Hilma af Klint fue una pintora y mística sueca cuya obra singular e innovadora permaneció prácticamente escondida durante décadas hasta que el Museo Guggenheim de Nueva York en 2018, presentó la muestra “Pinturas para el futuro” lanzando su nombre a la fama mundial de la noche a la mañana.

¿Qué es lo que la hace tan especial, a ella y a su obra?

Obras dictadas por un ser trascendental

Nació en Estocolmo, Suecia, en 1862. En 1887, se convirtió en una de las primeras egresadas de La Real Academia Sueca de las Artes; en ese entonces una de las pocas que admitía mujeres.

Interesada en temas esotéricos, formó con 4 amigas artistas, el grupo “Las Cinco” que se reunía semanalmente para discutir temas ocultos y llevar a cabo sesiones con el fin de establecer contacto con seres espirituales de un orden superior a quienes se referían como “Los Altos Maestros”.

 

 

En 1905 dijo haber recibido una comisión de uno de los Maestros, quien le ofreció ser su guía en la producción de la que se convertiría en su obra maestra. Sus amigas le aconsejaron rehusar. Temían que involucrarse en temas ocultos a ese nivel pudieran llevarla incluso a locura. Pero Hilma no las escuchó y dedicó varios años entre 1906 y 1915 a la creación de sus “Pinturas para el Templo”.

“Yo fui el medio por el cual las pinturas fueron creadas, sin dibujos preliminares y con gran fuerza. Yo no tenía idea de lo que debía representar y sin embargo trabajé rápida y segura, sin cambiar ni una sola pincelada” -Hilma af Klint

Las composiciones, que son en verdad extraordinarias, se caracterizan por un estilo único que revelan imaginación y creatividad ilimitadas y representan las diferentes etapas de la vida humana, infancia, juventud, edad adulta y vejez. En ellas, la artista experimentó con el color y la forma tratando de interpretar de manera visual el mundo oculto y enigmático que se le estaba revelando.

El lenguaje que utilizó es el que hoy conocemos como concreto o abstracto por medio del cual se representan conceptos, pensamientos y sentimientos sin reproducir lo que vemos con los ojos y no existía en esa época. Así de simple: NO existía. Ahora imagínense lo que significaba atreverse a crear algo completamente nuevo dentro de un mundo artístico con una larga historia, reglas establecidas y que además estaba dominado por artistas, galeristas y clientes varones.

Hilma, aun siendo mujer, había hecho carrera pintando paisajes y retratos tradicionales y posiblemente temía arriesgarlo todo diciendo abiertamente que estaba creando imágenes nunca antes vistas bajo la guía de un ser del más allá.

Hilma trabajó en estas piezas a escondidas y durante la noche, colocándolas sobre el suelo de su estudio.

Al contrario de Hilma, al artista ruso Vassily Kandinsky se le concedió el título de “el padre del arte abstracto”, después de que publicara en 1911 su ensayo “De lo Espiritual en el Arte”. En este explica que sus pinturas abstractas tienen el poder de trascender el mundo material, acceder al mundo interior de las emociones y evocar sentimientos espirituales en el espectador. En otras palabras, lo que Hilma ya había entendido y en lo que para entonces llevaba varios años trabajando.

 

Y es que af Klint sufrió discriminación de género por parte de clientes y colegas a pesar de haberse graduado de la universidad con honores. Además, el haber llevado por así decirlo, una ‘vida poco convencional’ seguramente hubiese jugado un papel importante en su estigmatización. Te recomendamos oír el episodio para enterarte de lo que la hacía poco convencional a los ojos de sus contemporáneos.

La realidad es que aunque posiblemente nunca lleguemos a saber por qué Hilma hizo las cosas como las hizo, no hay duda de que como mujer ella tenía que ser mucho más cuidadosa. 

Bibliografía del episodio

https://www.theguardian.com/artanddesign/2016/feb/21/hilma-af-klint-occult-spiritualism-abstract-serpentine-gallery

Iris Müller-Westermann, “Paintings for the Future: Hilma af Klint—A Pioneer of Abstraction in Seclusion,” in Hilma af Klint—A Pioneer of Abstraction, ed. Müller-Westermann with Jo Widoff (Stockholm: Moderna Museet; Oftfildern, Germany: Hatje Cantz, 2013), p. 38.

Anna Maria Svensson, “The Greatness of Things: The Art of Hilma af Klint,” in Hilma af Klint, ed. John Hutchinson, exh. cat. (Dublin: Douglas Hyde Gallery, 2005), p. 17.

