Hilma af Klint fue una pintora y mística sueca cuya obra singular e innovadora permaneció prácticamente escondida durante décadas hasta que el Museo Guggenheim de Nueva York en 2018, presentó la muestra “Pinturas para el futuro” lanzando su nombre a la fama mundial de la noche a la mañana.

¿Qué es lo que la hace tan especial, a ella y a su obra?

Obras dictadas por un ser trascendental

Nació en Estocolmo, Suecia, en 1862. En 1887, se convirtió en una de las primeras egresadas de La Real Academia Sueca de las Artes; en ese entonces una de las pocas que admitía mujeres.

Interesada en temas esotéricos, formó con 4 amigas artistas, el grupo “Las Cinco” que se reunía semanalmente para discutir temas ocultos y llevar a cabo sesiones con el fin de establecer contacto con seres espirituales de un orden superior a quienes se referían como “Los Altos Maestros”.

 

 

En 1905 dijo haber recibido una comisión de uno de los Maestros, quien le ofreció ser su guía en la producción de la que se convertiría en su obra maestra. Sus amigas le aconsejaron rehusar. Temían que involucrarse en temas ocultos a ese nivel pudieran llevarla incluso a locura. Pero Hilma no las escuchó y dedicó varios años entre 1906 y 1915 a la creación de sus “Pinturas para el Templo”.

“Yo fui el medio por el cual las pinturas fueron creadas, sin dibujos preliminares y con gran fuerza. Yo no tenía idea de lo que debía representar y sin embargo trabajé rápida y segura, sin cambiar ni una sola pincelada” -Hilma af Klint

Las composiciones, que son en verdad extraordinarias, se caracterizan por un estilo único que revelan imaginación y creatividad ilimitadas y representan las diferentes etapas de la vida humana, infancia, juventud, edad adulta y vejez. En ellas, la artista experimentó con el color y la forma tratando de interpretar de manera visual el mundo oculto y enigmático que se le estaba revelando.

El lenguaje que utilizó es el que hoy conocemos como concreto o abstracto por medio del cual se representan conceptos, pensamientos y sentimientos sin reproducir lo que vemos con los ojos y no existía en esa época. Así de simple: NO existía. Ahora imagínense lo que significaba atreverse a crear algo completamente nuevo dentro de un mundo artístico con una larga historia, reglas establecidas y que además estaba dominado por artistas, galeristas y clientes varones.

Hilma, aun siendo mujer, había hecho carrera pintando paisajes y retratos tradicionales y posiblemente temía arriesgarlo todo diciendo abiertamente que estaba creando imágenes nunca antes vistas bajo la guía de un ser del más allá.

Hilma trabajó en estas piezas a escondidas y durante la noche, colocándolas sobre el suelo de su estudio.

Al contrario de Hilma, al artista ruso Vassily Kandinsky se le concedió el título de “el padre del arte abstracto”, después de que publicara en 1911 su ensayo “De lo Espiritual en el Arte”. En este explica que sus pinturas abstractas tienen el poder de trascender el mundo material, acceder al mundo interior de las emociones y evocar sentimientos espirituales en el espectador. En otras palabras, lo que Hilma ya había entendido y en lo que para entonces llevaba varios años trabajando.

 

Y es que af Klint sufrió discriminación de género por parte de clientes y colegas a pesar de haberse graduado de la universidad con honores. Además, el haber llevado por así decirlo, una ‘vida poco convencional’ seguramente hubiese jugado un papel importante en su estigmatización. Te recomendamos oír el episodio para enterarte de lo que la hacía poco convencional a los ojos de sus contemporáneos.

La realidad es que aunque posiblemente nunca lleguemos a saber por qué Hilma hizo las cosas como las hizo, no hay duda de que como mujer ella tenía que ser mucho más cuidadosa. 

Bibliografía del episodio

https://www.theguardian.com/artanddesign/2016/feb/21/hilma-af-klint-occult-spiritualism-abstract-serpentine-gallery

Iris Müller-Westermann, “Paintings for the Future: Hilma af Klint—A Pioneer of Abstraction in Seclusion,” in Hilma af Klint—A Pioneer of Abstraction, ed. Müller-Westermann with Jo Widoff (Stockholm: Moderna Museet; Oftfildern, Germany: Hatje Cantz, 2013), p. 38.

Anna Maria Svensson, “The Greatness of Things: The Art of Hilma af Klint,” in Hilma af Klint, ed. John Hutchinson, exh. cat. (Dublin: Douglas Hyde Gallery, 2005), p. 17.

