Hilma af Klint fue una pintora y mística sueca cuya obra singular e innovadora permaneció prácticamente escondida durante décadas hasta que el Museo Guggenheim de Nueva York en 2018, presentó la muestra “Pinturas para el futuro” lanzando su nombre a la fama mundial de la noche a la mañana.

¿Qué es lo que la hace tan especial, a ella y a su obra?

Obras dictadas por un ser trascendental

Nació en Estocolmo, Suecia, en 1862. En 1887, se convirtió en una de las primeras egresadas de La Real Academia Sueca de las Artes; en ese entonces una de las pocas que admitía mujeres.

Interesada en temas esotéricos, formó con 4 amigas artistas, el grupo “Las Cinco” que se reunía semanalmente para discutir temas ocultos y llevar a cabo sesiones con el fin de establecer contacto con seres espirituales de un orden superior a quienes se referían como “Los Altos Maestros”.

 

 

En 1905 dijo haber recibido una comisión de uno de los Maestros, quien le ofreció ser su guía en la producción de la que se convertiría en su obra maestra. Sus amigas le aconsejaron rehusar. Temían que involucrarse en temas ocultos a ese nivel pudieran llevarla incluso a locura. Pero Hilma no las escuchó y dedicó varios años entre 1906 y 1915 a la creación de sus “Pinturas para el Templo”.

“Yo fui el medio por el cual las pinturas fueron creadas, sin dibujos preliminares y con gran fuerza. Yo no tenía idea de lo que debía representar y sin embargo trabajé rápida y segura, sin cambiar ni una sola pincelada” -Hilma af Klint

Las composiciones, que son en verdad extraordinarias, se caracterizan por un estilo único que revelan imaginación y creatividad ilimitadas y representan las diferentes etapas de la vida humana, infancia, juventud, edad adulta y vejez. En ellas, la artista experimentó con el color y la forma tratando de interpretar de manera visual el mundo oculto y enigmático que se le estaba revelando.

El lenguaje que utilizó es el que hoy conocemos como concreto o abstracto por medio del cual se representan conceptos, pensamientos y sentimientos sin reproducir lo que vemos con los ojos y no existía en esa época. Así de simple: NO existía. Ahora imagínense lo que significaba atreverse a crear algo completamente nuevo dentro de un mundo artístico con una larga historia, reglas establecidas y que además estaba dominado por artistas, galeristas y clientes varones.

Hilma, aun siendo mujer, había hecho carrera pintando paisajes y retratos tradicionales y posiblemente temía arriesgarlo todo diciendo abiertamente que estaba creando imágenes nunca antes vistas bajo la guía de un ser del más allá.

Hilma trabajó en estas piezas a escondidas y durante la noche, colocándolas sobre el suelo de su estudio.

Al contrario de Hilma, al artista ruso Vassily Kandinsky se le concedió el título de “el padre del arte abstracto”, después de que publicara en 1911 su ensayo “De lo Espiritual en el Arte”. En este explica que sus pinturas abstractas tienen el poder de trascender el mundo material, acceder al mundo interior de las emociones y evocar sentimientos espirituales en el espectador. En otras palabras, lo que Hilma ya había entendido y en lo que para entonces llevaba varios años trabajando.

 

Y es que af Klint sufrió discriminación de género por parte de clientes y colegas a pesar de haberse graduado de la universidad con honores. Además, el haber llevado por así decirlo, una ‘vida poco convencional’ seguramente hubiese jugado un papel importante en su estigmatización. Te recomendamos oír el episodio para enterarte de lo que la hacía poco convencional a los ojos de sus contemporáneos.

La realidad es que aunque posiblemente nunca lleguemos a saber por qué Hilma hizo las cosas como las hizo, no hay duda de que como mujer ella tenía que ser mucho más cuidadosa. 

Bibliografía del episodio

https://www.theguardian.com/artanddesign/2016/feb/21/hilma-af-klint-occult-spiritualism-abstract-serpentine-gallery

Iris Müller-Westermann, “Paintings for the Future: Hilma af Klint—A Pioneer of Abstraction in Seclusion,” in Hilma af Klint—A Pioneer of Abstraction, ed. Müller-Westermann with Jo Widoff (Stockholm: Moderna Museet; Oftfildern, Germany: Hatje Cantz, 2013), p. 38.

Anna Maria Svensson, “The Greatness of Things: The Art of Hilma af Klint,” in Hilma af Klint, ed. John Hutchinson, exh. cat. (Dublin: Douglas Hyde Gallery, 2005), p. 17.

