Hilma af Klint fue una pintora y mística sueca cuya obra singular e innovadora permaneció prácticamente escondida durante décadas hasta que el Museo Guggenheim de Nueva York en 2018, presentó la muestra “Pinturas para el futuro” lanzando su nombre a la fama mundial de la noche a la mañana.

¿Qué es lo que la hace tan especial, a ella y a su obra?

Obras dictadas por un ser trascendental

Nació en Estocolmo, Suecia, en 1862. En 1887, se convirtió en una de las primeras egresadas de La Real Academia Sueca de las Artes; en ese entonces una de las pocas que admitía mujeres.

Interesada en temas esotéricos, formó con 4 amigas artistas, el grupo “Las Cinco” que se reunía semanalmente para discutir temas ocultos y llevar a cabo sesiones con el fin de establecer contacto con seres espirituales de un orden superior a quienes se referían como “Los Altos Maestros”.

 

 

En 1905 dijo haber recibido una comisión de uno de los Maestros, quien le ofreció ser su guía en la producción de la que se convertiría en su obra maestra. Sus amigas le aconsejaron rehusar. Temían que involucrarse en temas ocultos a ese nivel pudieran llevarla incluso a locura. Pero Hilma no las escuchó y dedicó varios años entre 1906 y 1915 a la creación de sus “Pinturas para el Templo”.

“Yo fui el medio por el cual las pinturas fueron creadas, sin dibujos preliminares y con gran fuerza. Yo no tenía idea de lo que debía representar y sin embargo trabajé rápida y segura, sin cambiar ni una sola pincelada” -Hilma af Klint

Las composiciones, que son en verdad extraordinarias, se caracterizan por un estilo único que revelan imaginación y creatividad ilimitadas y representan las diferentes etapas de la vida humana, infancia, juventud, edad adulta y vejez. En ellas, la artista experimentó con el color y la forma tratando de interpretar de manera visual el mundo oculto y enigmático que se le estaba revelando.

El lenguaje que utilizó es el que hoy conocemos como concreto o abstracto por medio del cual se representan conceptos, pensamientos y sentimientos sin reproducir lo que vemos con los ojos y no existía en esa época. Así de simple: NO existía. Ahora imagínense lo que significaba atreverse a crear algo completamente nuevo dentro de un mundo artístico con una larga historia, reglas establecidas y que además estaba dominado por artistas, galeristas y clientes varones.

Hilma, aun siendo mujer, había hecho carrera pintando paisajes y retratos tradicionales y posiblemente temía arriesgarlo todo diciendo abiertamente que estaba creando imágenes nunca antes vistas bajo la guía de un ser del más allá.

Hilma trabajó en estas piezas a escondidas y durante la noche, colocándolas sobre el suelo de su estudio.

Al contrario de Hilma, al artista ruso Vassily Kandinsky se le concedió el título de “el padre del arte abstracto”, después de que publicara en 1911 su ensayo “De lo Espiritual en el Arte”. En este explica que sus pinturas abstractas tienen el poder de trascender el mundo material, acceder al mundo interior de las emociones y evocar sentimientos espirituales en el espectador. En otras palabras, lo que Hilma ya había entendido y en lo que para entonces llevaba varios años trabajando.

 

Y es que af Klint sufrió discriminación de género por parte de clientes y colegas a pesar de haberse graduado de la universidad con honores. Además, el haber llevado por así decirlo, una ‘vida poco convencional’ seguramente hubiese jugado un papel importante en su estigmatización. Te recomendamos oír el episodio para enterarte de lo que la hacía poco convencional a los ojos de sus contemporáneos.

La realidad es que aunque posiblemente nunca lleguemos a saber por qué Hilma hizo las cosas como las hizo, no hay duda de que como mujer ella tenía que ser mucho más cuidadosa. 

Bibliografía del episodio

https://www.theguardian.com/artanddesign/2016/feb/21/hilma-af-klint-occult-spiritualism-abstract-serpentine-gallery

Iris Müller-Westermann, “Paintings for the Future: Hilma af Klint—A Pioneer of Abstraction in Seclusion,” in Hilma af Klint—A Pioneer of Abstraction, ed. Müller-Westermann with Jo Widoff (Stockholm: Moderna Museet; Oftfildern, Germany: Hatje Cantz, 2013), p. 38.

Anna Maria Svensson, “The Greatness of Things: The Art of Hilma af Klint,” in Hilma af Klint, ed. John Hutchinson, exh. cat. (Dublin: Douglas Hyde Gallery, 2005), p. 17.