Julia Voss, Hilma af Klint, a biography. (Chicago, The U of Chicago Press, 2022).

https://www.guggenheim.org/arts-curriculum/topic/paintings-for-the-temple

https://www.rnz.co.nz/national/programmes/saturday/audio/2018823233/jennifer-higgie-the-astonishing-re-emergence-of-hilma-af-klint

https://www.culturagenial.com/es/arte-abstracto/

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/hilma-af-klint-artista-que-pinto-arte-abstracto-antes-que-kandinski_19427

https://www.artgallery.nsw.gov.au/artboards/hilma/the-swan/

https://www.guggenheim.org/arts-curriculum/topic/paintings-for-the-temple

La definición de ‘lo esotérico’ es de https://dle.rae.es/esot%C3%A9rico

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“A fin de cuentas, güera, morena, rica o pobre, toda la gente acaba siendo calavera”

Éstas son las palabras de José Guadalupe Posada, el grabador mexicano que creó la imagen que hoy conocemos como La Calavera Catrina, uno de los símbolos mexicanos más reconocidos en el mundo entero que además se asocia con otra tradición importante: el Día de Muertos. En este episodio especial les hablamos acerca del artista, de los orígenes de La Catrina y por supuesto les contamos todo acerca del significado y la celebración del Día de Muertos.

Para los antiguos habitantes de México la vida y la muerte eran dos estados de una misma existencia.

A partir del siglo XVI, las creencias prehispánicas se fundieron con los ritos cristianos de los conquistadores, dando lugar a las costumbres sincréticas de hoy en día. Es decir que se combinaron dos tradiciones distintas para formar una nueva.

La ofrenda (o altar) de muertos

La noche del 1 al 2 de noviembre, los cementerios se llenan de gente que dedica un altar con las comidas y bebidas favoritas del muertito a quien estén recordando. Las ofrendas también incluyen otros elementos tradicionales como un vaso de agua, velas, papel picado y pan de muerto. Escuchen el episodio donde les explicamos el significado simbólico de cada uno de éstos, y otros elementos.

 

Calavera del editor popular Venegas Arroyo

Dentro del mundo del arte, la figura que más se asocia con el Día de Muertos es José Guadalupe Posada, un grabador y dibujante mexicano que vivió de 1852 a 1913. Su obra representa el modo de vida del mexicano común, incluyendo sus sufrimientos y angustias, al mismo tiempo que critica los excesos de la clases altas. Esto durante la epoca agitada en la que le tocó vivir, que desembocó en la Revolución mexicana.

El artista pobló su mundo gráfico de personajes de su propia invención, entre éstos todo un imaginario de huesos y calaveras relacionados con el culto a la muerte con los que construyó su propio mensaje social. El más famoso de sus personajes es La Calavera Catrina. Sonriente bajo un extravagante sombrero francés adornado con flores y plumas de avestruz, es una burla a las costumbres e hipocresías de los nuevos ricos que se vestían de manera ostentosa y que admiraban todo lo que viniera de países extranjeros y en especial de Francia, mientras que desdeñaban su propia herencia mexicana.

También creó calaveras que representan figuras artísticas o literarias como la Calavera Don Quijote.

Logramos despertar tu curiosidad? Dale click al símbolo de play y escucha el episodio para aprender mucho más acerca de este artista.

La obra de Rivera muestra a docenas de personajes representativos de 400 años de historia nacional.Todos son importantes, pero en la visión del muralista es La Catrina quien es la representante principal de la cultura y la historia de su país. Ella aparece en el centro de todo con su sombrero francés, un elegante traje blanco y una boa de plumas de colores que alude al dios prehispánico Quetzalcoatl, la serpiente emplumada. Junto a ella está su creador Guadalupe Posada, y del otro lado aparece un autorretrato de Diego a la edad de 10 u 11 años, con Frida Kahlo detrás.

No te pierdas el episodio para enterarte de porqué esto es importante!

Bibliografía

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/343353
https://www.npr.org/sections/thesalt/2014/10/29/359829045/decoding-the-food-and-drink-on-a-day-of-the-dead-altar
https://rosalandia.com/varios/damasquina
https://www.christies.com/lot/lot-2062396
https://ich.unesco.org/es/que-es-el-patrimonio-inmaterial-00003
https://smarthistory.org/rivera-dream-of-a-sunday-afternoon-in-alameda-central-park/

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“El beso más famoso de la historia del arte”

Creada al óleo en 1907, El Beso es un gran cuadrado de 180 x 180 cm que brilla y refleja la luz que lo rodea, porque para ornamentarla Klimt utilizó hoja de oro y plata. En la obra aparecen un hombre y una mujer, casi de tamaño natural, que se abrazan sobre un prado de flores de colores. El fondo dorado y el halo de cuerpo entero que los une dan a la obra una dimensión casi sagrada. Escucha nuestro episodio para enterarte de todo acerca de esta hermosa pintura y de su creador: el enigmático Gustav Klimt.

“A cada época, su arte, y al arte, su libertad”.

Viena, Austria, 1897.

Un grupo de artistas jóvenes decidieron romper con la Asociación de Artistas a la que consideraban demasiado estricta y anticuada y fundaron la Secesión Vienesa, literalmente: la separación. El estilo de sus obras fue el de las líneas curvas, orgánicas, de formas naturales y decorativas del Art Nouveau.
Su lema fue: “a cada tiempo, su arte, y al arte, su libertad”.

Su primer presidente fue Gustav Klimt.