Julia Voss, Hilma af Klint, a biography. (Chicago, The U of Chicago Press, 2022).

https://www.guggenheim.org/arts-curriculum/topic/paintings-for-the-temple

https://www.rnz.co.nz/national/programmes/saturday/audio/2018823233/jennifer-higgie-the-astonishing-re-emergence-of-hilma-af-klint

https://www.culturagenial.com/es/arte-abstracto/

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/hilma-af-klint-artista-que-pinto-arte-abstracto-antes-que-kandinski_19427

https://www.artgallery.nsw.gov.au/artboards/hilma/the-swan/

https://www.guggenheim.org/arts-curriculum/topic/paintings-for-the-temple

La definición de ‘lo esotérico’ es de https://dle.rae.es/esot%C3%A9rico

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La obra más enigmática de la historia del arte

La obra es un tríptico, es decir que consiste en tres partes, tres tablas de madera de roble unidas por medio de bisagras para que las dos exteriores se puedan cerrar sobre la del centro. Las tres partes se deben leer de izquierda a derecha como si fuera un libro. En la primera se representa el Jardín del Edén, en la segunda, un paraíso terrenal repleto de tentaciones y en la tercera, el infierno donde inevitablemente van a parar los que durante su vida cayeron en las tentaciones.

La producción pictórica del Bosco le dió vida a un mundo fuera de la realidad, un mundo raro y perturbador.

La cara que casi nunca se ve

En la parte exterior del tríptico aparece una gran esfera transparente que tienen agua hasta la mitad, de la cual emergen unas formas muy raras, como grandes rocas y plantas. Lo que esto representa es incierto. La interpretación más aceptada propone que es el tercer día de la Creación cuando ya habían aparecido las plantas y vegetales pero aún no los animales y los seres humanos.

 

La maldad existe incluso en El Jardín del Edén

En ésta visión del Paraíso aparecen animales y aves tanto reales como imaginarios. En el centro aparece la tradicional fuente de los cuatro ríos del Paraíso pero de forma estrafalaria y de color rosa y en primer plano aparece Dios quien tomando de la mano a una Eva rubia, se la presenta Adan que sentado muy derechito sobre el pasto, espera para conocer a su pareja. En la esquina inferior izquierda vemos a un gato que camina tranquilamente con un ratón entre los dientes, otro símbolo de que incluso en el paraíso existían la corrupción y el peligro.

El panel del centro es el que le da el título a toda la obra. Este paisaje está poblado por cientos de pequeños hombres y mujeres desnudos, todos jóvenes. No se encuentran ni un sólo niño ni un viejo. Entre la mayoría de figuras de raza blanca, también vemos algunas de raza negra, lo cual es notable ya que no solían ser incluidas en el arte de la época. Los expertos consideran que en este caso el artista quiso mostrar algo de la diversidad de las razas en el mundo. Aparecen también personajes míticos e imaginarios, como las mujeres que tienen todo el cuerpo cubierto con una fina capa de pelo o pelusa a excepción del cuello y la cara, los senos, las manos y los pies.

Bienvenidos al infierno!

El soleado jardín desapareció y en su lugar el Bosco nos muestra un lugar horrible dominado por colores oscuros y cubierto por un gran numero de detalles que vale la pena mirar detenidamente. Estos nos presentan los castigos mas macabros y fantásticos que se hayan pintado. Quieren saber cuáles son sus figuras más famosas y lo que ésatas significan? Oígan el episodio, porque ahí se los contamos todo.

Infierno completo (izquierda)

Les contamos mucho más acerca de esta obra en nuestro podcast. No dejen de oírlo.

Bibliografía

Gombrich, Ernst, “Bosch of Hertogenbosch” in The New York Review, February, 23, 1967 (acceso el 28 de septiembre, 2022), https://www.nybooks.com/articles/1967/02/23/bosch-of-hertogenbosch/
Hickson, Sally, Dr. ”Hieronymus Bosch, The Garden of Earthly Delights,” in Smarthistory, August 9, 2015, (acceso el 28 de septiembre, 2022) https://smarthistory.org/bosch-the-garden-of-earthly-delights/.
Silva, Pilar, ‘El Bosco. Tríptico del Jardín de las delicias.’ En: el Bosco. La exposición del V Centenario, Madrid, Museo Nacional del Prado, 2016, p.n.46 330-346, (acceso el 17 de septiembre, 2022), https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/triptico-del-jardin-de-las-delicias/02388242-6d6a-4e9e-a992-e1311eab3609
Simon Mittman, Asa Dr. “Spotlight — Hieronymus Bosch, The Garden of Earthly Delights, in Smarthistory , August, 31, 2019 (acceso el 17 de septiembre, 2022), https://smarthistory.org/garden-bosch/.
https://english.elpais.com/elpais/2016/06/01/inenglish/1464784579_825393.html (acceso el 17 de septiembre, 2022).
https://mymodernmet.com/es/jardin-de-las-delicias-bosco/ (acceso el 28 de septiembre, 2022).
https://periergeia.org/en/deciphering-the-garden-of-earthly-delights-part-1-the-prelude-to-disaster/ (acceso el 17 de septiembre, 2022).
https://www.salmanrushdie.com/garden-earthly-delights/ (acceso el 20 de octubre, 2022).

