Si tú respuesta es Dalí, eres uno entre el 99% de las personas consultadas. Pero si lo que te vino a la mente es algo diferente, por favor déjanoslo saber. Escríbenos en Instagram o por medio de ésta, nuestra página web.

Su obra más famosa (ver abajo) es La persistencia de la memoria, que se expuso por primera vez en 1931. La inolvidable imagen mide sólamente 24 x 33cm o sea, un poquito más grande que una hoja de papel carta. La puedes ver en el MoMA, NY. Qué ves en ella?Yo veo: un paisaje desolado y silencioso donde el tiempo parece haberse detenido, tres relojes derritiéndose al sol, cada uno marcando una hora distinta, y un montón de hormigas sobre la tapa del que se encuentra cerrado. Una forma muy rara y también blanda está en el suelo. Podría ser un perfil del artista: fíjense que parece tener un ojo cerrado, con pestañas muy largas, y también una nariz de la que sale una lengua gorda.

Y qué quiere decir esto? Oye nuestro episodio de podcast en el que te explicamos todo acerca de esta enigmática obra.

“Cada mañana cuando me levanto, experimento una exquisita alegría, la alegría de ser Salvador Dalí, y me pregunto entusiasmado, ‘qué cosas maravillosas logrará hoy este Salvador Dalí'”

Salvador Dalí fue el segundo hijo de sus padres. Otro bebé, al que también bautizaron Salvador, había nacido y muerto casi un año antes de que naciera el que se convertiría en artista. Dalí siempre dijo creer ser la reencarnación de su hermanito muerto y lo usó como inspiración para muchas de sus obras. Un ejemplo es Retrato de mi hermano muerto (1963).

Mira también este de Paisaje de Figueres que el pintor creó con 6 añitos! >>>

Cuando era joven, Dalí fue expulsado de la Real Academia de Arte de Madrid por decir que él era más inteligente y talentoso que cualquiera de sus profesores, y que por lo tanto, nadie lo podría calificar en los exámenes finales.

Dalí, La canasta de pan, 1926

Un ejemplo de su extraordinario talento para observar y representar la realidad es esta canasta de pan sobre un mantel blanco. Está pintada de un modo tan naturalista que parece verdadera. A esto se le conoce como un ‘trampantojo’ o ‘trompe l’oeil’ (en francés), quiere decir ‘engaña al ojo’. Es decir, que crea una ilusión óptica.

 

Telefóno afrodisíaco (Telefóno-Langosta) de 1936, es un objeto surrealista que Dalí creó para su amigo, el coleccionista y poeta británico Edward James.

La obra surrealista de Salvador Dalí nos muestra su muy complejo mundo interior por medio de la técnica naturalista de los grandes maestros. Fíjate que sus pinturas son híper realistas, casi fotográficas, aunque las imágenes sean irreales. Y es que Dalí fue un artista que se atrevió a mostrarnos su mundo interior, inclusive cuando éste fuera cómico, horrible, asqueroso o indescifrable. Su personalidad por demás excéntrica y sus obras en pintura, escultura, joyería, cine y literatura lo consolidaron como el surrealista por excelencia.

Fue un genio o un loco? Tú qué opinas?

Bibliografía del episodio

https://www.moma.org/collection/works/79018 [acceso en linea 17 de enero, 2022].

https://3minutosdearte.com/cuadros-fundamentales/la-persistencia-de-la-memoria-1931-salvador-dali/ [acceso en linea 17 de enero, 2022].

 https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/dali-salvador/sueno-causado-vuelo-abeja-alrededor-granada-segundo-antes [acceso en linea 17 de enero, 2022].

https://www.salvador-dali.org/en/dali/bio-dali/ [acceso en linea 5 de enero, 2022].

Stanley Meisler (April 2005). “The Surreal World of Salvador Dalí”. Smithsonian Magazine. https://www.smithsonianmag.com/arts-culture/the-surreal-world-of-salvador-dali-78993324/ [acceso en linea 5 de enero, 2022].

https://elpais.com/elpais/2019/10/25/icon_design/1572029126_141785.html [acceso en linea 7 de enero, 2022].

https://www.lavanguardia.com/historiayvida/historia-contemporanea/20190117 /47309736935/las-excentricidades-de-salvador-dali.html [acceso en linea 7 de enero, 2022].

http://archive.thedali.org/mwebcgi/mweb.exe?request=record;id=31;type=101 [acceso en linea 5 de enero, 2022].

