Bibliografía del episodio

http://digital.library.upenn.edu/women/lebrun/memoirs/memoirs.html

https://www.hermitagemuseum.org/wps/portal/hermitage/digital-collection/01.+paintings/38159

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/656452

https://www.metmuseum.org/toah/hd/vgee/hd_vgee.htm

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/656452

https://www.metmuseum.org/blogs/teen-blog/2016/vigee-le-brun-passion-perseverence\

https://www.nytimes.com/2016/02/12/arts/design/review-vigee-le-brun-metropolitan-museum.html

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Rosa Bonheur nació el 16 de marzo de 1822 en Bordeaux, Francia y a los 7 años se mudó a Paris con toda su familia. Fue hija de Oscar-Raymond y Sophie Bonheur, un profesor de dibujo y una maestra de piano que creían que las niñas debían ser educadas igual que los varones. Gracias a esto Rosa y su hermana Juliette, que también se convirtió en pintora, recibieron la misma educación que sus hermanos, Auguste otro pintor e Isador que llegó a ser escultor.

En Arando en Nivernais (arriba) vemos dos grupo de bueyes trabajando la tierra que aparece tan real que casi podemos distinguir su olor. Esta obra es considerada su primera obra maestra, y la pintó a sus 27 años por encargo del gobierno. Escuchen el podcast para saber porqué es tan importante.

La obra mas famosa de Rosa Bonhuer es La Feria de Caballos (veanla abajo). Pintada al óleo sobre un lienzo enorme de casi 2 por 2.5 metros, ésta nos invita a sentirnos muy cerca de un grupo de caballos que trotan, se paran sobre sus patas traseras y resoplan mientras que sus crines ondean al viento y sus patas golpean la tierra y levantan polvo. Saben que Rosa incluyó su autoretrato entre las caras de los mozos de cuadra? La obra resultó tan maravillosa y realista que un crítico opinó que:

“La Feria de Caballos hubiese sido extraordinaria de cualquier manera, pero el que la haya pintado una mujer es casi un milagro”

El gran éxito artístico y económico que logró le permitieron comprar el Château de By, una enorme propiedad con casa y granja, a la orilla del Bosque de Fontainebleu, una hora al sur de Paris que es hoy día el Museo-Estudio Rosa Bonheur. Hasta ahí llegó, en 1865, la Emperatriz Eugenia para otorgarle la Orden de La Legión de Honor. La medalla se puede ver sobre el lado izquierdo de su pecho en este retrato que le hizo Elizabeth Klumpke.

Elizabeth Klumpke, Rosa Bonheur, 1898. Museo Metropolitano, NY.

Raymond Bonhuer, Rosa a los Cuatro Años, 1826

Este es un retrato que le hizo su padre cuando ella era muy pequeña. Fíjense que en su mano derecha tiene un lápiz y en el suelo aparece un cuaderno. Según sus biógrafos, su papà le había enseñado a dibujar “en el momento que aprendió a sostener un lápiz” y ella había demostrado interés y habilidad para hacerlo.

“En cuanto a machos se refiere, a mí solo me interesan los toros que pinto”

La vida privada de Rosa Bonheur fue muy poco convencional para su tiempo. Tuvo dos parejas, las dos mujeres. La primera fue Nathalie Micas, quien llegó a ser inventora y veterinaria. Con ella pasó cuatro décadas. Después de la muerte de Nathalie, Rosa compartió los últimos años de su vida con la artista estadounidense Elizabeth Klumpke. No hay duda de que Rosa Bonheur fue una mujer extraordinaria que vivió como quiso, sin pedir permiso ni dar explicaciones, pero la historia completa solo la encuentran en nuestro episodio. Así que denle play y escúchenlo.

