La maldición de Tutankamón es una leyenda popular que se ha mantenido durante décadas. Se dice que aquellos que participaron en la excavación y apertura de la tumba del faraón egipcio Tutankamón, en 1923, sufrieron una serie de desgracias y misteriosas muertes.

Para arqueólogo británico Howard Carter había pasado seis años excavando en el Valle de los Reyes en Egipto, cuando su mecenas el quinto conde de Carnarvon anunció que la temporada de invierno de 1922-23, sería la última que estaba dispuesto a financiar. El trabajo comenzó el 2 de noviembre y sólo 2 días después los trabajadores desenterraron lo que parecía ser un peldaño! Al continuar excavando comprobaron que era en efecto el primer peldaño de una escalinata que llegaba, tierra abajo, a una entrada de barro cerrada con sellos en escritura jeroglífica. Uno de esos sellos llevaba el nombre de Tutankamón.

“Ve usted algo?”

“Sí, veo cosas maravillosas!”

 Al abrir la tumba y esperar a que sus ojos se empezaron a acostumbrar a la falta de luz, el arqueólogo pudo vislumbrar cientos de objetos apilados unos encima de otros.

Había literas de oro, carros de combate desarmados y joyas incrustadas con piedras preciosas, figuras de deidades hechas de cerámica y piedra que acompañarían al faraón en su viaje a la vida eterna, y dos guardias de madera pintada para protegerlo.

La máscara mortuoria

La máscara mortuoria cubría el rostro de la momia del faraón es una espectacular pieza de oro sólido incrustada con piezas de vidrio y piedras semi preciosas.

Representa el rostro impasible, sin emociones, del monarca.

Es un rostro idealizado, perfectamente simétrico.

Oye el episodio para enterarte del significado de los demás elementos de la máscara.

 

 

Egiptomanía

El descubrimiento de la tumba marcó el principio de la egiptomanía que se manifestó en todos los aspectos de la vida cultural y social de la década de los 20. Se produjeron joyas, ropa, muebles y telas con motivos egipcios.

 

Y la maldición?

Ah, la maldición

La primera señal se dió el mismo día en el que abrieron la tumba cuando …

Quiéres saber más? Oye el episodio para conocer la historia completa.

 

Bibliografía del episodio

https://almuzaralibros.com/fichalibro.php?libro=4119&edi=5
https://www.bbc.com/news/entertainment-arts-28403598
https://www.bbc.com/culture/article/20191029-king-tutankhamun-the-tragic-cause-of-the-pharaohs-cult
https://grandegyptianmuseum.org/
https://historia.nationalgeographic.com.es/a/colorean-fotografias-hallazgo-tumba-tutankamon_9896
https://www.historyanswers.co.uk/ancient/the-curse-of-tutankhamun-and-fake-news-from-beyond-the-grave/
https://hoover.archives.gov/hoovers/first-familys-pets
https://library.leeds.ac.uk/special-collections/collection/1482
https://www.nationalgeographic.es/photography/2018/05/fotografias-que-documentan-la-apertura-de-la-tumba-de-tutankamon?image=01_tut_excavation
https://www.nytimes.com/2016/06/03/world/middleeast/king-tuts-dagger-made-of-iron-from-the-sky-researchers-say.html
https://www.penn.museum/sites/expedition/the-curse-of-the-curse-of-the-pharaohs/
https://en.wikipedia.org/wiki/Tutankhamun%27s_mummy

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La obra más enigmática de la historia del arte

La obra es un tríptico, es decir que consiste en tres partes, tres tablas de madera de roble unidas por medio de bisagras para que las dos exteriores se puedan cerrar sobre la del centro. Las tres partes se deben leer de izquierda a derecha como si fuera un libro. En la primera se representa el Jardín del Edén, en la segunda, un paraíso terrenal repleto de tentaciones y en la tercera, el infierno donde inevitablemente van a parar los que durante su vida cayeron en las tentaciones.

La producción pictórica del Bosco le dió vida a un mundo fuera de la realidad, un mundo raro y perturbador.

La cara que casi nunca se ve

En la parte exterior del tríptico aparece una gran esfera transparente que tienen agua hasta la mitad, de la cual emergen unas formas muy raras, como grandes rocas y plantas. Lo que esto representa es incierto. La interpretación más aceptada propone que es el tercer día de la Creación cuando ya habían aparecido las plantas y vegetales pero aún no los animales y los seres humanos.