Julia Voss, Hilma af Klint, a biography. (Chicago, The U of Chicago Press, 2022).

https://www.guggenheim.org/arts-curriculum/topic/paintings-for-the-temple

https://www.rnz.co.nz/national/programmes/saturday/audio/2018823233/jennifer-higgie-the-astonishing-re-emergence-of-hilma-af-klint

https://www.culturagenial.com/es/arte-abstracto/

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/hilma-af-klint-artista-que-pinto-arte-abstracto-antes-que-kandinski_19427

https://www.artgallery.nsw.gov.au/artboards/hilma/the-swan/

https://www.guggenheim.org/arts-curriculum/topic/paintings-for-the-temple

La definición de ‘lo esotérico’ es de https://dle.rae.es/esot%C3%A9rico

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Pero sus pinturas … sus pinturas tienen magia!!

Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio, nació en 1571 en la región de Lombardia, en el norte de Italia. Pocos años después se convirtió en el artista mas solicitado de Roma. Escucha la historia completa en nuestro podcast!

Una de las obras que lo lanzaron a la fama es La Vocación de San Mateo. Esta nos muestra un momento de transformación espiritual en el que el recaudadador de impuestos que convertirá en San Mateo atiende al llamado de Jesús.

“Sígueme” – le dijo- “y el se levantó y lo siguió.”

Los artistas del Renacimiento presentaban a los personajes bíblicos como idealmente bellos y elegantes. En contraste, las figuras de Caravaggio son brutalmente realistas.

En Jugadores de Cartas, de ca. 1596, Caravaggio nos hace espectadores y cómplices del truco que dos truhanes le juegan a un joven ingenuo que mira sus cartas confiado sin notar que su contrincante esconde unas cartas detrás de la espalda. Y es que el artista conocía bien el bajo mundo…

En 1606, asesinó a un hombre y escapó de Roma. Se refugió en Malta donde pintó la escalofriante Decapitación de San Juan Bautista. Es su obra de mayor tamaño y también la única que firmó, escribiendo su nombre en la sangre que brota de la cabeza del santo y se acumula en el suelo.

David con la cabeza de Goliat, ca. 1609

Caravaggio nos muestra al héroe bíblico de manera muy distinta a lo que se acostumbraba: aquí David no se muestra ni contento ni orgulloso de haber derribado al enemigo, sino que mas bien aparece con la mitad del rostro en sombras, sosteniendo del pelo a la cabeza decapitada de Goliat a la que mira con una mezcla de lástima y asco.

La cara del monstruo es la del pintor!!

Quieres saber la historia completa? Dale click al episodio.

Bibliografía del episodio

Graham-Dixon, Andrew. Caravaggio: a life sacred and profane. Norton (2011).

Schama Simon, Simon Schama’s Power of Art: Caravaggio. DVD (2006).

https://historia-arte.com/obras/la-incredulidad-de-santo-tomas-de-caravaggio

https://historia-arte.com/artistas/caravaggio

https://www.museivaticani.va/content/museivaticani/es/collezioni/musei/la-pinacoteca/sala-xii—secolo-xvii/caravaggio–deposizione-dalla-croce.html

https://borghese.gallery/collection/paintings/david-with-the-head-of-goliath.html

https://www.eltemplodelaocoonte.com/post/la-decapitaci%C3%B3n-de-san-juan-bautista-caravaggio

https://www.bbc.com/mundo/vert-cul-37753047

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Rosa Bonheur nació el 16 de marzo de 1822 en Bordeaux, Francia y a los 7 años se mudó a Paris con toda su familia. Fue hija de Oscar-Raymond y Sophie Bonheur, un profesor de dibujo y una maestra de piano que creían que las niñas debían ser educadas igual que los varones. Gracias a esto Rosa y su hermana Juliette, que también se convirtió en pintora, recibieron la misma educación que sus hermanos, Auguste otro pintor e Isador que llegó a ser escultor.

En Arando en Nivernais (arriba) vemos dos grupo de bueyes trabajando la tierra que aparece tan real que casi podemos distinguir su olor. Esta obra es considerada su primera obra maestra, y la pintó a sus 27 años por encargo del gobierno. Escuchen el podcast para saber porqué es tan importante.

La obra mas famosa de Rosa Bonhuer es La Feria de Caballos (veanla abajo). Pintada al óleo sobre un lienzo enorme de casi 2 por 2.5 metros, ésta nos invita a sentirnos muy cerca de un grupo de caballos que trotan, se paran sobre sus patas traseras y resoplan mientras que sus crines ondean al viento y sus patas golpean la tierra y levantan polvo. Saben que Rosa incluyó su autoretrato entre las caras de los mozos de cuadra? La obra resultó tan maravillosa y realista que un crítico opinó que:

“La Feria de Caballos hubiese sido extraordinaria de cualquier manera, pero el que la haya pintado una mujer es casi un milagro”

El gran éxito artístico y económico que logró le permitieron comprar el Château de By, una enorme propiedad con casa y granja, a la orilla del Bosque de Fontainebleu, una hora al sur de Paris que es hoy día el Museo-Estudio Rosa Bonheur. Hasta ahí llegó, en 1865, la Emperatriz Eugenia para otorgarle la Orden de La Legión de Honor. La medalla se puede ver sobre el lado izquierdo de su pecho en este retrato que le hizo Elizabeth Klumpke.