BIBLIOGRAFIA

https://hyperallergic.com/437985/the-portrait-that-forged-a-divine-marriage-between-two-19th-century-women-painters/ [acceso el 5 de marzo, 2022]

https://hyperallergic.com/433726/frida-kahlo-barbie-rosa-bonheur-doll/ [acceso el 5 de marzo, 2022]

https://artuk.org/discover/stories/ten-reasons-to-love-rosa-bonheur [acceso el 10 de marzo, 2022]

https://www.liverpoolmuseums.org.uk/artifact/le-retour-du-moulin [acceso el 11 de marzo, 2022]

http://ringlingdocents.org/bonheurbio.htm [acceso el 5 de marzo, 2022]

https://www.theartstory.org/artist/bonheur-rosa/life-and-legacy/ [acceso el 5 de marzo, 2022]

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/435702 [acceso el 5 de marzo, 2022]

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Y para festejar, decidimos re-editar nuestro primer episodio, con el que nos conocieron y el que hicimos con mucha ilusion. Disfruténlo, ahora con mas información acerca de la artista, su vida y su magnifica obra. Para ver una selección de fotos diferentes, les invitamos a visitar también la página dedicada a ese primer episodio de Kusama (encuéntrenlo en nuestra primera temporada).

GRACIAS por escucharnos y ayudar a difundir las historias del arte. Bienvenidos.

El arte lo fue siempre todo en su vida

 

Kusama nació en 1929 en la Matsumoto, Japón, en una familia de ricos terratenientes que se dedicaban a cultivar semillas y flores para vender al por mayor. Su familia era muy tradicional y esperaban que tanto Yayoi se casara con un hombre a quien los padres consideraran adecuado.

En el podcast te contamos la historia completa. Pero ahora solo te decimos que Yayoi fue diferente desde muy pequeña y prefería pasar el día dibujando. También empezó a tener alucinaciones desde muy joven. Sin embargo, al cumplir la mayoría de edad logró viajar a los Estados Unidos desde donde se convirtió en una artista internacionalmente famosa.

Uno de los momentos mas importantes de su vida profesional tuvo lugar en 1966 cuando pudo participar en la Bienal de Venecia, con una obra que ella tituló El jardín de Narciso. Esta es otra historia super interesante que te contamos en el episodio.

Transmite felicidad

La obra de Kusama se origina en el dolor y el trauma, sin embargo, es una obra que al final nos transmite alegría. Quién no sonríe al ver una flor rosa llena de puntitos blancos? Su mensaje nace del amor por la vida, de sus propias ganas de vivir. Y es un mensaje de unidad universal que nos hace sentir felices. 

 

 

Su obra más reciente es “Mi alma eterna”, una serie en la que ha trabajado desde 2009, produciendo entre 1 y 4 pinturas por semana. La serie cuenta al día de hoy con mas de 700 piezas!

 

Bibliografía del episodio

• Kusama, Yayoi, and Ralph F. McCarthy. (2011). Infinity Net: The Autobiography of Yayoi Kusama. London, U.K.: Tate.Ormond, Mark (2002).
• “Yayoi Kusama – Exodus, Liberation, and Return.” Originally published in Yayoi Kusama. (Exhibition December 4, 2002 – May 11, 2003). Miami Beach, Florida: Bass Museum of Art. [Internet]. Accesible en http://www.markormond.com/kusama_essay.html [6 de noviembre, 2021 y 10 de noviembre 2021].
• Tate, U.K. (s.f.). “Who is Yayoi Kusama”. In Tate Kids. [Internet]. Accesible en https://www.tate.org.uk/kids/explore/who-is/who-yayoi-kusama [30 de octubre, 2020 y 10 de noviembre 2021].
• Yayoi Kusama, Inc. (n.f.) [Internet] Accesible en http://yayoi-kusama.jp/e/information/index.html [6 de noviembre, 2020 y 10 de noviembre, 2021].

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Leonora deseaba que ejerciéramos nuestro propia capacidad creativa al entrar en su mundo en el que rigen la imaginación y los sueños. Un muy peculiar mundo habitado por personajes misteriosos tanto reales como imaginarios; protagonizado por mujeres poderosas e independientes y en el que los objetos inanimados cobran vida y los animales poseen características humanas.

Lo surreal no está solo en sus obras; también su vida tiene algo de historia fantástica

Despeinada y en traje de montar

A los 20 años de edad, Leonora pintó La Posada del Caballo del Alba, 1937 (Museo Metropolitano, Nueva York). La artista aparece encerrada en su habitación, con una hiena en estado de lactancia y un caballito de madera. En el bosque fuera de la ventana abierta, cabalga una yegua que simboliza el deseo de libertad de su espíritu. De qué se quería liberar? Escucha nuestro episodio para saber toda la historia.