 

La maldad existe incluso en El Jardín del Edén

En ésta visión del Paraíso aparecen animales y aves tanto reales como imaginarios. En el centro aparece la tradicional fuente de los cuatro ríos del Paraíso pero de forma estrafalaria y de color rosa y en primer plano aparece Dios quien tomando de la mano a una Eva rubia, se la presenta Adan que sentado muy derechito sobre el pasto, espera para conocer a su pareja. En la esquina inferior izquierda vemos a un gato que camina tranquilamente con un ratón entre los dientes, otro símbolo de que incluso en el paraíso existían la corrupción y el peligro.

El panel del centro es el que le da el título a toda la obra. Este paisaje está poblado por cientos de pequeños hombres y mujeres desnudos, todos jóvenes. No se encuentran ni un sólo niño ni un viejo. Entre la mayoría de figuras de raza blanca, también vemos algunas de raza negra, lo cual es notable ya que no solían ser incluidas en el arte de la época. Los expertos consideran que en este caso el artista quiso mostrar algo de la diversidad de las razas en el mundo. Aparecen también personajes míticos e imaginarios, como las mujeres que tienen todo el cuerpo cubierto con una fina capa de pelo o pelusa a excepción del cuello y la cara, los senos, las manos y los pies.

Bienvenidos al infierno!

El soleado jardín desapareció y en su lugar el Bosco nos muestra un lugar horrible dominado por colores oscuros y cubierto por un gran numero de detalles que vale la pena mirar detenidamente. Estos nos presentan los castigos mas macabros y fantásticos que se hayan pintado. Quieren saber cuáles son sus figuras más famosas y lo que ésatas significan? Oígan el episodio, porque ahí se los contamos todo.

Infierno completo (izquierda)

Les contamos mucho más acerca de esta obra en nuestro podcast. No dejen de oírlo.

Bibliografía

Gombrich, Ernst, “Bosch of Hertogenbosch” in The New York Review, February, 23, 1967 (acceso el 28 de septiembre, 2022), https://www.nybooks.com/articles/1967/02/23/bosch-of-hertogenbosch/
Hickson, Sally, Dr. ”Hieronymus Bosch, The Garden of Earthly Delights,” in Smarthistory, August 9, 2015, (acceso el 28 de septiembre, 2022) https://smarthistory.org/bosch-the-garden-of-earthly-delights/.
Silva, Pilar, ‘El Bosco. Tríptico del Jardín de las delicias.’ En: el Bosco. La exposición del V Centenario, Madrid, Museo Nacional del Prado, 2016, p.n.46 330-346, (acceso el 17 de septiembre, 2022), https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/triptico-del-jardin-de-las-delicias/02388242-6d6a-4e9e-a992-e1311eab3609
Simon Mittman, Asa Dr. “Spotlight — Hieronymus Bosch, The Garden of Earthly Delights, in Smarthistory , August, 31, 2019 (acceso el 17 de septiembre, 2022), https://smarthistory.org/garden-bosch/.
https://english.elpais.com/elpais/2016/06/01/inenglish/1464784579_825393.html (acceso el 17 de septiembre, 2022).
https://mymodernmet.com/es/jardin-de-las-delicias-bosco/ (acceso el 28 de septiembre, 2022).
https://periergeia.org/en/deciphering-the-garden-of-earthly-delights-part-1-the-prelude-to-disaster/ (acceso el 17 de septiembre, 2022).
https://www.salmanrushdie.com/garden-earthly-delights/ (acceso el 20 de octubre, 2022).

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Mas de 300 cuerpos musculosos …

… casi todos hombres desnudos o semi desnudos cubren la pared del altar en la capilla más importante del catolicismo. Esto causó tanta controversia que varias personas propusieron se destruyera. Quieren saber más? Los invitamos a oír el episodio donde les contamos todo esto y más.

La Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano.

Sin duda la capilla más importante del Vaticano, en la que se vela a los Papas difuntos antes de enterrarlos en San Pedro y también donde, hasta el día de hoy, se lleva acabo el Cónclave, es decir la elección de un nuevo Pontífice.

Miguel Angel tenía mas de 60 años,

y había pasado más de un cuarto de siglo desde que había pintado las imágenes de la bóveda, cuando en 1536 regresó a la Capilla Sixtina para plasmar su visión del Juicio Final. El fresco cubre una enorme superficie de 13 x 12 metros. Es decir que es tan alta como un edificio de 5 pisos. La obra impresiona y su historia emociona, y en nuestro podcast se las contamos com-ple-ta.

Un autorretrato?