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Y para festejar, decidimos re-editar nuestro primer episodio, con el que nos conocieron y el que hicimos con mucha ilusion. Disfruténlo, ahora con mas información acerca de la artista, su vida y su magnifica obra. Para ver una selección de fotos diferentes, les invitamos a visitar también la página dedicada a ese primer episodio de Kusama (encuéntrenlo en nuestra primera temporada).

GRACIAS por escucharnos y ayudar a difundir las historias del arte. Bienvenidos.

El arte lo fue siempre todo en su vida

 

Kusama nació en 1929 en la Matsumoto, Japón, en una familia de ricos terratenientes que se dedicaban a cultivar semillas y flores para vender al por mayor. Su familia era muy tradicional y esperaban que tanto Yayoi se casara con un hombre a quien los padres consideraran adecuado.

En el podcast te contamos la historia completa. Pero ahora solo te decimos que Yayoi fue diferente desde muy pequeña y prefería pasar el día dibujando. También empezó a tener alucinaciones desde muy joven. Sin embargo, al cumplir la mayoría de edad logró viajar a los Estados Unidos desde donde se convirtió en una artista internacionalmente famosa.

Uno de los momentos mas importantes de su vida profesional tuvo lugar en 1966 cuando pudo participar en la Bienal de Venecia, con una obra que ella tituló El jardín de Narciso. Esta es otra historia super interesante que te contamos en el episodio.

Transmite felicidad

La obra de Kusama se origina en el dolor y el trauma, sin embargo, es una obra que al final nos transmite alegría. Quién no sonríe al ver una flor rosa llena de puntitos blancos? Su mensaje nace del amor por la vida, de sus propias ganas de vivir. Y es un mensaje de unidad universal que nos hace sentir felices. 

 

 

Su obra más reciente es “Mi alma eterna”, una serie en la que ha trabajado desde 2009, produciendo entre 1 y 4 pinturas por semana. La serie cuenta al día de hoy con mas de 700 piezas!

 

Bibliografía del episodio

• Kusama, Yayoi, and Ralph F. McCarthy. (2011). Infinity Net: The Autobiography of Yayoi Kusama. London, U.K.: Tate.Ormond, Mark (2002).
• “Yayoi Kusama – Exodus, Liberation, and Return.” Originally published in Yayoi Kusama. (Exhibition December 4, 2002 – May 11, 2003). Miami Beach, Florida: Bass Museum of Art. [Internet]. Accesible en http://www.markormond.com/kusama_essay.html [6 de noviembre, 2021 y 10 de noviembre 2021].
• Tate, U.K. (s.f.). “Who is Yayoi Kusama”. In Tate Kids. [Internet]. Accesible en https://www.tate.org.uk/kids/explore/who-is/who-yayoi-kusama [30 de octubre, 2020 y 10 de noviembre 2021].
• Yayoi Kusama, Inc. (n.f.) [Internet] Accesible en http://yayoi-kusama.jp/e/information/index.html [6 de noviembre, 2020 y 10 de noviembre, 2021].

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Leonora deseaba que ejerciéramos nuestro propia capacidad creativa al entrar en su mundo en el que rigen la imaginación y los sueños. Un muy peculiar mundo habitado por personajes misteriosos tanto reales como imaginarios; protagonizado por mujeres poderosas e independientes y en el que los objetos inanimados cobran vida y los animales poseen características humanas.

Lo surreal no está solo en sus obras; también su vida tiene algo de historia fantástica

Despeinada y en traje de montar

A los 20 años de edad, Leonora pintó La Posada del Caballo del Alba, 1937 (Museo Metropolitano, Nueva York). La artista aparece encerrada en su habitación, con una hiena en estado de lactancia y un caballito de madera. En el bosque fuera de la ventana abierta, cabalga una yegua que simboliza el deseo de libertad de su espíritu. De qué se quería liberar? Escucha nuestro episodio para saber toda la historia.