 

En Memorias de Abajo, 1947 Leonora expresa el horror que vivió durante los meses que pasó encerrada en un hospital siquiátrico en la ciudad de Santander en España.

La historia de Leonora Carrington continúa en México, país al que, escapando de su familia y de la Segunda Guerra Mundial, llegó en 1942. Vivió en la Ciudad de México por los siguientes 69 años.

El recuerdo de la cocina de su abuela irlandesa, aparece transformado en un lugar de magia en el que varias enigmáticas figuras preparan comida con ingredientes que son típicamente mexicanos. Miren como el ‘comal,’ un tipo de plancha mexicana, sostiene una gran olla curva sobre la que se cuecen chiles, ajos y maíz. Del lado izquierdo, una criatura vestida de rojo usa un petate de piedra para moler el maíz para las tortillas. Mientras que en el fondo otra figura cocina sobre una gran estufa irlandesa.

Mujeres Conciencia!

Durante los años 70 Leonora fue una de las fundadoras del movimiento para la liberación femenina de Mexico. “Mujeres, Conciencia” es un poster que diseñó en favor de esta causa.

Muestra entre otros símbolos, una gran serpiente y un árbol debajo del cual DOS figuras de Eva, una pintada en color negro y la otra en blanco, intercambian las manzanas, símbolos de la sabiduría que tienen en las manos. Creo que al incluír a dos Evas y omitir a Adan, Carrington pretende mostrar la posibilidad de un mundo donde el conocimiento se transfiera de mujer a mujer y se comparta con todos.

 

En “El Mundo Mágico de los Mayas,” Leonora nos regaló su interpretación artística de esa cultura, en un mural que mide más de cuatro metros de largo. Para realizarlo, ella llevó a cabo una investigación profunda que incluyó su estudio de varios códices, así como del Popol Vuh, también se conoce como El Libro Sagrado de los Mayas. Escucha la explicacion del simbolismo de la obra en el episodio.

 

La música original de este episodio es de Alejandro Ferrer.

El tema del podcast fue compuesto por Ilan Blanck http://www.ilanmakesmusic.com/

Bibliografía del episodio

Aberth, Susan L. (2004). Leonora Carrington: Surrealism, Alchemy and Art, Burlington Magazine.

BBC FOUR (2017). Leonora Carrington, The Lost Surrealist.(Documental).

Caso Ruiz, Luis (2006). Artes de Mexico

Conaculta, canal 22 (2006). Leonora Carrington, Imaginación a galope fino. (Documental.)

Conley, Katharine, Carrington’s Kitchen (2013). Papers of Surrealism. https://scholarworks.wm.edu/aspubs/290 (acceso 3 sept. 2021).

Chadwick, Whitney. (1991). ’El Mundo Magico: Leonora Carrington’s Enchanted Garden,’ in Leonora Carrington, The Mexican Years, ed. Holly Barnet-Sanchez, The Mexican Museum-University of New Mexico Press, San Francisco.

Daigle, Claire, Leonora Carrington with a Pen in Her Right Hand a Paintbrush in Her Left (2021). Figuring Fiction. https://figuringfiction.net/2021/05/31/leonora-carrington-with-a-pen-in-her-right-hand-a-paintbrush-in-her-left/ (acceso 4 septiembre, 2021).

Fundación Leonora Carrington https://www.leocarrington.com/home.html (acceso 4 septiembre, 2021).

Moorehead, Joanna https://www.the-tls.co.uk/articles/great-embarkation-carrington-lisbon/ (acceso 4 septiembre, 2021).

PINILLOS, Laura (@laurapllvll), “Leonora Carrington” en Woman Art House, 21 de junio de 2020 (Twitter). [Consulta 24/06/2020] (acceso 1 noviembre, 2021).

https://www.sothebys.com/en/buy/auction/2020/impressionist-modern-art-evening-sale/leonora-carrington-tuesday (acceso 20 octubre, 2021).

https://www.sothebys.com/en/auctions/ecatalogue/2012/impressionist-modern-art-evening-sale-n08850/lot.48.html#:~:text=Max%20Ernst%20painted%20Leonora%20in,and%20later%20at%20Les%20Milles (acceso 20 octubre, 2021).

https://culturacolectiva.com/arte/leonora-carrington-mural-mayas (acceso 15 septiembre, 2021).

http://www.explore.mx/la-ceiba-o-yaxche-el-arbol-sagrado-de-la-cultura-maya/ (acceso 20 octubre, 2021).