A la derecha de Cristo aparece San Bartolomé, que vivió en el primer siglo de nuestra era y cuyo martirio consistió en ser desollado vivo, con un cuchillo en la mano derecha y su propia piel en la izquierda. Pero fíjense que mientras que el santo se destaca por su barba gris y su cabeza calva, el colgujo de su piel no tiene barba y sí tiene pelo. Cómo se explica esto? Será que Miguel Angel quizo mostrarnos algo especial? Escuchen el episodio para enterase de todo!

En la esquina inferior derecha del fresco aparece este horrible personaje. En el episodio les contamos quién es y porqué Miguel Angel lo puso ahí.

En el centro: Cristo

Un gigante de enormes músculos, casi un super héroe de las películas de ahora. No aparece ni parado ni sentado, sino en una posición como en cuclillas. Esta es una de las pocas veces en las que se representa a Jesús enojado, feroz y justiciero en lugar de misericordioso y compasivo. Con un gesto agresivo de su mano derecha eleva a los justos hasta el cielo, mientras que con la izquierda, condena a los pecadores al infierno.

 

Bibliografía

https://artstor.wordpress.com/2013/11/13/michelangelos-last-judgment-uncensored/
https://lacapillasixtina.es/el-infierno/
https://elpais.com/diario/1987/08/30/opinion/557272809_850215.html
https://elpais.com/diario/1989/09/18/opinion/622072805_850215.html
https://www.latribunadetoledo.es/noticia/zcdd702c5-0483-b5ce-a4a4e2ff5fb70949/201403/la-polemica-con-miguel-angel
https://smarthistory.org/michelangelo-last-judgment/
https://smarthistory.org/the-protestant-reformation/
https://www.museivaticani.va/content/museivaticani/en/collezioni/musei/cappella-sistina/giudizio-universale.html
https://web.archive.org/web/20070516000937/http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/94.htm

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Pero sus pinturas … sus pinturas tienen magia!!

Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio, nació en 1571 en la región de Lombardia, en el norte de Italia. Pocos años después se convirtió en el artista mas solicitado de Roma. Escucha la historia completa en nuestro podcast!

Una de las obras que lo lanzaron a la fama es La Vocación de San Mateo. Esta nos muestra un momento de transformación espiritual en el que el recaudadador de impuestos que convertirá en San Mateo atiende al llamado de Jesús.

“Sígueme” – le dijo- “y el se levantó y lo siguió.”

Los artistas del Renacimiento presentaban a los personajes bíblicos como idealmente bellos y elegantes. En contraste, las figuras de Caravaggio son brutalmente realistas.

En Jugadores de Cartas, de ca. 1596, Caravaggio nos hace espectadores y cómplices del truco que dos truhanes le juegan a un joven ingenuo que mira sus cartas confiado sin notar que su contrincante esconde unas cartas detrás de la espalda. Y es que el artista conocía bien el bajo mundo…

En 1606, asesinó a un hombre y escapó de Roma. Se refugió en Malta donde pintó la escalofriante Decapitación de San Juan Bautista. Es su obra de mayor tamaño y también la única que firmó, escribiendo su nombre en la sangre que brota de la cabeza del santo y se acumula en el suelo.

David con la cabeza de Goliat, ca. 1609

Caravaggio nos muestra al héroe bíblico de manera muy distinta a lo que se acostumbraba: aquí David no se muestra ni contento ni orgulloso de haber derribado al enemigo, sino que mas bien aparece con la mitad del rostro en sombras, sosteniendo del pelo a la cabeza decapitada de Goliat a la que mira con una mezcla de lástima y asco.

La cara del monstruo es la del pintor!!

Quieres saber la historia completa? Dale click al episodio.

Bibliografía del episodio

Graham-Dixon, Andrew. Caravaggio: a life sacred and profane. Norton (2011).

Schama Simon, Simon Schama’s Power of Art: Caravaggio. DVD (2006).

https://historia-arte.com/obras/la-incredulidad-de-santo-tomas-de-caravaggio

https://historia-arte.com/artistas/caravaggio

https://www.museivaticani.va/content/museivaticani/es/collezioni/musei/la-pinacoteca/sala-xii—secolo-xvii/caravaggio–deposizione-dalla-croce.html

https://borghese.gallery/collection/paintings/david-with-the-head-of-goliath.html

https://www.eltemplodelaocoonte.com/post/la-decapitaci%C3%B3n-de-san-juan-bautista-caravaggio

https://www.bbc.com/mundo/vert-cul-37753047

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“El beso más famoso de la historia del arte”

Creada al óleo en 1907, El Beso es un gran cuadrado de 180 x 180 cm que brilla y refleja la luz que lo rodea, porque para ornamentarla Klimt utilizó hoja de oro y plata. En la obra aparecen un hombre y una mujer, casi de tamaño natural, que se abrazan sobre un prado de flores de colores. El fondo dorado y el halo de cuerpo entero que los une dan a la obra una dimensión casi sagrada. Escucha nuestro episodio para enterarte de todo acerca de esta hermosa pintura y de su creador: el enigmático Gustav Klimt.