Klimt, Adele Block-Bauer, 1907

Ella es Adele Bloch-Bauer, esposa del industrial vienés Ferdinand Bloch-Bauer. Su retrato se conoce como “La Dama Dorada” por su esplendorosa superficie ornamentada con pan de oro y plata, que sirve para acentuar la riqueza de las joyas que la modelo lleva encima. Miren las pulseras y sobre todo la sensacional gargantilla de oro y diamantes!

Klimt tuvo affairs con muchas de sus modelos y hasta con algunas de las esposas de sus patrones. Pero su relación más duradera fue con Emilie Flöge, una famosa diseñadora de moda. Su estudio de alta costura fué uno de los primeros en coser vestidos de estilo vanguardista, sueltos y sin corsé, algunos diseñados por el mismo Klimt. Entonces él era el artista más conocido y prestigioso de la ciudad y los retratos que le hizo a su novia la ayudaron a catapultarse a la fama. Uno de estos retratos, pintado en 1902 la muestra enfundada en un vestido modernista en tonos azules.

Una avalancha de flores

En Jardín Campestre con Girasoles (1906), Klimt nos pone frente a una avalancha de girasoles, margaritas, petunias, áster, begonias y flores del campo en colores verdes y rojos, rosas, azules, amarillos y morados, que convierten ese rincon de la naturaleza en un sitio lleno de esplendor.

Logramos despertar tu curiosidad? Dale click al simbolo de play y escucha el episodio para aprender mucho más acerca de este artista.

Bibliografía

Dr. Charles Cramer and Dr. Kim Grant, “Art Nouveau,” in Smarthistory, June 14, 2020, https://smarthistory.org/art-nouveau/ [acceso el 9 de febrero, 2022].
https://www.neuegalerie.org/collection/artist-profiles/gustav-klimt [acceso el 9 de febrero, 2022].
https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-liverpool/exhibition/gustav-klimt-painting-design-and-modern-life-vienna-1900/gustav-5 [acceso el 9 de febrero, 2022].
https://www.wien.info/es/turismo-en-viena/monumentos-en-viena/modernismo/secesi%C3%B3n-357928 [acceso el 14 de febrero, 2022].
https://www.theartstory.org/artist/klimt-gustav/life-and-legacy/ [acceso el 20 de febrero, 2022].
https://artsandculture.google.com/story/yQVhvTHl7e3XJA [acceso el 21 de febrero, 2022].
https://mymodernmet.com/the-kiss-gustav-klimt/ [acceso el 14 de febrero, 2022].
https://www.thecollector.com/6-little-known-facts-about-gustav-klimt/ [acceso el 20 de febrero, 2022].

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Todo el mundo lo ha visto. Es una imagen universal que representa angustia y horror. Aparece satirizada por todas partes y es tan popular que inclusive existe un emoji con el mismo gesto. Pero a su autor, el noruego Edvard Munch, lo conocemos casi exclusivamente por medio de esa imagen aunque fue en realidad uno de los artistas más prolíficos e innovadores de su tiempo. Por eso es que en éste episodio les contamos acerca de él y su expresiva obra.

“Sentí como un grito infinito atravesaba la naturaleza entera.”

Estado de ánimo enfermo, Desolación, 1892, Metropolitan Museum of Art, NY

El 22 de enero de 1892 Munch escribió en su diario que mientras caminaba con dos amigos a lo largo del puente sobre un fiordo, notó que de pronto, el cielo se tornó de color rojo sangre. En ese momento sintió un cansancio de muerte y mientras que sus amigos continuaron su camino, él se detuvo temblando de ansiedad y sintiendo como un alarido infinito atravesaba la naturaleza entera.

 

La niña enferma, 1886, Museo Nacional, Oslo, Noruega

Una de las obras en las que recuerda los momentos previos a la muerte de su hermana mayor. La obra causó revuelo por la por la manera tan innovadora en la que estaba pintada. Las pinceladas parecen desorganizadas, La pintura verde parece chorrear de las paredes, las manos de la niña y la madre parecen fundirse en una sóla.

Una de nuestras obras favoritas es La tormenta, de 1893 y hoy en el MoMA de NY. La escena está situada en un pueblo de pescadores donde Munch solía pasar los veranos. Las ventanas de las casas aparecen iluminadas y la calle vacía. Un pequeño grupo de mujeres vestidas en colores oscuros están cerca de la orilla del mar en la parte inferior izquierda del cuadro. Es posible que sean las esposas, madres o hijas de los pescadores que han salido en la tormenta.

Quieres saber el significado? Escúchalo en el episodio, donde te contamos eso y más!

No tuvo buena suerte con las mujeres

De joven, el pintor había sido abandonado por más de una mujer casada de quien se había enamorado. En Amor y dolor (Vampiro) una mujer cubierta solo por su largo cabello rojo se inclina sobre el cuello del hombre que, completamente vestido que se hinca frente a ella.

Bibliografía

Dr. Beth Harris and Dr. Steven Zucker, “Fernand Khnopff, I Lock my Door Upon Myself,” in Smarthistory, August 9, 2015, https://smarthistory.org/khnopff-i-lock-my-door-upon-myself/. [acceso en linea 19 de enero, 2022].