 

En Memorias de Abajo, 1947 Leonora expresa el horror que vivió durante los meses que pasó encerrada en un hospital siquiátrico en la ciudad de Santander en España.

La historia de Leonora Carrington continúa en México, país al que, escapando de su familia y de la Segunda Guerra Mundial, llegó en 1942. Vivió en la Ciudad de México por los siguientes 69 años.

El recuerdo de la cocina de su abuela irlandesa, aparece transformado en un lugar de magia en el que varias enigmáticas figuras preparan comida con ingredientes que son típicamente mexicanos. Miren como el ‘comal,’ un tipo de plancha mexicana, sostiene una gran olla curva sobre la que se cuecen chiles, ajos y maíz. Del lado izquierdo, una criatura vestida de rojo usa un petate de piedra para moler el maíz para las tortillas. Mientras que en el fondo otra figura cocina sobre una gran estufa irlandesa.

Mujeres Conciencia!

Durante los años 70 Leonora fue una de las fundadoras del movimiento para la liberación femenina de Mexico. “Mujeres, Conciencia” es un poster que diseñó en favor de esta causa.

Muestra entre otros símbolos, una gran serpiente y un árbol debajo del cual DOS figuras de Eva, una pintada en color negro y la otra en blanco, intercambian las manzanas, símbolos de la sabiduría que tienen en las manos. Creo que al incluír a dos Evas y omitir a Adan, Carrington pretende mostrar la posibilidad de un mundo donde el conocimiento se transfiera de mujer a mujer y se comparta con todos.

 

En “El Mundo Mágico de los Mayas,” Leonora nos regaló su interpretación artística de esa cultura, en un mural que mide más de cuatro metros de largo. Para realizarlo, ella llevó a cabo una investigación profunda que incluyó su estudio de varios códices, así como del Popol Vuh, también se conoce como El Libro Sagrado de los Mayas. Escucha la explicacion del simbolismo de la obra en el episodio.

 

La música original de este episodio es de Alejandro Ferrer.

El tema del podcast fue compuesto por Ilan Blanck http://www.ilanmakesmusic.com/

Bibliografía del episodio

Aberth, Susan L. (2004). Leonora Carrington: Surrealism, Alchemy and Art, Burlington Magazine.

BBC FOUR (2017). Leonora Carrington, The Lost Surrealist.(Documental).

Caso Ruiz, Luis (2006). Artes de Mexico

Conaculta, canal 22 (2006). Leonora Carrington, Imaginación a galope fino. (Documental.)

Conley, Katharine, Carrington’s Kitchen (2013). Papers of Surrealism. https://scholarworks.wm.edu/aspubs/290 (acceso 3 sept. 2021).

Chadwick, Whitney. (1991). ’El Mundo Magico: Leonora Carrington’s Enchanted Garden,’ in Leonora Carrington, The Mexican Years, ed. Holly Barnet-Sanchez, The Mexican Museum-University of New Mexico Press, San Francisco.

Daigle, Claire, Leonora Carrington with a Pen in Her Right Hand a Paintbrush in Her Left (2021). Figuring Fiction. https://figuringfiction.net/2021/05/31/leonora-carrington-with-a-pen-in-her-right-hand-a-paintbrush-in-her-left/ (acceso 4 septiembre, 2021).

Fundación Leonora Carrington https://www.leocarrington.com/home.html (acceso 4 septiembre, 2021).

Moorehead, Joanna https://www.the-tls.co.uk/articles/great-embarkation-carrington-lisbon/ (acceso 4 septiembre, 2021).