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Mas de 300 cuerpos musculosos …

… casi todos hombres desnudos o semi desnudos cubren la pared del altar en la capilla más importante del catolicismo. Esto causó tanta controversia que varias personas propusieron se destruyera. Quieren saber más? Los invitamos a oír el episodio donde les contamos todo esto y más.

La Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano.

Sin duda la capilla más importante del Vaticano, en la que se vela a los Papas difuntos antes de enterrarlos en San Pedro y también donde, hasta el día de hoy, se lleva acabo el Cónclave, es decir la elección de un nuevo Pontífice.

Miguel Angel tenía mas de 60 años,

y había pasado más de un cuarto de siglo desde que había pintado las imágenes de la bóveda, cuando en 1536 regresó a la Capilla Sixtina para plasmar su visión del Juicio Final. El fresco cubre una enorme superficie de 13 x 12 metros. Es decir que es tan alta como un edificio de 5 pisos. La obra impresiona y su historia emociona, y en nuestro podcast se las contamos com-ple-ta.

Un autorretrato?

A la derecha de Cristo aparece San Bartolomé, que vivió en el primer siglo de nuestra era y cuyo martirio consistió en ser desollado vivo, con un cuchillo en la mano derecha y su propia piel en la izquierda. Pero fíjense que mientras que el santo se destaca por su barba gris y su cabeza calva, el colgujo de su piel no tiene barba y sí tiene pelo. Cómo se explica esto? Será que Miguel Angel quizo mostrarnos algo especial? Escuchen el episodio para enterase de todo!

En la esquina inferior derecha del fresco aparece este horrible personaje. En el episodio les contamos quién es y porqué Miguel Angel lo puso ahí.

En el centro: Cristo

Un gigante de enormes músculos, casi un super héroe de las películas de ahora. No aparece ni parado ni sentado, sino en una posición como en cuclillas. Esta es una de las pocas veces en las que se representa a Jesús enojado, feroz y justiciero en lugar de misericordioso y compasivo. Con un gesto agresivo de su mano derecha eleva a los justos hasta el cielo, mientras que con la izquierda, condena a los pecadores al infierno.

 

Bibliografía

https://artstor.wordpress.com/2013/11/13/michelangelos-last-judgment-uncensored/
https://lacapillasixtina.es/el-infierno/
https://elpais.com/diario/1987/08/30/opinion/557272809_850215.html
https://elpais.com/diario/1989/09/18/opinion/622072805_850215.html
https://www.latribunadetoledo.es/noticia/zcdd702c5-0483-b5ce-a4a4e2ff5fb70949/201403/la-polemica-con-miguel-angel
https://smarthistory.org/michelangelo-last-judgment/
https://smarthistory.org/the-protestant-reformation/
https://www.museivaticani.va/content/museivaticani/en/collezioni/musei/cappella-sistina/giudizio-universale.html
https://web.archive.org/web/20070516000937/http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/94.htm

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Pero sus pinturas … sus pinturas tienen magia!!

Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio, nació en 1571 en la región de Lombardia, en el norte de Italia. Pocos años después se convirtió en el artista mas solicitado de Roma. Escucha la historia completa en nuestro podcast!

Una de las obras que lo lanzaron a la fama es La Vocación de San Mateo. Esta nos muestra un momento de transformación espiritual en el que el recaudadador de impuestos que convertirá en San Mateo atiende al llamado de Jesús.

“Sígueme” – le dijo- “y el se levantó y lo siguió.”

Los artistas del Renacimiento presentaban a los personajes bíblicos como idealmente bellos y elegantes. En contraste, las figuras de Caravaggio son brutalmente realistas.

En Jugadores de Cartas, de ca. 1596, Caravaggio nos hace espectadores y cómplices del truco que dos truhanes le juegan a un joven ingenuo que mira sus cartas confiado sin notar que su contrincante esconde unas cartas detrás de la espalda. Y es que el artista conocía bien el bajo mundo…

En 1606, asesinó a un hombre y escapó de Roma. Se refugió en Malta donde pintó la escalofriante Decapitación de San Juan Bautista. Es su obra de mayor tamaño y también la única que firmó, escribiendo su nombre en la sangre que brota de la cabeza del santo y se acumula en el suelo.