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La suya es una historia de lucha y discriminación, de logros, desilusiones y valentía. Y aunque desgraciadamente no tenga un final feliz, nosotras se las contamos desde el principio en nuestro episodio. No te lo pierdas!

Cuando empezó a pintar, tenía casi 30 años, 3 hijos y un ex-marido

Diego Rivera era director de la academia de Bellas Artes durante el corto tiempo en que María Izquierdo estudió ahí. Una día, durante una exposición de trabajos de los estudiantes, Rivera, se detuvo frente a las obras firmadas M. Izquierdo y pronunció “Esto es lo único.” Es decir, que las obras de ese estudiante, que en principio asumió era varón, eran las únicas de valor, las únicas que mostraban talento y promesa. El elogio del famoso director, le costó a María la envidia de sus compañeros que la abucheaban y molestaban, hasta que ella se recluyó pintar en su casa.

Maternidad, de 1944, es un precioso autorretrato. Pero hay mas …

La imagen nos recuerda a la Virgen María, un símbolo religioso y maternal muy pero muy mexicano. El rebozo, que es el chal (shawl) tradicional que las mujeres mexicanas usan para cubrirse y también para amarrarse sus bebés a la espalda mientras trabajan, funciona como un emblema de mexicanidad.

Mujer ante el espejo (ver abajo), es una obra con tonos surrealistas en la que aparece una mujer desnuda. En contraste con las miles de obras de arte en las que artistas varones representan musas, diosas y actrices sin ropa, esta mujer nos da la espalda y ni su cuerpo ni su rostro se reflejan en el espejo que sostiene frente a ella. Es como si la modelo de la obra nos dijera “no dejaré que me vean como un cuerpo más .” Y para reforzar esta idea, junto a ella aparece un maniquí femenino sin cabeza, brazos, ni piernas.

Todas la mujeres tenemos algo de acróbatas

En Amazona Blanca, 1932, una caballista se balance sobre un poni en movimiento. Maria amaba el circo y es posible que haya querido rendir homenaje a un tema representado por varios artistas famosos. Pero en lo personal, coincidimos con el historiador de arte Mark A. Castro que opina que las acróbatas sean una representación metafórica de si misma. Qué quiere decir esto? Descubrélo en el epiodio!

Bibliografía

Cotter, H. (May 30 1997) Painter on a Pendulum, Swinging From Innocent to Elegiac and Back, The New York Times.

Geis, T. (2005).  Arte Moderno de México. Colección Andrés Blaisten, Mexico, Universidad Nacional Autónoma de México.

Guillen, B. (7 mar 2021). “Maria Izquierdo: una pintora tapada por los muralistas.” Las Olvidadas de America. El Pais. Mexico (28 sept 2021).

Navarrete, S. (1998). “María Izquierdo,” in María Izquierdo, Mexico, D.F., Centro Cultural/Arte Contemporáneo, A.C.

Paz, O. “María Izquierdo. (1993).  Seen in Her Surroundings and Set in Her Proper Place,” in Essays on Mexican Art, New York, Harcourt Brace & Company,  257-258. 

https://www.admagazine.com/cultura/maria-izquierdo-lo-que-no-sabias-de-la-pintora-surrealista-20200406-6229-articulos.html

http://warp.la/el-feminismo-de-maria-izquiero-199835

https://www.jornada.com.mx/2013/10/06/sem-germaine.html

https://www.jornada.com.mx/2012/11/23/politica/021n1pol

https://historia-arte.com/obras/sueno-y-presentimiento

https://museoblaisten.com/Artista/240/Maria-Izquierdo

https://www.christies.com/en/lot/lot-5897427

https://www.christies.com/lot/lot-5897428

https://www.artnexus.com/en/magazines/article-magazine-artnexus/5efbab91e566a87dd8a8ea0e/27/maria-izquierdohttps://elpais.com/mexico/2021-03-07/maria-izquierdo-una-pintora-tapada-por-los-muralistas.html

María Izquierdo, “Amazona blanca [White Horsewoman], also known as Caballista del circo [Circus Bareback Rider],” Blanton Museum of Art Collections, accessed September 27, 2021). https://utw10658.utweb.utexas.edu/items/show/2662.