PINILLOS, Laura (@laurapllvll), “Leonora Carrington” en Woman Art House, 21 de junio de 2020 (Twitter). [Consulta 24/06/2020] (acceso 1 noviembre, 2021).

https://www.sothebys.com/en/buy/auction/2020/impressionist-modern-art-evening-sale/leonora-carrington-tuesday (acceso 20 octubre, 2021).

https://www.sothebys.com/en/auctions/ecatalogue/2012/impressionist-modern-art-evening-sale-n08850/lot.48.html#:~:text=Max%20Ernst%20painted%20Leonora%20in,and%20later%20at%20Les%20Milles (acceso 20 octubre, 2021).

https://culturacolectiva.com/arte/leonora-carrington-mural-mayas (acceso 15 septiembre, 2021).

http://www.explore.mx/la-ceiba-o-yaxche-el-arbol-sagrado-de-la-cultura-maya/ (acceso 20 octubre, 2021).

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La suya es una historia de lucha y discriminación, de logros, desilusiones y valentía. Y aunque desgraciadamente no tenga un final feliz, nosotras se las contamos desde el principio en nuestro episodio. No te lo pierdas!

Cuando empezó a pintar, tenía casi 30 años, 3 hijos y un ex-marido

Diego Rivera era director de la academia de Bellas Artes durante el corto tiempo en que María Izquierdo estudió ahí. Una día, durante una exposición de trabajos de los estudiantes, Rivera, se detuvo frente a las obras firmadas M. Izquierdo y pronunció “Esto es lo único.” Es decir, que las obras de ese estudiante, que en principio asumió era varón, eran las únicas de valor, las únicas que mostraban talento y promesa. El elogio del famoso director, le costó a María la envidia de sus compañeros que la abucheaban y molestaban, hasta que ella se recluyó pintar en su casa.

Maternidad, de 1944, es un precioso autorretrato. Pero hay mas …

La imagen nos recuerda a la Virgen María, un símbolo religioso y maternal muy pero muy mexicano. El rebozo, que es el chal (shawl) tradicional que las mujeres mexicanas usan para cubrirse y también para amarrarse sus bebés a la espalda mientras trabajan, funciona como un emblema de mexicanidad.

Mujer ante el espejo (ver abajo), es una obra con tonos surrealistas en la que aparece una mujer desnuda. En contraste con las miles de obras de arte en las que artistas varones representan musas, diosas y actrices sin ropa, esta mujer nos da la espalda y ni su cuerpo ni su rostro se reflejan en el espejo que sostiene frente a ella. Es como si la modelo de la obra nos dijera “no dejaré que me vean como un cuerpo más .” Y para reforzar esta idea, junto a ella aparece un maniquí femenino sin cabeza, brazos, ni piernas.

Todas la mujeres tenemos algo de acróbatas

En Amazona Blanca, 1932, una caballista se balance sobre un poni en movimiento. Maria amaba el circo y es posible que haya querido rendir homenaje a un tema representado por varios artistas famosos. Pero en lo personal, coincidimos con el historiador de arte Mark A. Castro que opina que las acróbatas sean una representación metafórica de si misma. Qué quiere decir esto? Descubrélo en el epiodio!

Bibliografía

Cotter, H. (May 30 1997) Painter on a Pendulum, Swinging From Innocent to Elegiac and Back, The New York Times.

Geis, T. (2005).  Arte Moderno de México. Colección Andrés Blaisten, Mexico, Universidad Nacional Autónoma de México.

Guillen, B. (7 mar 2021). “Maria Izquierdo: una pintora tapada por los muralistas.” Las Olvidadas de America. El Pais. Mexico (28 sept 2021).

Navarrete, S. (1998). “María Izquierdo,” in María Izquierdo, Mexico, D.F., Centro Cultural/Arte Contemporáneo, A.C.

Paz, O. “María Izquierdo. (1993).  Seen in Her Surroundings and Set in Her Proper Place,” in Essays on Mexican Art, New York, Harcourt Brace & Company,  257-258. 

https://www.admagazine.com/cultura/maria-izquierdo-lo-que-no-sabias-de-la-pintora-surrealista-20200406-6229-articulos.html

http://warp.la/el-feminismo-de-maria-izquiero-199835

https://www.jornada.com.mx/2013/10/06/sem-germaine.html

https://www.jornada.com.mx/2012/11/23/politica/021n1pol

https://historia-arte.com/obras/sueno-y-presentimiento

https://museoblaisten.com/Artista/240/Maria-Izquierdo

https://www.christies.com/en/lot/lot-5897427

https://www.christies.com/lot/lot-5897428

https://www.artnexus.com/en/magazines/article-magazine-artnexus/5efbab91e566a87dd8a8ea0e/27/maria-izquierdohttps://elpais.com/mexico/2021-03-07/maria-izquierdo-una-pintora-tapada-por-los-muralistas.html

María Izquierdo, “Amazona blanca [White Horsewoman], also known as Caballista del circo [Circus Bareback Rider],” Blanton Museum of Art Collections, accessed September 27, 2021). https://utw10658.utweb.utexas.edu/items/show/2662.