David con la cabeza de Goliat, ca. 1609

Caravaggio nos muestra al héroe bíblico de manera muy distinta a lo que se acostumbraba: aquí David no se muestra ni contento ni orgulloso de haber derribado al enemigo, sino que mas bien aparece con la mitad del rostro en sombras, sosteniendo del pelo a la cabeza decapitada de Goliat a la que mira con una mezcla de lástima y asco.

La cara del monstruo es la del pintor!!

Quieres saber la historia completa? Dale click al episodio.

Bibliografía del episodio

Graham-Dixon, Andrew. Caravaggio: a life sacred and profane. Norton (2011).

Schama Simon, Simon Schama’s Power of Art: Caravaggio. DVD (2006).

https://historia-arte.com/obras/la-incredulidad-de-santo-tomas-de-caravaggio

https://historia-arte.com/artistas/caravaggio

https://www.museivaticani.va/content/museivaticani/es/collezioni/musei/la-pinacoteca/sala-xii—secolo-xvii/caravaggio–deposizione-dalla-croce.html

https://borghese.gallery/collection/paintings/david-with-the-head-of-goliath.html

https://www.eltemplodelaocoonte.com/post/la-decapitaci%C3%B3n-de-san-juan-bautista-caravaggio

https://www.bbc.com/mundo/vert-cul-37753047

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Si tú respuesta es Dalí, eres uno entre el 99% de las personas consultadas. Pero si lo que te vino a la mente es algo diferente, por favor déjanoslo saber. Escríbenos en Instagram o por medio de ésta, nuestra página web.

Su obra más famosa (ver abajo) es La persistencia de la memoria, que se expuso por primera vez en 1931. La inolvidable imagen mide sólamente 24 x 33cm o sea, un poquito más grande que una hoja de papel carta. La puedes ver en el MoMA, NY. Qué ves en ella?Yo veo: un paisaje desolado y silencioso donde el tiempo parece haberse detenido, tres relojes derritiéndose al sol, cada uno marcando una hora distinta, y un montón de hormigas sobre la tapa del que se encuentra cerrado. Una forma muy rara y también blanda está en el suelo. Podría ser un perfil del artista: fíjense que parece tener un ojo cerrado, con pestañas muy largas, y también una nariz de la que sale una lengua gorda.

Y qué quiere decir esto? Oye nuestro episodio de podcast en el que te explicamos todo acerca de esta enigmática obra.

“Cada mañana cuando me levanto, experimento una exquisita alegría, la alegría de ser Salvador Dalí, y me pregunto entusiasmado, ‘qué cosas maravillosas logrará hoy este Salvador Dalí'”

Salvador Dalí fue el segundo hijo de sus padres. Otro bebé, al que también bautizaron Salvador, había nacido y muerto casi un año antes de que naciera el que se convertiría en artista. Dalí siempre dijo creer ser la reencarnación de su hermanito muerto y lo usó como inspiración para muchas de sus obras. Un ejemplo es Retrato de mi hermano muerto (1963).

Mira también este de Paisaje de Figueres que el pintor creó con 6 añitos! >>>

Cuando era joven, Dalí fue expulsado de la Real Academia de Arte de Madrid por decir que él era más inteligente y talentoso que cualquiera de sus profesores, y que por lo tanto, nadie lo podría calificar en los exámenes finales.

Dalí, La canasta de pan, 1926

Un ejemplo de su extraordinario talento para observar y representar la realidad es esta canasta de pan sobre un mantel blanco. Está pintada de un modo tan naturalista que parece verdadera. A esto se le conoce como un ‘trampantojo’ o ‘trompe l’oeil’ (en francés), quiere decir ‘engaña al ojo’. Es decir, que crea una ilusión óptica.

 

Telefóno afrodisíaco (Telefóno-Langosta) de 1936, es un objeto surrealista que Dalí creó para su amigo, el coleccionista y poeta británico Edward James.

La obra surrealista de Salvador Dalí nos muestra su muy complejo mundo interior por medio de la técnica naturalista de los grandes maestros. Fíjate que sus pinturas son híper realistas, casi fotográficas, aunque las imágenes sean irreales. Y es que Dalí fue un artista que se atrevió a mostrarnos su mundo interior, inclusive cuando éste fuera cómico, horrible, asqueroso o indescifrable. Su personalidad por demás excéntrica y sus obras en pintura, escultura, joyería, cine y literatura lo consolidaron como el surrealista por excelencia.