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Triunfo en un país que no era el suyo y en una profesión dominada por varones. Y lo hizo como toda una dama, siempre elegante en los trajes que encargaba a los mejores modistos de Paris. Sus obras más exitosas presentan el mundo de la mujer, SU propio mundo, con sinceridad y conocimiento.

Nunca se casó ni tuvo hijos

Crea momentos rituales cotidianos

Una madre con un bebé nos remite de inmediato a cientos de obras que representan a La Virgen y El Niño. Y el acto de lavar los pies de otro nos recuerda el acto humilde de Jesus de lavar los pies de los enfermos. Pero lo lindo es que Cassatt convierte estos momentos en rituales, no religiosos, sino cotidianos que pueden ser entendidos por madres de todas las épocas sin importar su nacionalidad o religión.

Los pediatras de la época recomendaban la participación de las mamás en el cuidado y actividades diarias de sus hijos pequeños. Amamantar, bañar, vestir, entretener y abrazar a los bebés estaba de moda entre las madres de la alta sociedad, aunque estas tuvieran los recursos para contratar nanas y nodrizas.

En Mujer y niña conduciendo, vemos que la señora es quién lleva el fuete y las riendas del coche. Su hijita se sienta a su lado y el hijo atrás. El marido ni siquiera aparece.

Una mujer como ella misma

Leyendo Le Figaro, nos muestra a su propia madre, vestida de blanco, con el cabello recogido y con sus anteojos de lectura porque esta leyendo el diario que tiene entre las manos. Las tres letras del título que alcanzamos a leer nos dejan saber que se trata de ‘Le Figaro’ un periódico francés. Cassatt nos presenta a su madre  como la “nueva mujer” del siglo XIX. Es decir, una mujer de mundo, educada e interesada en los acontecimientos del día. 

 

En el Mural de La Mujer Moderna, Cassatt represento a jóvenes de su época haciendo música, cantando y bailando. Al centro, en una maravillosa re-interpretación de la historia del pecado original, varias mujeres cortan manzanas del árbol de la sabiduría, y se las ofrecen a niñas y jovencitas. Así comparten el conocimiento de mujer a mujer a travez de las generaciones.

 

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía

Art Institute of Chicago. “The Child’s Bath.” [Internet]. Accesible en https://www.artic.edu/artworks/111442/the-child-s-bath [28 de abril, 2021].

Bochicchio, Sarah. (2017). Artsy. “Mary Cassatt Painted Domestic Life in a Way Male Impressionists Couldn’t.” [Internet]. Accesible en https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-mary-cassatt-painted-domestic-life-way-male-impressionists [27 de abril, 2021].

Borromeo, Linda (2018). “Mary Cassatt and the Vanishing Mural.” [Internet] .Accesible en https://www.lindaborromeo.com/post/2018/02/01/mary-cassatt-and-the-vanishing-mural [27 de abril, 2021]

Chernick, Karen. (2017). Artsy. “How Mary Cassatt’s Brother Introduced French Impressionism to Americans.”[Internet]. Accesible en  https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-mary-cassatts-brother-introduced-french-impressionism-americans [28 de abril, 2021].

Google Arts & Culture. “10 Things You Might Not Know About Mary Cassatt.” [Internet]. Accesible en https://artsandculture.google.com/story/10-things-you-might-not-know-about-mary-cassatt/1wJSL2AtXwWJJA [27 de abril, 2021]. 

Madsen, Annelise K.(2020).The Art Institute of Chicago. “Cassatt’s Modern Vision of the Everyday: The Child’s Bath.” [Internet]. Accesible en https://www.artic.edu/articles/818/cassatts-modern-vision-of-the-everyday-2 [30 de abril, 2021].

National Gallery of Art, Washington, D.C. (n.d) Mary Cassatt — Selected Paintings. [Internet]. Accesible en https://www.nga.gov/features/slideshows/mary-cassatt-selected-paintings.html?view=grid [26 de abril, 2021]. 