Julieta Sanguino en Cultura Colectiva, https://culturacolectiva.com/arte/pinturas-para-la-locura-y-las-obsesiones-de-edvard-munch [acceso en linea 23 de enero, 2022].

Dr. Noelle Paulson, “Edvard Munch, The Scream,” in Smarthistory, August 9, 2015, accessed January 23, 2022, https://smarthistory.org/munch-the-scream/.Vargas Llosa, Mario (2005). “Botero: La suntuosa abundancia.” Donación Botero: Museo de Antioquia. (2005). Fondo Editorial Museo de Antioquia.

Metropolitan Museum of Art, https://www.metmuseum.org/art/collection/search/340029 [acceso en linea 18 de enero, 2022].

MoMA https://www.moma.org/collection/works/80644 [acceso en linea 22 de enero, 2022].

Munch Museum https://munchmuseet.no/en/munch [acceso en linea 19 de enero, 2022].

Museyon http://www.museyon.com/sex-blood-and-symbolism-the-shot-that-made-edvard-munch-scream/ [acceso en linea 19 de enero, 2022].

Smithsonian https://www.smithsonianmag.com/arts-culture/edvard-munch-beyond-the-scream-111810150/ [acceso en linea 20 de enero, 2022].

Tate https://www.tate.org.uk/tate-etc/issue-25-summer-2012/soul-laid-bare [acceso en linea 18 de enero, 2022].

The British Museum https://www.britishmuseum.org/exhibitions/edvard-munch-love-and-angst [acceso en linea 18 de enero, 2022].

The British Museum https://blog.britishmuseum.org/who-was-edvard-munch/?_gl=1*12uxzts*_ga*MTE5ODA4ODc0Ny4xNjQyNTY3ODYz*_ga_08TLB9R8X1*MTY0MjU2Nzg2Mi4xLjEuMTY0MjU2NzkzMi4w [acceso en linea 18 de enero, 2022].

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Si tú respuesta es Dalí, eres uno entre el 99% de las personas consultadas. Pero si lo que te vino a la mente es algo diferente, por favor déjanoslo saber. Escríbenos en Instagram o por medio de ésta, nuestra página web.

Su obra más famosa (ver abajo) es La persistencia de la memoria, que se expuso por primera vez en 1931. La inolvidable imagen mide sólamente 24 x 33cm o sea, un poquito más grande que una hoja de papel carta. La puedes ver en el MoMA, NY. Qué ves en ella?Yo veo: un paisaje desolado y silencioso donde el tiempo parece haberse detenido, tres relojes derritiéndose al sol, cada uno marcando una hora distinta, y un montón de hormigas sobre la tapa del que se encuentra cerrado. Una forma muy rara y también blanda está en el suelo. Podría ser un perfil del artista: fíjense que parece tener un ojo cerrado, con pestañas muy largas, y también una nariz de la que sale una lengua gorda.

Y qué quiere decir esto? Oye nuestro episodio de podcast en el que te explicamos todo acerca de esta enigmática obra.

“Cada mañana cuando me levanto, experimento una exquisita alegría, la alegría de ser Salvador Dalí, y me pregunto entusiasmado, ‘qué cosas maravillosas logrará hoy este Salvador Dalí'”

Salvador Dalí fue el segundo hijo de sus padres. Otro bebé, al que también bautizaron Salvador, había nacido y muerto casi un año antes de que naciera el que se convertiría en artista. Dalí siempre dijo creer ser la reencarnación de su hermanito muerto y lo usó como inspiración para muchas de sus obras. Un ejemplo es Retrato de mi hermano muerto (1963).

Mira también este de Paisaje de Figueres que el pintor creó con 6 añitos! >>>

Cuando era joven, Dalí fue expulsado de la Real Academia de Arte de Madrid por decir que él era más inteligente y talentoso que cualquiera de sus profesores, y que por lo tanto, nadie lo podría calificar en los exámenes finales.

Dalí, La canasta de pan, 1926

Un ejemplo de su extraordinario talento para observar y representar la realidad es esta canasta de pan sobre un mantel blanco. Está pintada de un modo tan naturalista que parece verdadera. A esto se le conoce como un ‘trampantojo’ o ‘trompe l’oeil’ (en francés), quiere decir ‘engaña al ojo’. Es decir, que crea una ilusión óptica.

 

Telefóno afrodisíaco (Telefóno-Langosta) de 1936, es un objeto surrealista que Dalí creó para su amigo, el coleccionista y poeta británico Edward James.

La obra surrealista de Salvador Dalí nos muestra su muy complejo mundo interior por medio de la técnica naturalista de los grandes maestros. Fíjate que sus pinturas son híper realistas, casi fotográficas, aunque las imágenes sean irreales. Y es que Dalí fue un artista que se atrevió a mostrarnos su mundo interior, inclusive cuando éste fuera cómico, horrible, asqueroso o indescifrable. Su personalidad por demás excéntrica y sus obras en pintura, escultura, joyería, cine y literatura lo consolidaron como el surrealista por excelencia.

Fue un genio o un loco? Tú qué opinas?