Fue un genio o un loco? Tú qué opinas?

Bibliografía del episodio

https://www.moma.org/collection/works/79018 [acceso en linea 17 de enero, 2022].

https://3minutosdearte.com/cuadros-fundamentales/la-persistencia-de-la-memoria-1931-salvador-dali/ [acceso en linea 17 de enero, 2022].

 https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/dali-salvador/sueno-causado-vuelo-abeja-alrededor-granada-segundo-antes [acceso en linea 17 de enero, 2022].

https://www.salvador-dali.org/en/dali/bio-dali/ [acceso en linea 5 de enero, 2022].

Stanley Meisler (April 2005). “The Surreal World of Salvador Dalí”. Smithsonian Magazine. https://www.smithsonianmag.com/arts-culture/the-surreal-world-of-salvador-dali-78993324/ [acceso en linea 5 de enero, 2022].

https://elpais.com/elpais/2019/10/25/icon_design/1572029126_141785.html [acceso en linea 7 de enero, 2022].

https://www.lavanguardia.com/historiayvida/historia-contemporanea/20190117 /47309736935/las-excentricidades-de-salvador-dali.html [acceso en linea 7 de enero, 2022].

http://archive.thedali.org/mwebcgi/mweb.exe?request=record;id=31;type=101 [acceso en linea 5 de enero, 2022].

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La suya es una historia de lucha y discriminación, de logros, desilusiones y valentía. Y aunque desgraciadamente no tenga un final feliz, nosotras se las contamos desde el principio en nuestro episodio. No te lo pierdas!

Cuando empezó a pintar, tenía casi 30 años, 3 hijos y un ex-marido

Diego Rivera era director de la academia de Bellas Artes durante el corto tiempo en que María Izquierdo estudió ahí. Una día, durante una exposición de trabajos de los estudiantes, Rivera, se detuvo frente a las obras firmadas M. Izquierdo y pronunció “Esto es lo único.” Es decir, que las obras de ese estudiante, que en principio asumió era varón, eran las únicas de valor, las únicas que mostraban talento y promesa. El elogio del famoso director, le costó a María la envidia de sus compañeros que la abucheaban y molestaban, hasta que ella se recluyó pintar en su casa.

Maternidad, de 1944, es un precioso autorretrato. Pero hay mas …

La imagen nos recuerda a la Virgen María, un símbolo religioso y maternal muy pero muy mexicano. El rebozo, que es el chal (shawl) tradicional que las mujeres mexicanas usan para cubrirse y también para amarrarse sus bebés a la espalda mientras trabajan, funciona como un emblema de mexicanidad.

Mujer ante el espejo (ver abajo), es una obra con tonos surrealistas en la que aparece una mujer desnuda. En contraste con las miles de obras de arte en las que artistas varones representan musas, diosas y actrices sin ropa, esta mujer nos da la espalda y ni su cuerpo ni su rostro se reflejan en el espejo que sostiene frente a ella. Es como si la modelo de la obra nos dijera “no dejaré que me vean como un cuerpo más .” Y para reforzar esta idea, junto a ella aparece un maniquí femenino sin cabeza, brazos, ni piernas.

Todas la mujeres tenemos algo de acróbatas

En Amazona Blanca, 1932, una caballista se balance sobre un poni en movimiento. Maria amaba el circo y es posible que haya querido rendir homenaje a un tema representado por varios artistas famosos. Pero en lo personal, coincidimos con el historiador de arte Mark A. Castro que opina que las acróbatas sean una representación metafórica de si misma. Qué quiere decir esto? Descubrélo en el epiodio!

Bibliografía

Cotter, H. (May 30 1997) Painter on a Pendulum, Swinging From Innocent to Elegiac and Back, The New York Times.

Geis, T. (2005).  Arte Moderno de México. Colección Andrés Blaisten, Mexico, Universidad Nacional Autónoma de México.

Guillen, B. (7 mar 2021). “Maria Izquierdo: una pintora tapada por los muralistas.” Las Olvidadas de America. El Pais. Mexico (28 sept 2021).

Navarrete, S. (1998). “María Izquierdo,” in María Izquierdo, Mexico, D.F., Centro Cultural/Arte Contemporáneo, A.C.