Paton, Kathleen (2020). “Mary Cassatt at The Met. The work of the celebrated American-born Impressionist offers multiple themes to explore.” [Internet]. Accesible en https://www.metstoreblog.org/mary-cassatt-at-the-met/ [ 28 de abril, 2021].

Pollock, Griselda. (2018). Frieze. “The Overlooked Radicalism of Impressionist Mary Cassatt”. [Internet]. Accesible en https://www.frieze.com/article/overlooked-radicalism-impressionist-mary-cassatt [26 de abril, 2021].

White, Margie. (2014). American Girls Art Club In Paris. . . and Beyond. “Mary Cassatt Chicago Mural.” [Internet]. Accesible en https://americangirlsartclubinparis.com/2014/12/09/mary-cassatts-chicago-mural/ [28 de abril, 2021]. 

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Frida Kahlo. La Frida Kahlo. 

Qué podemos decir acerca de una artista que es ya tan conocida? 

Frida Kahlo y Diego Rivera

Lo primero es contarles que en vida ella no era ni la mitad de conocida de lo que era su marido, el gran muralista Diego Rivera. Cuando ella murió en 1954, sus pinturas eran prácticamente  desconocidas fuera de México. El verdadero interés por su obra empezó en los años 70 cuando con el fin de dar a conocer artistas mujeres, se publicaron los primeros dos libros acerca de su vida y obra. 

En 1977 se subastó por primera vez, fuera de México, una de sus pinturas, esta fue Árbol de la esperanza, mantente firme.  Un año más tarde, en 1978, se organizaron sus dos primeras exposiciones retrospectivas: una en el Palacio Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de México y otra en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago.

En 1982, otra exposición viajó por diferentes partes del mundo, y ese mismo año la historiadora de arte Hayden Herrera publicó Frida: una Biografía de Frida Kahlo.  Este libro fue considerado uno de los más vendidos a nivel internacional y sirvió de base para la película “Frida” del 2002, actuada y producida por Salma Hayek.

Bibliografía del episodio:

Herrera, Hayden. (1997). Frida Kahlo: Las Pinturas. México, D. F.: Editorial Diana.

Las dos Fridas, cuadro de Frida Kahlo, cumple 80 años con presentación en el Museo de Arte Moderno. (2019). [Internet]. Ciudad de México: INBAL (Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura). Disponible en <https://inba.gob.mx/prensa/13178/las-dos-fridas-cuadro-de-frida-kahlo-cumple-80-anos-con-presentacion-en-el-museo-de-arte-moderno-exhibe> [18 de febrero de 2021].

Sherwin, Skye. (2018). Anatomy of an Artwork Frida Kahlo. [Internet]. U.S. edition: The Guardian. Disponible en <https://www.theguardian.com/artanddesign/2018/aug/31/frida-kahlo-self-portrait-on-the-border> [17 de febrero de 2021].

Tibol, Raquel. (1999). Escrituras de Frida Kahlo. (3a ed. 2004). México, D.F.: Plaza y Janés.

The Diary of Frida Kahlo. (1995). N.Y.: Harry N. Abrams. 

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Dentro de los artistas del Renacimiento se destacan solamente cuatro mujeres.

A lo largo de la historia, la mayoría de las  artistas mujeres fueron hijas de pintores quienes las instruyeron en la carrera de Bellas Artes. Históricamente, eran excepcionales las mujeres a las  que se les permitía desarrollar sus habilidades artísticas y mucho menos una carrera de profesión.  Una de estas mujeres excepcionales fue Sofonisba Anguissola.

Sofonisba nació en 1530 o 1532 (no se sabe bien) en Cremona, una ciudad en el norte de Italia bajo dominio de la corona Española, en esa época.  Su padre, Amilcare Anguissola, miembro de la nobleza menor, no fue artista pero sí un verdadero humanista y visionario, quien se encargó de que sus seis hijas recibieran una educación paralela a la de su único hijo varón.  Esto de educar a las hijas en las Humanidades no era la norma pero sí era habitual entre las clases sociales altas.

Las niñas también saben jugar ajedrez

La pintura representa una escena de carácter familiar en la que Elena y Minerva, juegan al ajedrez ante la risueña mirada de su hermana menor, Europa. En segundo plano y a la derecha, se ve la figura de una criada.