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La Jungla es su obra maestra.
Sobre un fondo de densas plantas tropicales aparecen cuatro criaturas híbridas con elementos humanos, animales y vegetales. Tienen máscaras africanas en lugar de rostros, y sus enormes pies están descalzos. Quieres saber quiénes son y qué representan? Les contamos todo en nuestro episodio.

Wifredo Lam nació en Sagua La Grande, Cuba en 1902. Fue hijo de Lam-Yam, un emigrante oriundo de Cantón en China y de su esposa Ana Serafina Castilla, descendiente mestiza de familias originarias de África y España. A los 16 años ingresó a la Escuela Profesional de Pintura y Escultura en La Habana, y a los 21 años viajó a Madrid para continuar sus estudios. Una década después se mudó a Paris donde se hizo amigo Pablo Picasso, y trabajó junto a los Surrealistas. Finalmente, en 1941, a los 39 años de edad, regresó a su país.

“Me rehusé a pintar cha-cha-cha”

Los artistas de la vanguardia europea vieron en Lam la autenticidad y el exotismo que buscaban recrear en sus propias obras, ya que en ese tiempo los intelectuales sentían fascinación por todo lo no-europeo, y en especial las culturas de Africa, Oceanía y América. Al mismo tiempo, Lam absorbió las enseñanzas de las vanguardias parisinas, como el cubismo y el surrealismo, al mismo tiempo que cada vez más se inclinó hacia un lenguaje propio que los combina con SUS propias raíces afro-caribeñas.

Lam logró crear un lenguaje artístico que es 100% moderno e internacional, y que al mismo tiempo tiene las raíces bien plantadas en la compleja historia de su Cuba natal. Además, su obra sirvió como un antídoto al estereotipo de su país como una pintoresca fantasía de diversión excesiva. Dale click al episodio para oír la historia completa!

Bibliografía del episiodio:

• Connor, Olga. (2016). “Promesa del Paraíso en La Habana, un mundo sobre la seducción cubana.” El Nuevo Herald. https://www.elnuevoherald.com/vivir-mejor/artes-letras/article80421517.html#storylink=cpy [18 de junio, 2021].
• MacLennan, Gloria C. (2019). “Imagenes de un exilio.” El País. https://elpais.com/cultura/2019/07/25/babelia/1564051032_435588. [16 de junio, 2021].
• MoMA. (2019). MoMA Highlights: 375 Works from The Museum of Modern Art, New York (NY: MoMA). https://www.moma.org/collection/works/34666 [20 de junio, 2021].
• MoMA. (n.d) https://www.moma.org/learn/moma_learning/wifredo-lam-the-jungle-1943/ [20 de junio, 2021].
• Paudrat, Jean-Louis, (n.d.) http://www.wifredolam.net/es/biografia.html [19 de junio, 2021].
• Tate (n.d.) https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/wifredo-lam [18 de junio, 2021].
• Rivero Andreu, Irene. (2016). “Wifredo Lam en el Museo Reina Sofia.” Africanidad. https://www.africanidad.com/2016/08/finaliza-la-exposicion-de-wifredo-lam.html [21 de enero, 2021].
• Wolfsonian Museum, Florida International University. (2019). The Artwork and Caricatures of Conrado Walter Massaguer. https://wolfsonianfiulibrary.wordpress.com/2019/05/31/the-artwork-and-caricatures-of-conrado-walter-massaguer/ [21 de junio, 2021].
• Schulze, Paula (editor). (2008). Wifredo Lam in North America. Haggerty Museum of Art, Marquette University.