“A cada época, su arte, y al arte, su libertad”.

Viena, Austria, 1897.

Un grupo de artistas jóvenes decidieron romper con la Asociación de Artistas a la que consideraban demasiado estricta y anticuada y fundaron la Secesión Vienesa, literalmente: la separación. El estilo de sus obras fue el de las líneas curvas, orgánicas, de formas naturales y decorativas del Art Nouveau.
Su lema fue: “a cada tiempo, su arte, y al arte, su libertad”.

Su primer presidente fue Gustav Klimt.

Klimt, Adele Block-Bauer, 1907

Ella es Adele Bloch-Bauer, esposa del industrial vienés Ferdinand Bloch-Bauer. Su retrato se conoce como “La Dama Dorada” por su esplendorosa superficie ornamentada con pan de oro y plata, que sirve para acentuar la riqueza de las joyas que la modelo lleva encima. Miren las pulseras y sobre todo la sensacional gargantilla de oro y diamantes!

Klimt tuvo affairs con muchas de sus modelos y hasta con algunas de las esposas de sus patrones. Pero su relación más duradera fue con Emilie Flöge, una famosa diseñadora de moda. Su estudio de alta costura fué uno de los primeros en coser vestidos de estilo vanguardista, sueltos y sin corsé, algunos diseñados por el mismo Klimt. Entonces él era el artista más conocido y prestigioso de la ciudad y los retratos que le hizo a su novia la ayudaron a catapultarse a la fama. Uno de estos retratos, pintado en 1902 la muestra enfundada en un vestido modernista en tonos azules.

Una avalancha de flores

En Jardín Campestre con Girasoles (1906), Klimt nos pone frente a una avalancha de girasoles, margaritas, petunias, áster, begonias y flores del campo en colores verdes y rojos, rosas, azules, amarillos y morados, que convierten ese rincon de la naturaleza en un sitio lleno de esplendor.

Logramos despertar tu curiosidad? Dale click al simbolo de play y escucha el episodio para aprender mucho más acerca de este artista.

Bibliografía

Dr. Charles Cramer and Dr. Kim Grant, “Art Nouveau,” in Smarthistory, June 14, 2020, https://smarthistory.org/art-nouveau/ [acceso el 9 de febrero, 2022].
https://www.neuegalerie.org/collection/artist-profiles/gustav-klimt [acceso el 9 de febrero, 2022].
https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-liverpool/exhibition/gustav-klimt-painting-design-and-modern-life-vienna-1900/gustav-5 [acceso el 9 de febrero, 2022].
https://www.wien.info/es/turismo-en-viena/monumentos-en-viena/modernismo/secesi%C3%B3n-357928 [acceso el 14 de febrero, 2022].
https://www.theartstory.org/artist/klimt-gustav/life-and-legacy/ [acceso el 20 de febrero, 2022].
https://artsandculture.google.com/story/yQVhvTHl7e3XJA [acceso el 21 de febrero, 2022].
https://mymodernmet.com/the-kiss-gustav-klimt/ [acceso el 14 de febrero, 2022].
https://www.thecollector.com/6-little-known-facts-about-gustav-klimt/ [acceso el 20 de febrero, 2022].

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Todo el mundo lo ha visto. Es una imagen universal que representa angustia y horror. Aparece satirizada por todas partes y es tan popular que inclusive existe un emoji con el mismo gesto. Pero a su autor, el noruego Edvard Munch, lo conocemos casi exclusivamente por medio de esa imagen aunque fue en realidad uno de los artistas más prolíficos e innovadores de su tiempo. Por eso es que en éste episodio les contamos acerca de él y su expresiva obra.

“Sentí como un grito infinito atravesaba la naturaleza entera.”

Estado de ánimo enfermo, Desolación, 1892, Metropolitan Museum of Art, NY

El 22 de enero de 1892 Munch escribió en su diario que mientras caminaba con dos amigos a lo largo del puente sobre un fiordo, notó que de pronto, el cielo se tornó de color rojo sangre. En ese momento sintió un cansancio de muerte y mientras que sus amigos continuaron su camino, él se detuvo temblando de ansiedad y sintiendo como un alarido infinito atravesaba la naturaleza entera.