Bibliografía del episodio

https://www.moma.org/collection/works/79018 [acceso en linea 17 de enero, 2022].

https://3minutosdearte.com/cuadros-fundamentales/la-persistencia-de-la-memoria-1931-salvador-dali/ [acceso en linea 17 de enero, 2022].

 https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/dali-salvador/sueno-causado-vuelo-abeja-alrededor-granada-segundo-antes [acceso en linea 17 de enero, 2022].

https://www.salvador-dali.org/en/dali/bio-dali/ [acceso en linea 5 de enero, 2022].

Stanley Meisler (April 2005). “The Surreal World of Salvador Dalí”. Smithsonian Magazine. https://www.smithsonianmag.com/arts-culture/the-surreal-world-of-salvador-dali-78993324/ [acceso en linea 5 de enero, 2022].

https://elpais.com/elpais/2019/10/25/icon_design/1572029126_141785.html [acceso en linea 7 de enero, 2022].

https://www.lavanguardia.com/historiayvida/historia-contemporanea/20190117 /47309736935/las-excentricidades-de-salvador-dali.html [acceso en linea 7 de enero, 2022].

http://archive.thedali.org/mwebcgi/mweb.exe?request=record;id=31;type=101 [acceso en linea 5 de enero, 2022].

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Y para festejar, decidimos re-editar nuestro primer episodio, con el que nos conocieron y el que hicimos con mucha ilusion. Disfruténlo, ahora con mas información acerca de la artista, su vida y su magnifica obra. Para ver una selección de fotos diferentes, les invitamos a visitar también la página dedicada a ese primer episodio de Kusama (encuéntrenlo en nuestra primera temporada).

GRACIAS por escucharnos y ayudar a difundir las historias del arte. Bienvenidos.

El arte lo fue siempre todo en su vida

 

Kusama nació en 1929 en la Matsumoto, Japón, en una familia de ricos terratenientes que se dedicaban a cultivar semillas y flores para vender al por mayor. Su familia era muy tradicional y esperaban que tanto Yayoi se casara con un hombre a quien los padres consideraran adecuado.

En el podcast te contamos la historia completa. Pero ahora solo te decimos que Yayoi fue diferente desde muy pequeña y prefería pasar el día dibujando. También empezó a tener alucinaciones desde muy joven. Sin embargo, al cumplir la mayoría de edad logró viajar a los Estados Unidos desde donde se convirtió en una artista internacionalmente famosa.

Uno de los momentos mas importantes de su vida profesional tuvo lugar en 1966 cuando pudo participar en la Bienal de Venecia, con una obra que ella tituló El jardín de Narciso. Esta es otra historia super interesante que te contamos en el episodio.

Transmite felicidad

La obra de Kusama se origina en el dolor y el trauma, sin embargo, es una obra que al final nos transmite alegría. Quién no sonríe al ver una flor rosa llena de puntitos blancos? Su mensaje nace del amor por la vida, de sus propias ganas de vivir. Y es un mensaje de unidad universal que nos hace sentir felices. 

 

 

Su obra más reciente es “Mi alma eterna”, una serie en la que ha trabajado desde 2009, produciendo entre 1 y 4 pinturas por semana. La serie cuenta al día de hoy con mas de 700 piezas!

 

Bibliografía del episodio

• Kusama, Yayoi, and Ralph F. McCarthy. (2011). Infinity Net: The Autobiography of Yayoi Kusama. London, U.K.: Tate.Ormond, Mark (2002).
• “Yayoi Kusama – Exodus, Liberation, and Return.” Originally published in Yayoi Kusama. (Exhibition December 4, 2002 – May 11, 2003). Miami Beach, Florida: Bass Museum of Art. [Internet]. Accesible en http://www.markormond.com/kusama_essay.html [6 de noviembre, 2021 y 10 de noviembre 2021].
• Tate, U.K. (s.f.). “Who is Yayoi Kusama”. In Tate Kids. [Internet]. Accesible en https://www.tate.org.uk/kids/explore/who-is/who-yayoi-kusama [30 de octubre, 2020 y 10 de noviembre 2021].
• Yayoi Kusama, Inc. (n.f.) [Internet] Accesible en http://yayoi-kusama.jp/e/information/index.html [6 de noviembre, 2020 y 10 de noviembre, 2021].

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Leonora deseaba que ejerciéramos nuestro propia capacidad creativa al entrar en su mundo en el que rigen la imaginación y los sueños. Un muy peculiar mundo habitado por personajes misteriosos tanto reales como imaginarios; protagonizado por mujeres poderosas e independientes y en el que los objetos inanimados cobran vida y los animales poseen características humanas.

Lo surreal no está solo en sus obras; también su vida tiene algo de historia fantástica

Despeinada y en traje de montar

A los 20 años de edad, Leonora pintó La Posada del Caballo del Alba, 1937 (Museo Metropolitano, Nueva York). La artista aparece encerrada en su habitación, con una hiena en estado de lactancia y un caballito de madera. En el bosque fuera de la ventana abierta, cabalga una yegua que simboliza el deseo de libertad de su espíritu. De qué se quería liberar? Escucha nuestro episodio para saber toda la historia.