Elizabeth Klumpke, Rosa Bonheur, 1898. Museo Metropolitano, NY.

Raymond Bonhuer, Rosa a los Cuatro Años, 1826

Este es un retrato que le hizo su padre cuando ella era muy pequeña. Fíjense que en su mano derecha tiene un lápiz y en el suelo aparece un cuaderno. Según sus biógrafos, su papà le había enseñado a dibujar “en el momento que aprendió a sostener un lápiz” y ella había demostrado interés y habilidad para hacerlo.

“En cuanto a machos se refiere, a mí solo me interesan los toros que pinto”

La vida privada de Rosa Bonheur fue muy poco convencional para su tiempo. Tuvo dos parejas, las dos mujeres. La primera fue Nathalie Micas, quien llegó a ser inventora y veterinaria. Con ella pasó cuatro décadas. Después de la muerte de Nathalie, Rosa compartió los últimos años de su vida con la artista estadounidense Elizabeth Klumpke. No hay duda de que Rosa Bonheur fue una mujer extraordinaria que vivió como quiso, sin pedir permiso ni dar explicaciones, pero la historia completa solo la encuentran en nuestro episodio. Así que denle play y escúchenlo.

BIBLIOGRAFIA

https://hyperallergic.com/437985/the-portrait-that-forged-a-divine-marriage-between-two-19th-century-women-painters/ [acceso el 5 de marzo, 2022]

https://hyperallergic.com/433726/frida-kahlo-barbie-rosa-bonheur-doll/ [acceso el 5 de marzo, 2022]

https://artuk.org/discover/stories/ten-reasons-to-love-rosa-bonheur [acceso el 10 de marzo, 2022]

https://www.liverpoolmuseums.org.uk/artifact/le-retour-du-moulin [acceso el 11 de marzo, 2022]

http://ringlingdocents.org/bonheurbio.htm [acceso el 5 de marzo, 2022]

https://www.theartstory.org/artist/bonheur-rosa/life-and-legacy/ [acceso el 5 de marzo, 2022]

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/435702 [acceso el 5 de marzo, 2022]

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Si tú respuesta es Dalí, eres uno entre el 99% de las personas consultadas. Pero si lo que te vino a la mente es algo diferente, por favor déjanoslo saber. Escríbenos en Instagram o por medio de ésta, nuestra página web.

Su obra más famosa (ver abajo) es La persistencia de la memoria, que se expuso por primera vez en 1931. La inolvidable imagen mide sólamente 24 x 33cm o sea, un poquito más grande que una hoja de papel carta. La puedes ver en el MoMA, NY. Qué ves en ella?Yo veo: un paisaje desolado y silencioso donde el tiempo parece haberse detenido, tres relojes derritiéndose al sol, cada uno marcando una hora distinta, y un montón de hormigas sobre la tapa del que se encuentra cerrado. Una forma muy rara y también blanda está en el suelo. Podría ser un perfil del artista: fíjense que parece tener un ojo cerrado, con pestañas muy largas, y también una nariz de la que sale una lengua gorda.

Y qué quiere decir esto? Oye nuestro episodio de podcast en el que te explicamos todo acerca de esta enigmática obra.

“Cada mañana cuando me levanto, experimento una exquisita alegría, la alegría de ser Salvador Dalí, y me pregunto entusiasmado, ‘qué cosas maravillosas logrará hoy este Salvador Dalí'”

Salvador Dalí fue el segundo hijo de sus padres. Otro bebé, al que también bautizaron Salvador, había nacido y muerto casi un año antes de que naciera el que se convertiría en artista. Dalí siempre dijo creer ser la reencarnación de su hermanito muerto y lo usó como inspiración para muchas de sus obras. Un ejemplo es Retrato de mi hermano muerto (1963).

Mira también este de Paisaje de Figueres que el pintor creó con 6 añitos! >>>

Cuando era joven, Dalí fue expulsado de la Real Academia de Arte de Madrid por decir que él era más inteligente y talentoso que cualquiera de sus profesores, y que por lo tanto, nadie lo podría calificar en los exámenes finales.

Dalí, La canasta de pan, 1926

Un ejemplo de su extraordinario talento para observar y representar la realidad es esta canasta de pan sobre un mantel blanco. Está pintada de un modo tan naturalista que parece verdadera. A esto se le conoce como un ‘trampantojo’ o ‘trompe l’oeil’ (en francés), quiere decir ‘engaña al ojo’. Es decir, que crea una ilusión óptica.