 

La niña enferma, 1886, Museo Nacional, Oslo, Noruega

Una de las obras en las que recuerda los momentos previos a la muerte de su hermana mayor. La obra causó revuelo por la por la manera tan innovadora en la que estaba pintada. Las pinceladas parecen desorganizadas, La pintura verde parece chorrear de las paredes, las manos de la niña y la madre parecen fundirse en una sóla.

Una de nuestras obras favoritas es La tormenta, de 1893 y hoy en el MoMA de NY. La escena está situada en un pueblo de pescadores donde Munch solía pasar los veranos. Las ventanas de las casas aparecen iluminadas y la calle vacía. Un pequeño grupo de mujeres vestidas en colores oscuros están cerca de la orilla del mar en la parte inferior izquierda del cuadro. Es posible que sean las esposas, madres o hijas de los pescadores que han salido en la tormenta.

Quieres saber el significado? Escúchalo en el episodio, donde te contamos eso y más!

No tuvo buena suerte con las mujeres

De joven, el pintor había sido abandonado por más de una mujer casada de quien se había enamorado. En Amor y dolor (Vampiro) una mujer cubierta solo por su largo cabello rojo se inclina sobre el cuello del hombre que, completamente vestido que se hinca frente a ella.

Bibliografía

Dr. Beth Harris and Dr. Steven Zucker, “Fernand Khnopff, I Lock my Door Upon Myself,” in Smarthistory, August 9, 2015, https://smarthistory.org/khnopff-i-lock-my-door-upon-myself/. [acceso en linea 19 de enero, 2022].

Julieta Sanguino en Cultura Colectiva, https://culturacolectiva.com/arte/pinturas-para-la-locura-y-las-obsesiones-de-edvard-munch [acceso en linea 23 de enero, 2022].

Dr. Noelle Paulson, “Edvard Munch, The Scream,” in Smarthistory, August 9, 2015, accessed January 23, 2022, https://smarthistory.org/munch-the-scream/.Vargas Llosa, Mario (2005). “Botero: La suntuosa abundancia.” Donación Botero: Museo de Antioquia. (2005). Fondo Editorial Museo de Antioquia.

Metropolitan Museum of Art, https://www.metmuseum.org/art/collection/search/340029 [acceso en linea 18 de enero, 2022].

MoMA https://www.moma.org/collection/works/80644 [acceso en linea 22 de enero, 2022].

Munch Museum https://munchmuseet.no/en/munch [acceso en linea 19 de enero, 2022].

Museyon http://www.museyon.com/sex-blood-and-symbolism-the-shot-that-made-edvard-munch-scream/ [acceso en linea 19 de enero, 2022].

Smithsonian https://www.smithsonianmag.com/arts-culture/edvard-munch-beyond-the-scream-111810150/ [acceso en linea 20 de enero, 2022].

Tate https://www.tate.org.uk/tate-etc/issue-25-summer-2012/soul-laid-bare [acceso en linea 18 de enero, 2022].

The British Museum https://www.britishmuseum.org/exhibitions/edvard-munch-love-and-angst [acceso en linea 18 de enero, 2022].

The British Museum https://blog.britishmuseum.org/who-was-edvard-munch/?_gl=1*12uxzts*_ga*MTE5ODA4ODc0Ny4xNjQyNTY3ODYz*_ga_08TLB9R8X1*MTY0MjU2Nzg2Mi4xLjEuMTY0MjU2NzkzMi4w [acceso en linea 18 de enero, 2022].

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Si tú respuesta es Dalí, eres uno entre el 99% de las personas consultadas. Pero si lo que te vino a la mente es algo diferente, por favor déjanoslo saber. Escríbenos en Instagram o por medio de ésta, nuestra página web.

Su obra más famosa (ver abajo) es La persistencia de la memoria, que se expuso por primera vez en 1931. La inolvidable imagen mide sólamente 24 x 33cm o sea, un poquito más grande que una hoja de papel carta. La puedes ver en el MoMA, NY. Qué ves en ella?Yo veo: un paisaje desolado y silencioso donde el tiempo parece haberse detenido, tres relojes derritiéndose al sol, cada uno marcando una hora distinta, y un montón de hormigas sobre la tapa del que se encuentra cerrado. Una forma muy rara y también blanda está en el suelo. Podría ser un perfil del artista: fíjense que parece tener un ojo cerrado, con pestañas muy largas, y también una nariz de la que sale una lengua gorda.

Y qué quiere decir esto? Oye nuestro episodio de podcast en el que te explicamos todo acerca de esta enigmática obra.