Paz, O. “María Izquierdo. (1993).  Seen in Her Surroundings and Set in Her Proper Place,” in Essays on Mexican Art, New York, Harcourt Brace & Company,  257-258. 

https://www.admagazine.com/cultura/maria-izquierdo-lo-que-no-sabias-de-la-pintora-surrealista-20200406-6229-articulos.html

http://warp.la/el-feminismo-de-maria-izquiero-199835

https://www.jornada.com.mx/2013/10/06/sem-germaine.html

https://www.jornada.com.mx/2012/11/23/politica/021n1pol

https://historia-arte.com/obras/sueno-y-presentimiento

https://museoblaisten.com/Artista/240/Maria-Izquierdo

https://www.christies.com/en/lot/lot-5897427

https://www.christies.com/lot/lot-5897428

https://www.artnexus.com/en/magazines/article-magazine-artnexus/5efbab91e566a87dd8a8ea0e/27/maria-izquierdohttps://elpais.com/mexico/2021-03-07/maria-izquierdo-una-pintora-tapada-por-los-muralistas.html

María Izquierdo, “Amazona blanca [White Horsewoman], also known as Caballista del circo [Circus Bareback Rider],” Blanton Museum of Art Collections, accessed September 27, 2021). https://utw10658.utweb.utexas.edu/items/show/2662.

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La Jungla es su obra maestra.
Sobre un fondo de densas plantas tropicales aparecen cuatro criaturas híbridas con elementos humanos, animales y vegetales. Tienen máscaras africanas en lugar de rostros, y sus enormes pies están descalzos. Quieres saber quiénes son y qué representan? Les contamos todo en nuestro episodio.

Wifredo Lam nació en Sagua La Grande, Cuba en 1902. Fue hijo de Lam-Yam, un emigrante oriundo de Cantón en China y de su esposa Ana Serafina Castilla, descendiente mestiza de familias originarias de África y España. A los 16 años ingresó a la Escuela Profesional de Pintura y Escultura en La Habana, y a los 21 años viajó a Madrid para continuar sus estudios. Una década después se mudó a Paris donde se hizo amigo Pablo Picasso, y trabajó junto a los Surrealistas. Finalmente, en 1941, a los 39 años de edad, regresó a su país.

“Me rehusé a pintar cha-cha-cha”

Los artistas de la vanguardia europea vieron en Lam la autenticidad y el exotismo que buscaban recrear en sus propias obras, ya que en ese tiempo los intelectuales sentían fascinación por todo lo no-europeo, y en especial las culturas de Africa, Oceanía y América. Al mismo tiempo, Lam absorbió las enseñanzas de las vanguardias parisinas, como el cubismo y el surrealismo, al mismo tiempo que cada vez más se inclinó hacia un lenguaje propio que los combina con SUS propias raíces afro-caribeñas.

Lam logró crear un lenguaje artístico que es 100% moderno e internacional, y que al mismo tiempo tiene las raíces bien plantadas en la compleja historia de su Cuba natal. Además, su obra sirvió como un antídoto al estereotipo de su país como una pintoresca fantasía de diversión excesiva. Dale click al episodio para oír la historia completa!

Bibliografía del episiodio:

• Connor, Olga. (2016). “Promesa del Paraíso en La Habana, un mundo sobre la seducción cubana.” El Nuevo Herald. https://www.elnuevoherald.com/vivir-mejor/artes-letras/article80421517.html#storylink=cpy [18 de junio, 2021].
• MacLennan, Gloria C. (2019). “Imagenes de un exilio.” El País. https://elpais.com/cultura/2019/07/25/babelia/1564051032_435588. [16 de junio, 2021].
• MoMA. (2019). MoMA Highlights: 375 Works from The Museum of Modern Art, New York (NY: MoMA). https://www.moma.org/collection/works/34666 [20 de junio, 2021].
• MoMA. (n.d) https://www.moma.org/learn/moma_learning/wifredo-lam-the-jungle-1943/ [20 de junio, 2021].
• Paudrat, Jean-Louis, (n.d.) http://www.wifredolam.net/es/biografia.html [19 de junio, 2021].
• Tate (n.d.) https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/wifredo-lam [18 de junio, 2021].
• Rivero Andreu, Irene. (2016). “Wifredo Lam en el Museo Reina Sofia.” Africanidad. https://www.africanidad.com/2016/08/finaliza-la-exposicion-de-wifredo-lam.html [21 de enero, 2021].
• Wolfsonian Museum, Florida International University. (2019). The Artwork and Caricatures of Conrado Walter Massaguer. https://wolfsonianfiulibrary.wordpress.com/2019/05/31/the-artwork-and-caricatures-of-conrado-walter-massaguer/ [21 de junio, 2021].
• Schulze, Paula (editor). (2008). Wifredo Lam in North America. Haggerty Museum of Art, Marquette University.

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Se han preguntado alguna vez para qué sirve una obra de arte que no es ‘bonita’?
Cuál es la función del arte más allá de mostrarnos cosas bellas y hacernos sentir felices?
Cómo se puede o se debe de representar algo ‘feo’, o comunicar una tragedia por medio de una expresión artística?