 

Telefóno afrodisíaco (Telefóno-Langosta) de 1936, es un objeto surrealista que Dalí creó para su amigo, el coleccionista y poeta británico Edward James.

La obra surrealista de Salvador Dalí nos muestra su muy complejo mundo interior por medio de la técnica naturalista de los grandes maestros. Fíjate que sus pinturas son híper realistas, casi fotográficas, aunque las imágenes sean irreales. Y es que Dalí fue un artista que se atrevió a mostrarnos su mundo interior, inclusive cuando éste fuera cómico, horrible, asqueroso o indescifrable. Su personalidad por demás excéntrica y sus obras en pintura, escultura, joyería, cine y literatura lo consolidaron como el surrealista por excelencia.

Fue un genio o un loco? Tú qué opinas?

Bibliografía del episodio

https://www.moma.org/collection/works/79018 [acceso en linea 17 de enero, 2022].

https://3minutosdearte.com/cuadros-fundamentales/la-persistencia-de-la-memoria-1931-salvador-dali/ [acceso en linea 17 de enero, 2022].

 https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/dali-salvador/sueno-causado-vuelo-abeja-alrededor-granada-segundo-antes [acceso en linea 17 de enero, 2022].

https://www.salvador-dali.org/en/dali/bio-dali/ [acceso en linea 5 de enero, 2022].

Stanley Meisler (April 2005). “The Surreal World of Salvador Dalí”. Smithsonian Magazine. https://www.smithsonianmag.com/arts-culture/the-surreal-world-of-salvador-dali-78993324/ [acceso en linea 5 de enero, 2022].

https://elpais.com/elpais/2019/10/25/icon_design/1572029126_141785.html [acceso en linea 7 de enero, 2022].

https://www.lavanguardia.com/historiayvida/historia-contemporanea/20190117 /47309736935/las-excentricidades-de-salvador-dali.html [acceso en linea 7 de enero, 2022].

http://archive.thedali.org/mwebcgi/mweb.exe?request=record;id=31;type=101 [acceso en linea 5 de enero, 2022].

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Leonora deseaba que ejerciéramos nuestro propia capacidad creativa al entrar en su mundo en el que rigen la imaginación y los sueños. Un muy peculiar mundo habitado por personajes misteriosos tanto reales como imaginarios; protagonizado por mujeres poderosas e independientes y en el que los objetos inanimados cobran vida y los animales poseen características humanas.

Lo surreal no está solo en sus obras; también su vida tiene algo de historia fantástica

Despeinada y en traje de montar

A los 20 años de edad, Leonora pintó La Posada del Caballo del Alba, 1937 (Museo Metropolitano, Nueva York). La artista aparece encerrada en su habitación, con una hiena en estado de lactancia y un caballito de madera. En el bosque fuera de la ventana abierta, cabalga una yegua que simboliza el deseo de libertad de su espíritu. De qué se quería liberar? Escucha nuestro episodio para saber toda la historia.

 

En Memorias de Abajo, 1947 Leonora expresa el horror que vivió durante los meses que pasó encerrada en un hospital siquiátrico en la ciudad de Santander en España.

La historia de Leonora Carrington continúa en México, país al que, escapando de su familia y de la Segunda Guerra Mundial, llegó en 1942. Vivió en la Ciudad de México por los siguientes 69 años.

El recuerdo de la cocina de su abuela irlandesa, aparece transformado en un lugar de magia en el que varias enigmáticas figuras preparan comida con ingredientes que son típicamente mexicanos. Miren como el ‘comal,’ un tipo de plancha mexicana, sostiene una gran olla curva sobre la que se cuecen chiles, ajos y maíz. Del lado izquierdo, una criatura vestida de rojo usa un petate de piedra para moler el maíz para las tortillas. Mientras que en el fondo otra figura cocina sobre una gran estufa irlandesa.

Mujeres Conciencia!

Durante los años 70 Leonora fue una de las fundadoras del movimiento para la liberación femenina de Mexico. “Mujeres, Conciencia” es un poster que diseñó en favor de esta causa.

Muestra entre otros símbolos, una gran serpiente y un árbol debajo del cual DOS figuras de Eva, una pintada en color negro y la otra en blanco, intercambian las manzanas, símbolos de la sabiduría que tienen en las manos. Creo que al incluír a dos Evas y omitir a Adan, Carrington pretende mostrar la posibilidad de un mundo donde el conocimiento se transfiera de mujer a mujer y se comparta con todos.

 

En “El Mundo Mágico de los Mayas,” Leonora nos regaló su interpretación artística de esa cultura, en un mural que mide más de cuatro metros de largo. Para realizarlo, ella llevó a cabo una investigación profunda que incluyó su estudio de varios códices, así como del Popol Vuh, también se conoce como El Libro Sagrado de los Mayas. Escucha la explicacion del simbolismo de la obra en el episodio.