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Se han preguntado alguna vez para qué sirve una obra de arte que no es ‘bonita’?
Cuál es la función del arte más allá de mostrarnos cosas bellas y hacernos sentir felices?
Cómo se puede o se debe de representar algo ‘feo’, o comunicar una tragedia por medio de una expresión artística?

Creemos que el Guernica de Pablo Picasso nos ofrece las respuestas a estas preguntas.

“Una obra de Picasso puede lograr más que un batallón completo”

El 26 de abril de 1937, Guernica una ciudad en la región Vasca de España, fue salvajemente bombardeada por los ejércitos alemán e italiano en apoyo al bando sublevado del General Francisco Franco. Nueve meses antes, Franco había dado un golpe de estado en contra del legítimo y democrático gobierno de la Segunda República.

Picasso se encargó de que todo el horror y la masacre del bombardeo quedaran plasmadas en un enorme lienzo de 3 1/2 x casi 8 metros.

Cada figura tiene su propio significado

La obra esta compuesta por 9 figuras de estilo cubista que aparecen dentro de un espacio pictórico opresivo y lleno, casi sin espacios vacíos. Al verlo, nuestra mente tarda en entender cada una de las formas que parecen confundirse entre ellas. Pero cada una es importante porque cada una una simboliza algo diferente. Escucha el episodio para descubrirlo!

Llegó a España tras pasar 40 años en Nueva York

El Guernica está hoy en el Museo Nacional de Arte Reina Sofía en Madrid pero, porque así lo decidió Picasso, primero pasó varias décadas en el Museo de Arte Moderno en Nueva York. Quieres saber porqué? Te contamos la historia completa en el podcast.

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía del episodio

Flores, Javier. (2018, actualizado 2019). “El Guernica de Picasso Paso a Paso.” En Historia National Geographic. https://historia.nationalgeographic.com.es/a/guernica-picasso-pasoa-paso_12698/11 (21 de julio, 2021).

In our time podcast (2017). “Picasso’s Guernica.” BBC Radio 4. https://www.bbc.co.uk/programmes/b09bxkdm (5 de Julio, 2021).

Leal, Paloma Esteban. https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/guernica (2 de julio, 2021).

Museo Nacional Reina Sofía. https://guernica.museoreinasofia.es/relato/guernica-segun-picasso (10 de julio, 2021).

N.A. (2015) Interpretación y explicación de “El Guernica” de Picasso. https://historiadelarte560.wordpress.com/2015/12/15/interpretacion-y-explicacion-de-el-guernica-de-picasso/ (10 de julio, 2021).

Pérez Salgado, Miguel Ángel. “BILBAO VISTO POR UN CORRESPONSAL DE GUERRA: George L. Steer en ‘El Árbol de Gernika’ (1938).” https://ianasagasti.blogs.com/mi_blog/2016/02/bilbao-visto-por-un-corresponsal-de-guerra-george-l-steer-en-el-%C3%A1rbol-de-gernika-1938.html (7 de julio, 2021).

Shama, Simon. (2008) “The Power of Art: episode 7 Picasso”. BBC (7 de Julio, 2021).

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Las figuras que habitan el mundo del maestro Botero no son redondas sino más bien esféricas. Como si fueran globos llenos de aire; grandes pero ligeros y con la capacidad de flotar. Por su parte, el maestro insiste que las formas de su creación no son gordas sino sensuales, y que su estilo es una manera de expresar no solo esa sensualidad sino también su amor por la forma, el volumen y el color. Piensen que en un mundo de proporciones diferentes a las que estamos acostumbrados, en el que nuestra idea de normalidad no tiene cabida, sus figuras no son las que nos encontramos por la calle porque ellas viven en un mundo aparte.

“Engordar esa mandolina fue como entrar en otro cuarto”

Se dice que Botero se convirtió en Botero un día de 1956, cuando en un parque de la Ciudad de Mexico dibujo distraído una mandolina con el hueco demasiado pequeño. El joven artista de 24 años notó que el reducir una parte causaba que el resto de la forma pareciera más grande de lo normal. En este caso, la mandolina parecia como si hubiera ‘engordado’ alrededor del agujero dejándolo demasiado chico.