 

En Memorias de Abajo, 1947 Leonora expresa el horror que vivió durante los meses que pasó encerrada en un hospital siquiátrico en la ciudad de Santander en España.

La historia de Leonora Carrington continúa en México, país al que, escapando de su familia y de la Segunda Guerra Mundial, llegó en 1942. Vivió en la Ciudad de México por los siguientes 69 años.

El recuerdo de la cocina de su abuela irlandesa, aparece transformado en un lugar de magia en el que varias enigmáticas figuras preparan comida con ingredientes que son típicamente mexicanos. Miren como el ‘comal,’ un tipo de plancha mexicana, sostiene una gran olla curva sobre la que se cuecen chiles, ajos y maíz. Del lado izquierdo, una criatura vestida de rojo usa un petate de piedra para moler el maíz para las tortillas. Mientras que en el fondo otra figura cocina sobre una gran estufa irlandesa.

Mujeres Conciencia!

Durante los años 70 Leonora fue una de las fundadoras del movimiento para la liberación femenina de Mexico. “Mujeres, Conciencia” es un poster que diseñó en favor de esta causa.

Muestra entre otros símbolos, una gran serpiente y un árbol debajo del cual DOS figuras de Eva, una pintada en color negro y la otra en blanco, intercambian las manzanas, símbolos de la sabiduría que tienen en las manos. Creo que al incluír a dos Evas y omitir a Adan, Carrington pretende mostrar la posibilidad de un mundo donde el conocimiento se transfiera de mujer a mujer y se comparta con todos.

 

En “El Mundo Mágico de los Mayas,” Leonora nos regaló su interpretación artística de esa cultura, en un mural que mide más de cuatro metros de largo. Para realizarlo, ella llevó a cabo una investigación profunda que incluyó su estudio de varios códices, así como del Popol Vuh, también se conoce como El Libro Sagrado de los Mayas. Escucha la explicacion del simbolismo de la obra en el episodio.

 

La música original de este episodio es de Alejandro Ferrer.

El tema del podcast fue compuesto por Ilan Blanck http://www.ilanmakesmusic.com/

Bibliografía del episodio

Aberth, Susan L. (2004). Leonora Carrington: Surrealism, Alchemy and Art, Burlington Magazine.

BBC FOUR (2017). Leonora Carrington, The Lost Surrealist.(Documental).

Caso Ruiz, Luis (2006). Artes de Mexico

Conaculta, canal 22 (2006). Leonora Carrington, Imaginación a galope fino. (Documental.)

Conley, Katharine, Carrington’s Kitchen (2013). Papers of Surrealism. https://scholarworks.wm.edu/aspubs/290 (acceso 3 sept. 2021).

Chadwick, Whitney. (1991). ’El Mundo Magico: Leonora Carrington’s Enchanted Garden,’ in Leonora Carrington, The Mexican Years, ed. Holly Barnet-Sanchez, The Mexican Museum-University of New Mexico Press, San Francisco.

Daigle, Claire, Leonora Carrington with a Pen in Her Right Hand a Paintbrush in Her Left (2021). Figuring Fiction. https://figuringfiction.net/2021/05/31/leonora-carrington-with-a-pen-in-her-right-hand-a-paintbrush-in-her-left/ (acceso 4 septiembre, 2021).

Fundación Leonora Carrington https://www.leocarrington.com/home.html (acceso 4 septiembre, 2021).

Moorehead, Joanna https://www.the-tls.co.uk/articles/great-embarkation-carrington-lisbon/ (acceso 4 septiembre, 2021).

PINILLOS, Laura (@laurapllvll), “Leonora Carrington” en Woman Art House, 21 de junio de 2020 (Twitter). [Consulta 24/06/2020] (acceso 1 noviembre, 2021).

https://www.sothebys.com/en/buy/auction/2020/impressionist-modern-art-evening-sale/leonora-carrington-tuesday (acceso 20 octubre, 2021).

https://www.sothebys.com/en/auctions/ecatalogue/2012/impressionist-modern-art-evening-sale-n08850/lot.48.html#:~:text=Max%20Ernst%20painted%20Leonora%20in,and%20later%20at%20Les%20Milles (acceso 20 octubre, 2021).

https://culturacolectiva.com/arte/leonora-carrington-mural-mayas (acceso 15 septiembre, 2021).

http://www.explore.mx/la-ceiba-o-yaxche-el-arbol-sagrado-de-la-cultura-maya/ (acceso 20 octubre, 2021).

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La suya es una historia de lucha y discriminación, de logros, desilusiones y valentía. Y aunque desgraciadamente no tenga un final feliz, nosotras se las contamos desde el principio en nuestro episodio. No te lo pierdas!

Cuando empezó a pintar, tenía casi 30 años, 3 hijos y un ex-marido

Diego Rivera era director de la academia de Bellas Artes durante el corto tiempo en que María Izquierdo estudió ahí. Una día, durante una exposición de trabajos de los estudiantes, Rivera, se detuvo frente a las obras firmadas M. Izquierdo y pronunció “Esto es lo único.” Es decir, que las obras de ese estudiante, que en principio asumió era varón, eran las únicas de valor, las únicas que mostraban talento y promesa. El elogio del famoso director, le costó a María la envidia de sus compañeros que la abucheaban y molestaban, hasta que ella se recluyó pintar en su casa.