Creemos que el Guernica de Pablo Picasso nos ofrece las respuestas a estas preguntas.

“Una obra de Picasso puede lograr más que un batallón completo”

El 26 de abril de 1937, Guernica una ciudad en la región Vasca de España, fue salvajemente bombardeada por los ejércitos alemán e italiano en apoyo al bando sublevado del General Francisco Franco. Nueve meses antes, Franco había dado un golpe de estado en contra del legítimo y democrático gobierno de la Segunda República.

Picasso se encargó de que todo el horror y la masacre del bombardeo quedaran plasmadas en un enorme lienzo de 3 1/2 x casi 8 metros.

Cada figura tiene su propio significado

La obra esta compuesta por 9 figuras de estilo cubista que aparecen dentro de un espacio pictórico opresivo y lleno, casi sin espacios vacíos. Al verlo, nuestra mente tarda en entender cada una de las formas que parecen confundirse entre ellas. Pero cada una es importante porque cada una una simboliza algo diferente. Escucha el episodio para descubrirlo!

Llegó a España tras pasar 40 años en Nueva York

El Guernica está hoy en el Museo Nacional de Arte Reina Sofía en Madrid pero, porque así lo decidió Picasso, primero pasó varias décadas en el Museo de Arte Moderno en Nueva York. Quieres saber porqué? Te contamos la historia completa en el podcast.

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía del episodio

Flores, Javier. (2018, actualizado 2019). “El Guernica de Picasso Paso a Paso.” En Historia National Geographic. https://historia.nationalgeographic.com.es/a/guernica-picasso-pasoa-paso_12698/11 (21 de julio, 2021).

In our time podcast (2017). “Picasso’s Guernica.” BBC Radio 4. https://www.bbc.co.uk/programmes/b09bxkdm (5 de Julio, 2021).

Leal, Paloma Esteban. https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/guernica (2 de julio, 2021).

Museo Nacional Reina Sofía. https://guernica.museoreinasofia.es/relato/guernica-segun-picasso (10 de julio, 2021).

N.A. (2015) Interpretación y explicación de “El Guernica” de Picasso. https://historiadelarte560.wordpress.com/2015/12/15/interpretacion-y-explicacion-de-el-guernica-de-picasso/ (10 de julio, 2021).

Pérez Salgado, Miguel Ángel. “BILBAO VISTO POR UN CORRESPONSAL DE GUERRA: George L. Steer en ‘El Árbol de Gernika’ (1938).” https://ianasagasti.blogs.com/mi_blog/2016/02/bilbao-visto-por-un-corresponsal-de-guerra-george-l-steer-en-el-%C3%A1rbol-de-gernika-1938.html (7 de julio, 2021).

Shama, Simon. (2008) “The Power of Art: episode 7 Picasso”. BBC (7 de Julio, 2021).

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La última vez que el mundo vió el retrato que Van Gogh pintó de su medico el doctor Paul Gachet fue el 15 de mayo de 1990. La obra se vendió esa noche por 82.5 millones de dólares, el precio más alto alcanzado por una obra de arte en subasta hasta ese momento. Después se perdió su rastro para siempre. 

A solo 7 años de la muerte del pintor

Vincent murió el 29 de julio de 1890 y su hermano Theo, 6 meses después. Las obras pasaron a manos de Jo Van Gogh, la viuda de Theo. Ella vendió el Dr Gachet a la artista Alice Ruben Faber por 300 francos (unos $58). Esta fotografía de 1897 muestra a la coleccionista embarazada y en cama con la pintura sin marco, recargada contra la pared.

La subasta del 15 de mayo de 1990 tuvo lugar en Nueva York. Lirios de Van Gogh se había vendido por $54 millones en 1987 y se esperaba que Dr. Gachet se vendiera por entre $40 y $50 millones. Pero la pintura hizo historia al convertirse en la mas cara del mundo cuando el martillo cayó en $82.5 millones. Quieres saber quién la compró? Escucha el episodio y entérate!

Vincent pintó dos versiones del retrato. La pose del doctor y los colores son los mismos; la diferencia más notable está en la técnica. La primera, la más original e innovadora, es la protagonista de nuestra historia. La segunda versión  se la regaló al Dr Gachet en agradecimiento y hoy se puede visitar en el Museo d’Orsay en Paris.  En los ojos tristes, pero también en la forma del rostro, y el color del cabello, el retrato de Gachet es también un poco un autorretrato. 