“Cada mañana cuando me levanto, experimento una exquisita alegría, la alegría de ser Salvador Dalí, y me pregunto entusiasmado, ‘qué cosas maravillosas logrará hoy este Salvador Dalí'”

Salvador Dalí fue el segundo hijo de sus padres. Otro bebé, al que también bautizaron Salvador, había nacido y muerto casi un año antes de que naciera el que se convertiría en artista. Dalí siempre dijo creer ser la reencarnación de su hermanito muerto y lo usó como inspiración para muchas de sus obras. Un ejemplo es Retrato de mi hermano muerto (1963).

Mira también este de Paisaje de Figueres que el pintor creó con 6 añitos! >>>

Cuando era joven, Dalí fue expulsado de la Real Academia de Arte de Madrid por decir que él era más inteligente y talentoso que cualquiera de sus profesores, y que por lo tanto, nadie lo podría calificar en los exámenes finales.

Dalí, La canasta de pan, 1926

Un ejemplo de su extraordinario talento para observar y representar la realidad es esta canasta de pan sobre un mantel blanco. Está pintada de un modo tan naturalista que parece verdadera. A esto se le conoce como un ‘trampantojo’ o ‘trompe l’oeil’ (en francés), quiere decir ‘engaña al ojo’. Es decir, que crea una ilusión óptica.

 

Telefóno afrodisíaco (Telefóno-Langosta) de 1936, es un objeto surrealista que Dalí creó para su amigo, el coleccionista y poeta británico Edward James.

La obra surrealista de Salvador Dalí nos muestra su muy complejo mundo interior por medio de la técnica naturalista de los grandes maestros. Fíjate que sus pinturas son híper realistas, casi fotográficas, aunque las imágenes sean irreales. Y es que Dalí fue un artista que se atrevió a mostrarnos su mundo interior, inclusive cuando éste fuera cómico, horrible, asqueroso o indescifrable. Su personalidad por demás excéntrica y sus obras en pintura, escultura, joyería, cine y literatura lo consolidaron como el surrealista por excelencia.

Fue un genio o un loco? Tú qué opinas?

Bibliografía del episodio

https://www.moma.org/collection/works/79018 [acceso en linea 17 de enero, 2022].

https://3minutosdearte.com/cuadros-fundamentales/la-persistencia-de-la-memoria-1931-salvador-dali/ [acceso en linea 17 de enero, 2022].

 https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/dali-salvador/sueno-causado-vuelo-abeja-alrededor-granada-segundo-antes [acceso en linea 17 de enero, 2022].

https://www.salvador-dali.org/en/dali/bio-dali/ [acceso en linea 5 de enero, 2022].

Stanley Meisler (April 2005). “The Surreal World of Salvador Dalí”. Smithsonian Magazine. https://www.smithsonianmag.com/arts-culture/the-surreal-world-of-salvador-dali-78993324/ [acceso en linea 5 de enero, 2022].

https://elpais.com/elpais/2019/10/25/icon_design/1572029126_141785.html [acceso en linea 7 de enero, 2022].

https://www.lavanguardia.com/historiayvida/historia-contemporanea/20190117 /47309736935/las-excentricidades-de-salvador-dali.html [acceso en linea 7 de enero, 2022].

http://archive.thedali.org/mwebcgi/mweb.exe?request=record;id=31;type=101 [acceso en linea 5 de enero, 2022].

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Y para festejar, decidimos re-editar nuestro primer episodio, con el que nos conocieron y el que hicimos con mucha ilusion. Disfruténlo, ahora con mas información acerca de la artista, su vida y su magnifica obra. Para ver una selección de fotos diferentes, les invitamos a visitar también la página dedicada a ese primer episodio de Kusama (encuéntrenlo en nuestra primera temporada).

GRACIAS por escucharnos y ayudar a difundir las historias del arte. Bienvenidos.

El arte lo fue siempre todo en su vida

 

Kusama nació en 1929 en la Matsumoto, Japón, en una familia de ricos terratenientes que se dedicaban a cultivar semillas y flores para vender al por mayor. Su familia era muy tradicional y esperaban que tanto Yayoi se casara con un hombre a quien los padres consideraran adecuado.

En el podcast te contamos la historia completa. Pero ahora solo te decimos que Yayoi fue diferente desde muy pequeña y prefería pasar el día dibujando. También empezó a tener alucinaciones desde muy joven. Sin embargo, al cumplir la mayoría de edad logró viajar a los Estados Unidos desde donde se convirtió en una artista internacionalmente famosa.

Uno de los momentos mas importantes de su vida profesional tuvo lugar en 1966 cuando pudo participar en la Bienal de Venecia, con una obra que ella tituló El jardín de Narciso. Esta es otra historia super interesante que te contamos en el episodio.