Maternidad, de 1944, es un precioso autorretrato. Pero hay mas …

La imagen nos recuerda a la Virgen María, un símbolo religioso y maternal muy pero muy mexicano. El rebozo, que es el chal (shawl) tradicional que las mujeres mexicanas usan para cubrirse y también para amarrarse sus bebés a la espalda mientras trabajan, funciona como un emblema de mexicanidad.

Mujer ante el espejo (ver abajo), es una obra con tonos surrealistas en la que aparece una mujer desnuda. En contraste con las miles de obras de arte en las que artistas varones representan musas, diosas y actrices sin ropa, esta mujer nos da la espalda y ni su cuerpo ni su rostro se reflejan en el espejo que sostiene frente a ella. Es como si la modelo de la obra nos dijera “no dejaré que me vean como un cuerpo más .” Y para reforzar esta idea, junto a ella aparece un maniquí femenino sin cabeza, brazos, ni piernas.

Todas la mujeres tenemos algo de acróbatas

En Amazona Blanca, 1932, una caballista se balance sobre un poni en movimiento. Maria amaba el circo y es posible que haya querido rendir homenaje a un tema representado por varios artistas famosos. Pero en lo personal, coincidimos con el historiador de arte Mark A. Castro que opina que las acróbatas sean una representación metafórica de si misma. Qué quiere decir esto? Descubrélo en el epiodio!

Bibliografía

Cotter, H. (May 30 1997) Painter on a Pendulum, Swinging From Innocent to Elegiac and Back, The New York Times.

Geis, T. (2005).  Arte Moderno de México. Colección Andrés Blaisten, Mexico, Universidad Nacional Autónoma de México.

Guillen, B. (7 mar 2021). “Maria Izquierdo: una pintora tapada por los muralistas.” Las Olvidadas de America. El Pais. Mexico (28 sept 2021).

Navarrete, S. (1998). “María Izquierdo,” in María Izquierdo, Mexico, D.F., Centro Cultural/Arte Contemporáneo, A.C.

Paz, O. “María Izquierdo. (1993).  Seen in Her Surroundings and Set in Her Proper Place,” in Essays on Mexican Art, New York, Harcourt Brace & Company,  257-258. 

https://www.admagazine.com/cultura/maria-izquierdo-lo-que-no-sabias-de-la-pintora-surrealista-20200406-6229-articulos.html

http://warp.la/el-feminismo-de-maria-izquiero-199835

https://www.jornada.com.mx/2013/10/06/sem-germaine.html

https://www.jornada.com.mx/2012/11/23/politica/021n1pol

https://historia-arte.com/obras/sueno-y-presentimiento

https://museoblaisten.com/Artista/240/Maria-Izquierdo

https://www.christies.com/en/lot/lot-5897427

https://www.christies.com/lot/lot-5897428

https://www.artnexus.com/en/magazines/article-magazine-artnexus/5efbab91e566a87dd8a8ea0e/27/maria-izquierdohttps://elpais.com/mexico/2021-03-07/maria-izquierdo-una-pintora-tapada-por-los-muralistas.html

María Izquierdo, “Amazona blanca [White Horsewoman], also known as Caballista del circo [Circus Bareback Rider],” Blanton Museum of Art Collections, accessed September 27, 2021). https://utw10658.utweb.utexas.edu/items/show/2662.

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La Jungla es su obra maestra.
Sobre un fondo de densas plantas tropicales aparecen cuatro criaturas híbridas con elementos humanos, animales y vegetales. Tienen máscaras africanas en lugar de rostros, y sus enormes pies están descalzos. Quieres saber quiénes son y qué representan? Les contamos todo en nuestro episodio.

Wifredo Lam nació en Sagua La Grande, Cuba en 1902. Fue hijo de Lam-Yam, un emigrante oriundo de Cantón en China y de su esposa Ana Serafina Castilla, descendiente mestiza de familias originarias de África y España. A los 16 años ingresó a la Escuela Profesional de Pintura y Escultura en La Habana, y a los 21 años viajó a Madrid para continuar sus estudios. Una década después se mudó a Paris donde se hizo amigo Pablo Picasso, y trabajó junto a los Surrealistas. Finalmente, en 1941, a los 39 años de edad, regresó a su país.

“Me rehusé a pintar cha-cha-cha”

Los artistas de la vanguardia europea vieron en Lam la autenticidad y el exotismo que buscaban recrear en sus propias obras, ya que en ese tiempo los intelectuales sentían fascinación por todo lo no-europeo, y en especial las culturas de Africa, Oceanía y América. Al mismo tiempo, Lam absorbió las enseñanzas de las vanguardias parisinas, como el cubismo y el surrealismo, al mismo tiempo que cada vez más se inclinó hacia un lenguaje propio que los combina con SUS propias raíces afro-caribeñas.