Miren esta belleza de Mona Lisa!

De acuerdo al artista, su trabajo tiene gran respeto por la tradición y es a la vez una expresión moderna y contempóranea de la pintura. Botero deriva inspiración de los grandes maestros de la Edad Media y del Renacimiento italiano y se deleita al boterizar obras muy importantes dentro de la historia del arte.

Su Mona Lisa a los doce años (abajo, izquierda) fue la primera obra de Botero adquirida por el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Esto sucedió cuando él vivía en una residencia de estudiantes en esa ciudad. Quieres saber toda la historia detrás de esta pintura? Corre a escuchar nuestro episodio donde te contamos eso y mucho más acerca de la vida y obra del gran artista colombiano.

Un amoroso homenaje

Pedro, de 1974 se refiere a una enorme tragedia personal. En 1974 el maestro y Pedrito, su hijito de 4 años, sufrieron un terrible accidente automovilístico en el que el niño perdió la vida. En este retrato Pedrito aparece vestido con uniforme y casco de policía, sus piecitos enfundados en botines blancos y montando su pony de juguete.

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía

Sullivan, Edward, J. Botero: Sculpture, New York, 1986.

Torrado, Santiago (2019). “El retrato más íntimo de Botero: Colombia exhibe un exhaustivo documental sobre la vida y obra del octogenario artista.” El País.
https://elpais.com/cultura/2019/04/10/actualidad/1554867666_998215.html

Vargas Llosa, Mario (2005). “Botero: La suntuosa abundancia.” Donación Botero: Museo de Antioquia. (2005). Fondo Editorial Museo de Antioquia.

https://www.christies.com/en/lot/lot-4989322

https://www.banrepcultural.org/bogota/museo-botero/bienvenidos

https://www.biografiasyvidas.com/reportaje/fernando_botero/fotos1.htm

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La última vez que el mundo vió el retrato que Van Gogh pintó de su medico el doctor Paul Gachet fue el 15 de mayo de 1990. La obra se vendió esa noche por 82.5 millones de dólares, el precio más alto alcanzado por una obra de arte en subasta hasta ese momento. Después se perdió su rastro para siempre. 

A solo 7 años de la muerte del pintor

Vincent murió el 29 de julio de 1890 y su hermano Theo, 6 meses después. Las obras pasaron a manos de Jo Van Gogh, la viuda de Theo. Ella vendió el Dr Gachet a la artista Alice Ruben Faber por 300 francos (unos $58). Esta fotografía de 1897 muestra a la coleccionista embarazada y en cama con la pintura sin marco, recargada contra la pared.

La subasta del 15 de mayo de 1990 tuvo lugar en Nueva York. Lirios de Van Gogh se había vendido por $54 millones en 1987 y se esperaba que Dr. Gachet se vendiera por entre $40 y $50 millones. Pero la pintura hizo historia al convertirse en la mas cara del mundo cuando el martillo cayó en $82.5 millones. Quieres saber quién la compró? Escucha el episodio y entérate!

Vincent pintó dos versiones del retrato. La pose del doctor y los colores son los mismos; la diferencia más notable está en la técnica. La primera, la más original e innovadora, es la protagonista de nuestra historia. La segunda versión  se la regaló al Dr Gachet en agradecimiento y hoy se puede visitar en el Museo d’Orsay en Paris.  En los ojos tristes, pero también en la forma del rostro, y el color del cabello, el retrato de Gachet es también un poco un autorretrato. 

Un marco vacío

El museo Städel de Frankfurt, Alemania adquirió la pintura en 1911. Durante los siguientes 100 años la obra pasó por una docena de dueños… hasta que desapareció de la vista pública. Sin embargo, el marco dorado, hoy vacío, con el que estuvo expuesto en el Städel está todavía en el museo!

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía

Bailey, Martin (2019). The Art Newspaper. Adventures in Van Gogh (blog). “Where is the portrait of Dr Gachet? The mysterious disappearance of Van Gogh’s most expensive painting.” [Internet] Accesible en https://www.theartnewspaper.com/blog/where-is-van-gogh-s-portrait-of-dr-gachet [10 de mayo, 2021].