 

La música original de este episodio es de Alejandro Ferrer.

El tema del podcast fue compuesto por Ilan Blanck http://www.ilanmakesmusic.com/

Bibliografía del episodio

Aberth, Susan L. (2004). Leonora Carrington: Surrealism, Alchemy and Art, Burlington Magazine.

BBC FOUR (2017). Leonora Carrington, The Lost Surrealist.(Documental).

Caso Ruiz, Luis (2006). Artes de Mexico

Conaculta, canal 22 (2006). Leonora Carrington, Imaginación a galope fino. (Documental.)

Conley, Katharine, Carrington’s Kitchen (2013). Papers of Surrealism. https://scholarworks.wm.edu/aspubs/290 (acceso 3 sept. 2021).

Chadwick, Whitney. (1991). ’El Mundo Magico: Leonora Carrington’s Enchanted Garden,’ in Leonora Carrington, The Mexican Years, ed. Holly Barnet-Sanchez, The Mexican Museum-University of New Mexico Press, San Francisco.

Daigle, Claire, Leonora Carrington with a Pen in Her Right Hand a Paintbrush in Her Left (2021). Figuring Fiction. https://figuringfiction.net/2021/05/31/leonora-carrington-with-a-pen-in-her-right-hand-a-paintbrush-in-her-left/ (acceso 4 septiembre, 2021).

Fundación Leonora Carrington https://www.leocarrington.com/home.html (acceso 4 septiembre, 2021).

Moorehead, Joanna https://www.the-tls.co.uk/articles/great-embarkation-carrington-lisbon/ (acceso 4 septiembre, 2021).

PINILLOS, Laura (@laurapllvll), “Leonora Carrington” en Woman Art House, 21 de junio de 2020 (Twitter). [Consulta 24/06/2020] (acceso 1 noviembre, 2021).

https://www.sothebys.com/en/buy/auction/2020/impressionist-modern-art-evening-sale/leonora-carrington-tuesday (acceso 20 octubre, 2021).

https://www.sothebys.com/en/auctions/ecatalogue/2012/impressionist-modern-art-evening-sale-n08850/lot.48.html#:~:text=Max%20Ernst%20painted%20Leonora%20in,and%20later%20at%20Les%20Milles (acceso 20 octubre, 2021).

https://culturacolectiva.com/arte/leonora-carrington-mural-mayas (acceso 15 septiembre, 2021).

http://www.explore.mx/la-ceiba-o-yaxche-el-arbol-sagrado-de-la-cultura-maya/ (acceso 20 octubre, 2021).

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La Jungla es su obra maestra.
Sobre un fondo de densas plantas tropicales aparecen cuatro criaturas híbridas con elementos humanos, animales y vegetales. Tienen máscaras africanas en lugar de rostros, y sus enormes pies están descalzos. Quieres saber quiénes son y qué representan? Les contamos todo en nuestro episodio.

Wifredo Lam nació en Sagua La Grande, Cuba en 1902. Fue hijo de Lam-Yam, un emigrante oriundo de Cantón en China y de su esposa Ana Serafina Castilla, descendiente mestiza de familias originarias de África y España. A los 16 años ingresó a la Escuela Profesional de Pintura y Escultura en La Habana, y a los 21 años viajó a Madrid para continuar sus estudios. Una década después se mudó a Paris donde se hizo amigo Pablo Picasso, y trabajó junto a los Surrealistas. Finalmente, en 1941, a los 39 años de edad, regresó a su país.

“Me rehusé a pintar cha-cha-cha”

Los artistas de la vanguardia europea vieron en Lam la autenticidad y el exotismo que buscaban recrear en sus propias obras, ya que en ese tiempo los intelectuales sentían fascinación por todo lo no-europeo, y en especial las culturas de Africa, Oceanía y América. Al mismo tiempo, Lam absorbió las enseñanzas de las vanguardias parisinas, como el cubismo y el surrealismo, al mismo tiempo que cada vez más se inclinó hacia un lenguaje propio que los combina con SUS propias raíces afro-caribeñas.

Lam logró crear un lenguaje artístico que es 100% moderno e internacional, y que al mismo tiempo tiene las raíces bien plantadas en la compleja historia de su Cuba natal. Además, su obra sirvió como un antídoto al estereotipo de su país como una pintoresca fantasía de diversión excesiva. Dale click al episodio para oír la historia completa!