Transmite felicidad

La obra de Kusama se origina en el dolor y el trauma, sin embargo, es una obra que al final nos transmite alegría. Quién no sonríe al ver una flor rosa llena de puntitos blancos? Su mensaje nace del amor por la vida, de sus propias ganas de vivir. Y es un mensaje de unidad universal que nos hace sentir felices. 

 

 

Su obra más reciente es “Mi alma eterna”, una serie en la que ha trabajado desde 2009, produciendo entre 1 y 4 pinturas por semana. La serie cuenta al día de hoy con mas de 700 piezas!

 

Bibliografía del episodio

• Kusama, Yayoi, and Ralph F. McCarthy. (2011). Infinity Net: The Autobiography of Yayoi Kusama. London, U.K.: Tate.Ormond, Mark (2002).
• “Yayoi Kusama – Exodus, Liberation, and Return.” Originally published in Yayoi Kusama. (Exhibition December 4, 2002 – May 11, 2003). Miami Beach, Florida: Bass Museum of Art. [Internet]. Accesible en http://www.markormond.com/kusama_essay.html [6 de noviembre, 2021 y 10 de noviembre 2021].
• Tate, U.K. (s.f.). “Who is Yayoi Kusama”. In Tate Kids. [Internet]. Accesible en https://www.tate.org.uk/kids/explore/who-is/who-yayoi-kusama [30 de octubre, 2020 y 10 de noviembre 2021].
• Yayoi Kusama, Inc. (n.f.) [Internet] Accesible en http://yayoi-kusama.jp/e/information/index.html [6 de noviembre, 2020 y 10 de noviembre, 2021].

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Se han preguntado alguna vez para qué sirve una obra de arte que no es ‘bonita’?
Cuál es la función del arte más allá de mostrarnos cosas bellas y hacernos sentir felices?
Cómo se puede o se debe de representar algo ‘feo’, o comunicar una tragedia por medio de una expresión artística?

Creemos que el Guernica de Pablo Picasso nos ofrece las respuestas a estas preguntas.

“Una obra de Picasso puede lograr más que un batallón completo”

El 26 de abril de 1937, Guernica una ciudad en la región Vasca de España, fue salvajemente bombardeada por los ejércitos alemán e italiano en apoyo al bando sublevado del General Francisco Franco. Nueve meses antes, Franco había dado un golpe de estado en contra del legítimo y democrático gobierno de la Segunda República.

Picasso se encargó de que todo el horror y la masacre del bombardeo quedaran plasmadas en un enorme lienzo de 3 1/2 x casi 8 metros.

Cada figura tiene su propio significado

La obra esta compuesta por 9 figuras de estilo cubista que aparecen dentro de un espacio pictórico opresivo y lleno, casi sin espacios vacíos. Al verlo, nuestra mente tarda en entender cada una de las formas que parecen confundirse entre ellas. Pero cada una es importante porque cada una una simboliza algo diferente. Escucha el episodio para descubrirlo!

Llegó a España tras pasar 40 años en Nueva York

El Guernica está hoy en el Museo Nacional de Arte Reina Sofía en Madrid pero, porque así lo decidió Picasso, primero pasó varias décadas en el Museo de Arte Moderno en Nueva York. Quieres saber porqué? Te contamos la historia completa en el podcast.

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía del episodio

Flores, Javier. (2018, actualizado 2019). “El Guernica de Picasso Paso a Paso.” En Historia National Geographic. https://historia.nationalgeographic.com.es/a/guernica-picasso-pasoa-paso_12698/11 (21 de julio, 2021).

In our time podcast (2017). “Picasso’s Guernica.” BBC Radio 4. https://www.bbc.co.uk/programmes/b09bxkdm (5 de Julio, 2021).

Leal, Paloma Esteban. https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/guernica (2 de julio, 2021).

Museo Nacional Reina Sofía. https://guernica.museoreinasofia.es/relato/guernica-segun-picasso (10 de julio, 2021).

N.A. (2015) Interpretación y explicación de “El Guernica” de Picasso. https://historiadelarte560.wordpress.com/2015/12/15/interpretacion-y-explicacion-de-el-guernica-de-picasso/ (10 de julio, 2021).

Pérez Salgado, Miguel Ángel. “BILBAO VISTO POR UN CORRESPONSAL DE GUERRA: George L. Steer en ‘El Árbol de Gernika’ (1938).” https://ianasagasti.blogs.com/mi_blog/2016/02/bilbao-visto-por-un-corresponsal-de-guerra-george-l-steer-en-el-%C3%A1rbol-de-gernika-1938.html (7 de julio, 2021).