Bailey, Martin (2019). The Art Newspaper. Adventures in Van Gogh (blog). “Van Gogh and Germany: Frankfurt mounts best show on the artist in recent years.” Accesible en https://www.theartnewspaper.com/blog/van-gogh-and-germany-frankfurt-mounts-best-show-on-the-artist-in-recent-years [10 de mayo, 2021].

Blot, Gérard. Musee d’Orsay. Le docteur Paul Gachet [Dr Paul Gachet]. [Internet] Accesible en https://www.musee-orsay.fr/en/collections/works-in focus/search/commentaire/commentaire_id/dr-paul-gachet-2988.html?no_cache=1&S=&print=1&no_cache=1& [14 de mayo, 2021].

Rosenbaum, Lee. (2007). Arts Journal. “Dr. Gachet” Sighting: It WAS Flöttl! [Internet] Accesible en https://www.artsjournal.com/culturegrrl/2007/01/dr_gachet_sighting_it_was_flot.html [15 de mayo, 2021]

Kleiner, Carolyn (2000). U.S. News online. Mysteries of History. “Van Gogh’s vanishing act: A high-cost, low-profile canvas.” [Internet] Accesible en https://web.archive.org/web/20110514004014/http://www.usnews.com/usnews/doubleissue/mysteries/portrait.htm [11 de mayo, 2021].

Städel Museum (2019). Making Van Gogh: A German Love Story (exhibition). [Internet] Accesible en https://www.staedelmuseum.de/en/vangogh [10 de mayo, 2021].

Städel Museum (2019). Podcast Finding Van Gogh: In search of the legendary “Portrait of Dr Gachet” [Internet] Accesible en https://www.staedelmuseum.de/en/podcast-finding-van-gogh [11 de mayo, 2021].

Boll, Dirk. (2015). Christie’s. Art Works News. “Auctions that made art history: Part 2.” [Internet] Accesible en https://www.christies.com/features Auctions_That_Made_History_2-5580-1.aspx [11 de mayo, 2021].

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Una de las obras de arte más famosas, polémicas e influyentes del Siglo XX es UN ORINAL!

Para dejarlo bien claro: orinal o mingitorio es un objeto de porcelana que se encuentra en los baños públicos de los hombres. 

En otras palabras: esta es la historia de cómo un objeto sanitario de lo más popular, corriente y hasta ofensivo, transformó  la historia del arte. 

Artista y ajedrecista

Esto sucedió en 1917 y el responsable fue Marcel Duchamp. Un artista y ajedrecista francés y naturalizado norte americano, genial e irreverente que se adelantó varias décadas a un movimiento artístico muy controvertido que nació en los años 60  y que hoy conocemos como Arte Conceptual. El arte conceptual es cuando, la idea, el sentimiento y la intención del artista van por encima de las cualidades estéticas del resultado final, es decir que el concepto y el propósito del artista priman sobre la obra. 

La fama de Duchamp comenzó específicamente durante Febrero y Marzo de 1913, cuando en Nueva York  tuvo lugar la Exposición Internacional de Arte Moderno, mejor conocida como The Armory Show.

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía:

• Mundy, Jennifer. (2015-revision). Howarth, Sophie. (2000). “Marcel Duchamp. Fountain 1917, replica 1964.” [Internet]. London: Tate Modern. Disponible en https://www.tate.org.uk/art/artworks/duchamp-fountain-t07573 [15 de Diciembre, 2020].
• [Internet] https://historia-arte.com/artistas/marcel-duchamp  [15 de Diciembre, 2020].
• [Internet] https://press.philamuseum.org/marcel-duchamp-and-the-fountain-scandal/  [15 de Diciembre, 2020].
• [Internet] https://www.philamuseum.org/collections/permanent/51449.html?mulR=30208|10  [15 de Diciembre, 2020].
• [Internet] https://www.usinflationcalculator.com/ (Para la conversión de $324 en 1913 a $8,500 en 2020). (Acceso el 15 de diciembre de 2020).

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