Bibliografía del episiodio:

• Connor, Olga. (2016). “Promesa del Paraíso en La Habana, un mundo sobre la seducción cubana.” El Nuevo Herald. https://www.elnuevoherald.com/vivir-mejor/artes-letras/article80421517.html#storylink=cpy [18 de junio, 2021].
• MacLennan, Gloria C. (2019). “Imagenes de un exilio.” El País. https://elpais.com/cultura/2019/07/25/babelia/1564051032_435588. [16 de junio, 2021].
• MoMA. (2019). MoMA Highlights: 375 Works from The Museum of Modern Art, New York (NY: MoMA). https://www.moma.org/collection/works/34666 [20 de junio, 2021].
• MoMA. (n.d) https://www.moma.org/learn/moma_learning/wifredo-lam-the-jungle-1943/ [20 de junio, 2021].
• Paudrat, Jean-Louis, (n.d.) http://www.wifredolam.net/es/biografia.html [19 de junio, 2021].
• Tate (n.d.) https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/wifredo-lam [18 de junio, 2021].
• Rivero Andreu, Irene. (2016). “Wifredo Lam en el Museo Reina Sofia.” Africanidad. https://www.africanidad.com/2016/08/finaliza-la-exposicion-de-wifredo-lam.html [21 de enero, 2021].
• Wolfsonian Museum, Florida International University. (2019). The Artwork and Caricatures of Conrado Walter Massaguer. https://wolfsonianfiulibrary.wordpress.com/2019/05/31/the-artwork-and-caricatures-of-conrado-walter-massaguer/ [21 de junio, 2021].
• Schulze, Paula (editor). (2008). Wifredo Lam in North America. Haggerty Museum of Art, Marquette University.

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Las figuras que habitan el mundo del maestro Botero no son redondas sino más bien esféricas. Como si fueran globos llenos de aire; grandes pero ligeros y con la capacidad de flotar. Por su parte, el maestro insiste que las formas de su creación no son gordas sino sensuales, y que su estilo es una manera de expresar no solo esa sensualidad sino también su amor por la forma, el volumen y el color. Piensen que en un mundo de proporciones diferentes a las que estamos acostumbrados, en el que nuestra idea de normalidad no tiene cabida, sus figuras no son las que nos encontramos por la calle porque ellas viven en un mundo aparte.

“Engordar esa mandolina fue como entrar en otro cuarto”

Se dice que Botero se convirtió en Botero un día de 1956, cuando en un parque de la Ciudad de Mexico dibujo distraído una mandolina con el hueco demasiado pequeño. El joven artista de 24 años notó que el reducir una parte causaba que el resto de la forma pareciera más grande de lo normal. En este caso, la mandolina parecia como si hubiera ‘engordado’ alrededor del agujero dejándolo demasiado chico.

Miren esta belleza de Mona Lisa!

De acuerdo al artista, su trabajo tiene gran respeto por la tradición y es a la vez una expresión moderna y contempóranea de la pintura. Botero deriva inspiración de los grandes maestros de la Edad Media y del Renacimiento italiano y se deleita al boterizar obras muy importantes dentro de la historia del arte.

Su Mona Lisa a los doce años (abajo, izquierda) fue la primera obra de Botero adquirida por el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Esto sucedió cuando él vivía en una residencia de estudiantes en esa ciudad. Quieres saber toda la historia detrás de esta pintura? Corre a escuchar nuestro episodio donde te contamos eso y mucho más acerca de la vida y obra del gran artista colombiano.

Un amoroso homenaje

Pedro, de 1974 se refiere a una enorme tragedia personal. En 1974 el maestro y Pedrito, su hijito de 4 años, sufrieron un terrible accidente automovilístico en el que el niño perdió la vida. En este retrato Pedrito aparece vestido con uniforme y casco de policía, sus piecitos enfundados en botines blancos y montando su pony de juguete.

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía

Sullivan, Edward, J. Botero: Sculpture, New York, 1986.

Torrado, Santiago (2019). “El retrato más íntimo de Botero: Colombia exhibe un exhaustivo documental sobre la vida y obra del octogenario artista.” El País.
https://elpais.com/cultura/2019/04/10/actualidad/1554867666_998215.html

Vargas Llosa, Mario (2005). “Botero: La suntuosa abundancia.” Donación Botero: Museo de Antioquia. (2005). Fondo Editorial Museo de Antioquia.

https://www.christies.com/en/lot/lot-4989322

https://www.banrepcultural.org/bogota/museo-botero/bienvenidos

https://www.biografiasyvidas.com/reportaje/fernando_botero/fotos1.htm

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La última vez que el mundo vió el retrato que Van Gogh pintó de su medico el doctor Paul Gachet fue el 15 de mayo de 1990. La obra se vendió esa noche por 82.5 millones de dólares, el precio más alto alcanzado por una obra de arte en subasta hasta ese momento. Después se perdió su rastro para siempre. 