Como en otras obras de Sofonisba Anguissola, aquí se produce un interesante juego de miradas que recorre todos los personajes y nunca se cruzan: la criada observa a la pequeña Europa, que sonríe mirando a su hermana Minerva, que adivinamos que va perdiendo en el juego y mira  sorprendida a la hermana mayor, Elena, quien a su vez parece buscar la aprobación de la pintora, a la que dirige su mirada.

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía del episodio:

• Ferino Pagden, Sylvia, et al. Sofonisba Anguissola. A Renaissance Woman. (1995). Washington, D.C.: National Museum of Women in the Arts.
• Garrard, Mary D. “Here’s Looking at Me: Sofonisba Anguissola and the Problem of the Woman Artist”. (Autumn, 1994). Renaissance Quarterly, New York,  Vol. 47, No. 3, pp. 556-622. Chicago: The University of Chicago Press.
• [Internet]. https://www.museodelprado.es/en/the-collection/art-work/philip-ii/7d7280d6-5603-488a-8521-933acc357d7a [10 de noviembre de 2020]
• [Internet]. https://www.youtube.com/watch?v=94sMEWMykBo [12 de noviembre de 2020]
• [Internet]. https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/anguissola-sofonisba/949e390c-13b0-429d-99c9-2b98f2e89a32  [10 de noviembre de 2020]
• [Internet]. https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/isabel-de-valois-sosteniendo-un-retrato-de-felipe/6a414693-46ab-4617-b3e5-59e061fcc165  [8 de noviembre de 2020]
• [Internet]. http://www.mfa.org/collections/object/self-portrait-33656 [8 de noviembre de 2020]
• [Internet]. http://art.thewalters.org/detail/1377/portrait-of-marquess-massimiliano-stampa/https://nmwa.org/sites/default/files/shared/gentileschi_sfy.pdf [8 de noviembre de 2020]

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Cuando la pandemia empezó, el Jardín Botánico de la Ciudad de Nueva York ya había vendido cientos de boletos para lo que prometía ser la exposición más completa de la obra de la Japonesa Yayoi Kusama. Esta exhibición iba a incluir varios cuartos infinitos, esos en los que se entra para encontrarse con una infinidad de reflejos creados a través  de un sistema de espejos, calabazas de todos los tamaños y enormes flores. Todo esto pintado con miles de puntos de colores. Ahora tendrá que esperar hasta por lo menos el verano de 2021.

Puntos, puntos y más puntos

Yayoi Kusama es una artista fotografiada frecuentemente con su obra y vistiendo ropa que ella misma decora con sus característicos puntos.

Hoy día, Yayoi Kusama es considerada una de las artistas vivas más famosas del mundo.

Kusama empezó a crear sus obras más populares, esas calabazas de colores llenas de lunares, en los años 90. Pero para entonces, ella ya llevaba más de 30 años produciendo arte de manera profesional.

Su fascinante historia juega un papel muy importante en su obra, así como en quién es hoy.

Kusama empezó a crear sus obras más populares, esas calabazas de colores llenas de lunares, en los años 90. Pero para entonces, ella ya llevaba más de 30 años produciendo arte de manera profesional. Su fascinante historia juega un papel muy importante en su obra, así como en quién es hoy.

 

Bibliografía del episodio:

• Kusama, Yayoi, and Ralph F. McCarthy. (2011). Infinity Net: The Autobiography of Yayoi Kusama. London, U.K.: Tate.
• Ormond, Mark (2002). “Yayoi Kusama – Exodus, Liberation, and Return.” Originally published in Yayoi Kusama. (Exhibition December 4, 2002 – May 11, 2003). Miami Beach, Florida: Bass Museum of Art. [Internet]. Accesible en http://www.markormond.com/kusama_essay.html [6 de noviembre, 2020].
• Tate, U.K. (s.f.). “Who is Yayoi Kusama”. In Tate Kids. [Internet]. Accesible en https://www.tate.org.uk/kids/explore/who-is/who-yayoi-kusama [30 de octubre, 2020].
• Yayoi Kusama, Inc. (n.f.) [Internet] Accesible en http://yayoi-kusama.jp/e/information/index.html [6 de noviembre, 2020].

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