Un marco vacío

El museo Städel de Frankfurt, Alemania adquirió la pintura en 1911. Durante los siguientes 100 años la obra pasó por una docena de dueños… hasta que desapareció de la vista pública. Sin embargo, el marco dorado, hoy vacío, con el que estuvo expuesto en el Städel está todavía en el museo!

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía

Bailey, Martin (2019). The Art Newspaper. Adventures in Van Gogh (blog). “Where is the portrait of Dr Gachet? The mysterious disappearance of Van Gogh’s most expensive painting.” [Internet] Accesible en https://www.theartnewspaper.com/blog/where-is-van-gogh-s-portrait-of-dr-gachet [10 de mayo, 2021].

Bailey, Martin (2019). The Art Newspaper. Adventures in Van Gogh (blog). “Van Gogh and Germany: Frankfurt mounts best show on the artist in recent years.” Accesible en https://www.theartnewspaper.com/blog/van-gogh-and-germany-frankfurt-mounts-best-show-on-the-artist-in-recent-years [10 de mayo, 2021].

Blot, Gérard. Musee d’Orsay. Le docteur Paul Gachet [Dr Paul Gachet]. [Internet] Accesible en https://www.musee-orsay.fr/en/collections/works-in focus/search/commentaire/commentaire_id/dr-paul-gachet-2988.html?no_cache=1&S=&print=1&no_cache=1& [14 de mayo, 2021].

Rosenbaum, Lee. (2007). Arts Journal. “Dr. Gachet” Sighting: It WAS Flöttl! [Internet] Accesible en https://www.artsjournal.com/culturegrrl/2007/01/dr_gachet_sighting_it_was_flot.html [15 de mayo, 2021]

Kleiner, Carolyn (2000). U.S. News online. Mysteries of History. “Van Gogh’s vanishing act: A high-cost, low-profile canvas.” [Internet] Accesible en https://web.archive.org/web/20110514004014/http://www.usnews.com/usnews/doubleissue/mysteries/portrait.htm [11 de mayo, 2021].

Städel Museum (2019). Making Van Gogh: A German Love Story (exhibition). [Internet] Accesible en https://www.staedelmuseum.de/en/vangogh [10 de mayo, 2021].

Städel Museum (2019). Podcast Finding Van Gogh: In search of the legendary “Portrait of Dr Gachet” [Internet] Accesible en https://www.staedelmuseum.de/en/podcast-finding-van-gogh [11 de mayo, 2021].

Boll, Dirk. (2015). Christie’s. Art Works News. “Auctions that made art history: Part 2.” [Internet] Accesible en https://www.christies.com/features Auctions_That_Made_History_2-5580-1.aspx [11 de mayo, 2021].

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Una de las obras de arte más famosas, polémicas e influyentes del Siglo XX es UN ORINAL!

Para dejarlo bien claro: orinal o mingitorio es un objeto de porcelana que se encuentra en los baños públicos de los hombres. 

En otras palabras: esta es la historia de cómo un objeto sanitario de lo más popular, corriente y hasta ofensivo, transformó  la historia del arte. 

Artista y ajedrecista

Esto sucedió en 1917 y el responsable fue Marcel Duchamp. Un artista y ajedrecista francés y naturalizado norte americano, genial e irreverente que se adelantó varias décadas a un movimiento artístico muy controvertido que nació en los años 60  y que hoy conocemos como Arte Conceptual. El arte conceptual es cuando, la idea, el sentimiento y la intención del artista van por encima de las cualidades estéticas del resultado final, es decir que el concepto y el propósito del artista priman sobre la obra. 

La fama de Duchamp comenzó específicamente durante Febrero y Marzo de 1913, cuando en Nueva York  tuvo lugar la Exposición Internacional de Arte Moderno, mejor conocida como The Armory Show.

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía:

• Mundy, Jennifer. (2015-revision). Howarth, Sophie. (2000). “Marcel Duchamp. Fountain 1917, replica 1964.” [Internet]. London: Tate Modern. Disponible en https://www.tate.org.uk/art/artworks/duchamp-fountain-t07573 [15 de Diciembre, 2020].
• [Internet] https://historia-arte.com/artistas/marcel-duchamp  [15 de Diciembre, 2020].
• [Internet] https://press.philamuseum.org/marcel-duchamp-and-the-fountain-scandal/  [15 de Diciembre, 2020].
• [Internet] https://www.philamuseum.org/collections/permanent/51449.html?mulR=30208|10  [15 de Diciembre, 2020].
• [Internet] https://www.usinflationcalculator.com/ (Para la conversión de $324 en 1913 a $8,500 en 2020). (Acceso el 15 de diciembre de 2020).

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