A solo 7 años de la muerte del pintor

Vincent murió el 29 de julio de 1890 y su hermano Theo, 6 meses después. Las obras pasaron a manos de Jo Van Gogh, la viuda de Theo. Ella vendió el Dr Gachet a la artista Alice Ruben Faber por 300 francos (unos $58). Esta fotografía de 1897 muestra a la coleccionista embarazada y en cama con la pintura sin marco, recargada contra la pared.

La subasta del 15 de mayo de 1990 tuvo lugar en Nueva York. Lirios de Van Gogh se había vendido por $54 millones en 1987 y se esperaba que Dr. Gachet se vendiera por entre $40 y $50 millones. Pero la pintura hizo historia al convertirse en la mas cara del mundo cuando el martillo cayó en $82.5 millones. Quieres saber quién la compró? Escucha el episodio y entérate!

Vincent pintó dos versiones del retrato. La pose del doctor y los colores son los mismos; la diferencia más notable está en la técnica. La primera, la más original e innovadora, es la protagonista de nuestra historia. La segunda versión  se la regaló al Dr Gachet en agradecimiento y hoy se puede visitar en el Museo d’Orsay en Paris.  En los ojos tristes, pero también en la forma del rostro, y el color del cabello, el retrato de Gachet es también un poco un autorretrato. 

Un marco vacío

El museo Städel de Frankfurt, Alemania adquirió la pintura en 1911. Durante los siguientes 100 años la obra pasó por una docena de dueños… hasta que desapareció de la vista pública. Sin embargo, el marco dorado, hoy vacío, con el que estuvo expuesto en el Städel está todavía en el museo!

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía

Bailey, Martin (2019). The Art Newspaper. Adventures in Van Gogh (blog). “Where is the portrait of Dr Gachet? The mysterious disappearance of Van Gogh’s most expensive painting.” [Internet] Accesible en https://www.theartnewspaper.com/blog/where-is-van-gogh-s-portrait-of-dr-gachet [10 de mayo, 2021].

Bailey, Martin (2019). The Art Newspaper. Adventures in Van Gogh (blog). “Van Gogh and Germany: Frankfurt mounts best show on the artist in recent years.” Accesible en https://www.theartnewspaper.com/blog/van-gogh-and-germany-frankfurt-mounts-best-show-on-the-artist-in-recent-years [10 de mayo, 2021].

Blot, Gérard. Musee d’Orsay. Le docteur Paul Gachet [Dr Paul Gachet]. [Internet] Accesible en https://www.musee-orsay.fr/en/collections/works-in focus/search/commentaire/commentaire_id/dr-paul-gachet-2988.html?no_cache=1&S=&print=1&no_cache=1& [14 de mayo, 2021].

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Städel Museum (2019). Podcast Finding Van Gogh: In search of the legendary “Portrait of Dr Gachet” [Internet] Accesible en https://www.staedelmuseum.de/en/podcast-finding-van-gogh [11 de mayo, 2021].

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Triunfo en un país que no era el suyo y en una profesión dominada por varones. Y lo hizo como toda una dama, siempre elegante en los trajes que encargaba a los mejores modistos de Paris. Sus obras más exitosas presentan el mundo de la mujer, SU propio mundo, con sinceridad y conocimiento.

Nunca se casó ni tuvo hijos

Crea momentos rituales cotidianos

Una madre con un bebé nos remite de inmediato a cientos de obras que representan a La Virgen y El Niño. Y el acto de lavar los pies de otro nos recuerda el acto humilde de Jesus de lavar los pies de los enfermos. Pero lo lindo es que Cassatt convierte estos momentos en rituales, no religiosos, sino cotidianos que pueden ser entendidos por madres de todas las épocas sin importar su nacionalidad o religión.

Los pediatras de la época recomendaban la participación de las mamás en el cuidado y actividades diarias de sus hijos pequeños. Amamantar, bañar, vestir, entretener y abrazar a los bebés estaba de moda entre las madres de la alta sociedad, aunque estas tuvieran los recursos para contratar nanas y nodrizas.

En Mujer y niña conduciendo, vemos que la señora es quién lleva el fuete y las riendas del coche. Su hijita se sienta a su lado y el hijo atrás. El marido ni siquiera aparece.

Una mujer como ella misma

Leyendo Le Figaro, nos muestra a su propia madre, vestida de blanco, con el cabello recogido y con sus anteojos de lectura porque esta leyendo el diario que tiene entre las manos. Las tres letras del título que alcanzamos a leer nos dejan saber que se trata de ‘Le Figaro’ un periódico francés. Cassatt nos presenta a su madre  como la “nueva mujer” del siglo XIX. Es decir, una mujer de mundo, educada e interesada en los acontecimientos del día. 