Lam logró crear un lenguaje artístico que es 100% moderno e internacional, y que al mismo tiempo tiene las raíces bien plantadas en la compleja historia de su Cuba natal. Además, su obra sirvió como un antídoto al estereotipo de su país como una pintoresca fantasía de diversión excesiva. Dale click al episodio para oír la historia completa!

Bibliografía del episiodio:

• Connor, Olga. (2016). “Promesa del Paraíso en La Habana, un mundo sobre la seducción cubana.” El Nuevo Herald. https://www.elnuevoherald.com/vivir-mejor/artes-letras/article80421517.html#storylink=cpy [18 de junio, 2021].
• MacLennan, Gloria C. (2019). “Imagenes de un exilio.” El País. https://elpais.com/cultura/2019/07/25/babelia/1564051032_435588. [16 de junio, 2021].
• MoMA. (2019). MoMA Highlights: 375 Works from The Museum of Modern Art, New York (NY: MoMA). https://www.moma.org/collection/works/34666 [20 de junio, 2021].
• MoMA. (n.d) https://www.moma.org/learn/moma_learning/wifredo-lam-the-jungle-1943/ [20 de junio, 2021].
• Paudrat, Jean-Louis, (n.d.) http://www.wifredolam.net/es/biografia.html [19 de junio, 2021].
• Tate (n.d.) https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/wifredo-lam [18 de junio, 2021].
• Rivero Andreu, Irene. (2016). “Wifredo Lam en el Museo Reina Sofia.” Africanidad. https://www.africanidad.com/2016/08/finaliza-la-exposicion-de-wifredo-lam.html [21 de enero, 2021].
• Wolfsonian Museum, Florida International University. (2019). The Artwork and Caricatures of Conrado Walter Massaguer. https://wolfsonianfiulibrary.wordpress.com/2019/05/31/the-artwork-and-caricatures-of-conrado-walter-massaguer/ [21 de junio, 2021].
• Schulze, Paula (editor). (2008). Wifredo Lam in North America. Haggerty Museum of Art, Marquette University.

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Se han preguntado alguna vez para qué sirve una obra de arte que no es ‘bonita’?
Cuál es la función del arte más allá de mostrarnos cosas bellas y hacernos sentir felices?
Cómo se puede o se debe de representar algo ‘feo’, o comunicar una tragedia por medio de una expresión artística?

Creemos que el Guernica de Pablo Picasso nos ofrece las respuestas a estas preguntas.

“Una obra de Picasso puede lograr más que un batallón completo”

El 26 de abril de 1937, Guernica una ciudad en la región Vasca de España, fue salvajemente bombardeada por los ejércitos alemán e italiano en apoyo al bando sublevado del General Francisco Franco. Nueve meses antes, Franco había dado un golpe de estado en contra del legítimo y democrático gobierno de la Segunda República.

Picasso se encargó de que todo el horror y la masacre del bombardeo quedaran plasmadas en un enorme lienzo de 3 1/2 x casi 8 metros.

Cada figura tiene su propio significado

La obra esta compuesta por 9 figuras de estilo cubista que aparecen dentro de un espacio pictórico opresivo y lleno, casi sin espacios vacíos. Al verlo, nuestra mente tarda en entender cada una de las formas que parecen confundirse entre ellas. Pero cada una es importante porque cada una una simboliza algo diferente. Escucha el episodio para descubrirlo!

Llegó a España tras pasar 40 años en Nueva York

El Guernica está hoy en el Museo Nacional de Arte Reina Sofía en Madrid pero, porque así lo decidió Picasso, primero pasó varias décadas en el Museo de Arte Moderno en Nueva York. Quieres saber porqué? Te contamos la historia completa en el podcast.

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía del episodio

Flores, Javier. (2018, actualizado 2019). “El Guernica de Picasso Paso a Paso.” En Historia National Geographic. https://historia.nationalgeographic.com.es/a/guernica-picasso-pasoa-paso_12698/11 (21 de julio, 2021).

In our time podcast (2017). “Picasso’s Guernica.” BBC Radio 4. https://www.bbc.co.uk/programmes/b09bxkdm (5 de Julio, 2021).

Leal, Paloma Esteban. https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/guernica (2 de julio, 2021).

Museo Nacional Reina Sofía. https://guernica.museoreinasofia.es/relato/guernica-segun-picasso (10 de julio, 2021).

N.A. (2015) Interpretación y explicación de “El Guernica” de Picasso. https://historiadelarte560.wordpress.com/2015/12/15/interpretacion-y-explicacion-de-el-guernica-de-picasso/ (10 de julio, 2021).

Pérez Salgado, Miguel Ángel. “BILBAO VISTO POR UN CORRESPONSAL DE GUERRA: George L. Steer en ‘El Árbol de Gernika’ (1938).” https://ianasagasti.blogs.com/mi_blog/2016/02/bilbao-visto-por-un-corresponsal-de-guerra-george-l-steer-en-el-%C3%A1rbol-de-gernika-1938.html (7 de julio, 2021).

Shama, Simon. (2008) “The Power of Art: episode 7 Picasso”. BBC (7 de Julio, 2021).

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