Shama, Simon. (2008) “The Power of Art: episode 7 Picasso”. BBC (7 de Julio, 2021).

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La última vez que el mundo vió el retrato que Van Gogh pintó de su medico el doctor Paul Gachet fue el 15 de mayo de 1990. La obra se vendió esa noche por 82.5 millones de dólares, el precio más alto alcanzado por una obra de arte en subasta hasta ese momento. Después se perdió su rastro para siempre. 

A solo 7 años de la muerte del pintor

Vincent murió el 29 de julio de 1890 y su hermano Theo, 6 meses después. Las obras pasaron a manos de Jo Van Gogh, la viuda de Theo. Ella vendió el Dr Gachet a la artista Alice Ruben Faber por 300 francos (unos $58). Esta fotografía de 1897 muestra a la coleccionista embarazada y en cama con la pintura sin marco, recargada contra la pared.

La subasta del 15 de mayo de 1990 tuvo lugar en Nueva York. Lirios de Van Gogh se había vendido por $54 millones en 1987 y se esperaba que Dr. Gachet se vendiera por entre $40 y $50 millones. Pero la pintura hizo historia al convertirse en la mas cara del mundo cuando el martillo cayó en $82.5 millones. Quieres saber quién la compró? Escucha el episodio y entérate!

Vincent pintó dos versiones del retrato. La pose del doctor y los colores son los mismos; la diferencia más notable está en la técnica. La primera, la más original e innovadora, es la protagonista de nuestra historia. La segunda versión  se la regaló al Dr Gachet en agradecimiento y hoy se puede visitar en el Museo d’Orsay en Paris.  En los ojos tristes, pero también en la forma del rostro, y el color del cabello, el retrato de Gachet es también un poco un autorretrato. 

Un marco vacío

El museo Städel de Frankfurt, Alemania adquirió la pintura en 1911. Durante los siguientes 100 años la obra pasó por una docena de dueños… hasta que desapareció de la vista pública. Sin embargo, el marco dorado, hoy vacío, con el que estuvo expuesto en el Städel está todavía en el museo!

La música original de este episodio y el tema del podcast son de Ilan Blanck

Bibliografía

Bailey, Martin (2019). The Art Newspaper. Adventures in Van Gogh (blog). “Where is the portrait of Dr Gachet? The mysterious disappearance of Van Gogh’s most expensive painting.” [Internet] Accesible en https://www.theartnewspaper.com/blog/where-is-van-gogh-s-portrait-of-dr-gachet [10 de mayo, 2021].

Bailey, Martin (2019). The Art Newspaper. Adventures in Van Gogh (blog). “Van Gogh and Germany: Frankfurt mounts best show on the artist in recent years.” Accesible en https://www.theartnewspaper.com/blog/van-gogh-and-germany-frankfurt-mounts-best-show-on-the-artist-in-recent-years [10 de mayo, 2021].

Blot, Gérard. Musee d’Orsay. Le docteur Paul Gachet [Dr Paul Gachet]. [Internet] Accesible en https://www.musee-orsay.fr/en/collections/works-in focus/search/commentaire/commentaire_id/dr-paul-gachet-2988.html?no_cache=1&S=&print=1&no_cache=1& [14 de mayo, 2021].

Rosenbaum, Lee. (2007). Arts Journal. “Dr. Gachet” Sighting: It WAS Flöttl! [Internet] Accesible en https://www.artsjournal.com/culturegrrl/2007/01/dr_gachet_sighting_it_was_flot.html [15 de mayo, 2021]

Kleiner, Carolyn (2000). U.S. News online. Mysteries of History. “Van Gogh’s vanishing act: A high-cost, low-profile canvas.” [Internet] Accesible en https://web.archive.org/web/20110514004014/http://www.usnews.com/usnews/doubleissue/mysteries/portrait.htm [11 de mayo, 2021].

Städel Museum (2019). Making Van Gogh: A German Love Story (exhibition). [Internet] Accesible en https://www.staedelmuseum.de/en/vangogh [10 de mayo, 2021].

Städel Museum (2019). Podcast Finding Van Gogh: In search of the legendary “Portrait of Dr Gachet” [Internet] Accesible en https://www.staedelmuseum.de/en/podcast-finding-van-gogh [11 de mayo, 2021].

Boll, Dirk. (2015). Christie’s. Art Works News. “Auctions that made art history: Part 2.” [Internet] Accesible en https://www.christies.com/features Auctions_That_Made_History_2-5580-1.aspx [11 de mayo, 2021].

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