 

En el Mural de La Mujer Moderna, Cassatt represento a jóvenes de su época haciendo música, cantando y bailando. Al centro, en una maravillosa re-interpretación de la historia del pecado original, varias mujeres cortan manzanas del árbol de la sabiduría, y se las ofrecen a niñas y jovencitas. Así comparten el conocimiento de mujer a mujer a travez de las generaciones.

 

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía

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Madsen, Annelise K.(2020).The Art Institute of Chicago. “Cassatt’s Modern Vision of the Everyday: The Child’s Bath.” [Internet]. Accesible en https://www.artic.edu/articles/818/cassatts-modern-vision-of-the-everyday-2 [30 de abril, 2021].

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Paton, Kathleen (2020). “Mary Cassatt at The Met. The work of the celebrated American-born Impressionist offers multiple themes to explore.” [Internet]. Accesible en https://www.metstoreblog.org/mary-cassatt-at-the-met/ [ 28 de abril, 2021].

Pollock, Griselda. (2018). Frieze. “The Overlooked Radicalism of Impressionist Mary Cassatt”. [Internet]. Accesible en https://www.frieze.com/article/overlooked-radicalism-impressionist-mary-cassatt [26 de abril, 2021].

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Van Gogh eligió su paleta de manera que esta expresara lo que él sentía.  Su método era muy subjetivo y además muy innovador: nadie pintaba así en ese momento! Este genio del arte se alejó por completo de la idea de usar la superficie pictórica para recrear una realidad visual, y la usó para representar su realidad interior.

Más de 2,000 obras en 10 años

Empezó a pintar con 27 años y murió a los 37.

Durante una carrera muy corta que duró solo una década, Van Gogh produjo alrededor de 2,000 obras. Entre ellas están algunas de las pinturas más queridas de la historia.

También pintó no menos de 35 autorretratos en los que vemos su cabello rojizo y sus ojos azules, tristes e intensos.

En Habitación en Arles de 1888, Vincent nos muestra su pequeña habitación en la que vemos una ventana cerrada, una mesita con sus cosas de aseo, una cama y dos sillas de madera. De las paredes cuelgan su toalla, un espejo y varias de sus pinturas. En una carta dirigida a Theo el artista explicó que en esta obra quería que los colores que utilizó expresaran la sensación de tranquilidad y reposo absoluto que sentía cuando estaba en su habitación.

Con Café Nocturno, Vincent quiso expresar lo que sería la presencia del infierno en la Tierra.

Las cartas del artista, algunas en francés y otras en holandés, revelan a un hombre de gran inteligencia y claridad intelectual. Además se mantenía al tanto de las innovaciones artísticas más avanzadas y articulaba perfectamente sus opiniones acerca de ellas.

Sus flores favoritos

El sueño de Vincent de fundar una colonia de artistas donde todos vivieran y trabajaran juntos, desapareció cuando el único que respondió a su invitación fue Paul Gauguin. 

Feliz ante la llegada inminente del francés que para entonces era ya conocido, Vincent preparó cuatro lienzos para decorar la casa. Estos son los hermosos girasoles que eran sus flores favoritas y que pintó en diferentes tonalidades de amarillo, que era su color favorito.

En 1889 Theo se casó con Johanna Bonger. Tuvieron un bebé a quien nombraron Vincent Willem en honor de su tío. En la carta en la que le anuncia el nacimiento, Theo escribió “ … mi deseo es que sea tan determinado y valiente como tú.” Emocionado por la noticia Vincent pintó Almendro en flor como regalo para los nuevos padres.

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía del episodio

Museum of Modern Art, N.Y. (2019). Publication excerpt from MoMA Highlights: 375 Works from The Museum of Modern Art, New York.  [Internet] Accesible en https://www.moma.org/collection/works/79802 [10 de abril, 2021].

Shinn-Morris,Léoni (2018). “10 cosas que quizá nos sepas sobre Vincent Van Gogh.” Google Arts and Culture. [Internet] Accesible en https://artsandculture.google.com/story/10-cosas-que-quiz%C3%A1-no-sepas-sobre-vincent-van-gogh/agLStrYjblBRKA?hl=es [11 de abril, 2021].

Van Gogh Museum, Amsterdam. [Internet]. https://www.vangoghmuseum.nl/en. [fechas varias durante marzo y abril, 2021].

Van Gogh Museum, Amsterdam, and the Huygens Institute (Royal Netherlands Academy of Arts and Sciences), The Hague. (2009). “ Theo van Gogh to Vincent van Gogh. Paris, Friday, 31 January 1890.” Van Gogh Letters Project. [Internet] Accesible en http://www.vangoghletters.org/vg/letters/let847/letter.html. [15 de abril, 2021].

Zelazko, Alicja. (2020). “The Starry Night.” Encyclopedia Britannica. [Internet] Accessible en https://www.britannica.com/topic/The-Starry-Night [30 de marzo, 2021].

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