Julia Voss, Hilma af Klint, a biography. (Chicago, The U of Chicago Press, 2022).

https://www.guggenheim.org/arts-curriculum/topic/paintings-for-the-temple

https://www.rnz.co.nz/national/programmes/saturday/audio/2018823233/jennifer-higgie-the-astonishing-re-emergence-of-hilma-af-klint

https://www.culturagenial.com/es/arte-abstracto/

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/hilma-af-klint-artista-que-pinto-arte-abstracto-antes-que-kandinski_19427

https://www.artgallery.nsw.gov.au/artboards/hilma/the-swan/

https://www.guggenheim.org/arts-curriculum/topic/paintings-for-the-temple

La definición de ‘lo esotérico’ es de https://dle.rae.es/esot%C3%A9rico

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La maldición de Tutankamón es una leyenda popular que se ha mantenido durante décadas. Se dice que aquellos que participaron en la excavación y apertura de la tumba del faraón egipcio Tutankamón, en 1923, sufrieron una serie de desgracias y misteriosas muertes.

Para arqueólogo británico Howard Carter había pasado seis años excavando en el Valle de los Reyes en Egipto, cuando su mecenas el quinto conde de Carnarvon anunció que la temporada de invierno de 1922-23, sería la última que estaba dispuesto a financiar. El trabajo comenzó el 2 de noviembre y sólo 2 días después los trabajadores desenterraron lo que parecía ser un peldaño! Al continuar excavando comprobaron que era en efecto el primer peldaño de una escalinata que llegaba, tierra abajo, a una entrada de barro cerrada con sellos en escritura jeroglífica. Uno de esos sellos llevaba el nombre de Tutankamón.

“Ve usted algo?”

“Sí, veo cosas maravillosas!”

 Al abrir la tumba y esperar a que sus ojos se empezaron a acostumbrar a la falta de luz, el arqueólogo pudo vislumbrar cientos de objetos apilados unos encima de otros.

Había literas de oro, carros de combate desarmados y joyas incrustadas con piedras preciosas, figuras de deidades hechas de cerámica y piedra que acompañarían al faraón en su viaje a la vida eterna, y dos guardias de madera pintada para protegerlo.

La máscara mortuoria

La máscara mortuoria cubría el rostro de la momia del faraón es una espectacular pieza de oro sólido incrustada con piezas de vidrio y piedras semi preciosas.

Representa el rostro impasible, sin emociones, del monarca.

Es un rostro idealizado, perfectamente simétrico.

Oye el episodio para enterarte del significado de los demás elementos de la máscara.

 

 

Egiptomanía

El descubrimiento de la tumba marcó el principio de la egiptomanía que se manifestó en todos los aspectos de la vida cultural y social de la década de los 20. Se produjeron joyas, ropa, muebles y telas con motivos egipcios.

 

Y la maldición?

Ah, la maldición

La primera señal se dió el mismo día en el que abrieron la tumba cuando …

Quiéres saber más? Oye el episodio para conocer la historia completa.

 

Bibliografía del episodio

https://almuzaralibros.com/fichalibro.php?libro=4119&edi=5
https://www.bbc.com/news/entertainment-arts-28403598
https://www.bbc.com/culture/article/20191029-king-tutankhamun-the-tragic-cause-of-the-pharaohs-cult
https://grandegyptianmuseum.org/
https://historia.nationalgeographic.com.es/a/colorean-fotografias-hallazgo-tumba-tutankamon_9896
https://www.historyanswers.co.uk/ancient/the-curse-of-tutankhamun-and-fake-news-from-beyond-the-grave/
https://hoover.archives.gov/hoovers/first-familys-pets
https://library.leeds.ac.uk/special-collections/collection/1482
https://www.nationalgeographic.es/photography/2018/05/fotografias-que-documentan-la-apertura-de-la-tumba-de-tutankamon?image=01_tut_excavation
https://www.nytimes.com/2016/06/03/world/middleeast/king-tuts-dagger-made-of-iron-from-the-sky-researchers-say.html
https://www.penn.museum/sites/expedition/the-curse-of-the-curse-of-the-pharaohs/
https://en.wikipedia.org/wiki/Tutankhamun%27s_mummy

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La respuesta es Elisabeth Vigée LeBrun.

La artista viajó cuando era muy jóven y se enamoró de las obras de Peter Pau Rubens. Aquí te mostramos un autoretrato comparado con una obra del maestro. Oye el episodio para sara saber más acerca de éstos.

Elisabeth fue tan talentosa e inteligente que logró llegar hasta Versailles a trabajar para la reina Maria Antonieta. El primer retrato que le hizo es La Archiduquesa Maria Antonieta, Reina de Francia. La reina dijo que era la primera vez que se la retrataba como era realmente, porque según ella todos los pintores de la corte, que eran varones, la trataban muy mal y la hacían perder la esperanza de verse bien en una pintura. Pero esta obra le gustó tanto que le encargó varios más a la pintora. Uno se lo que le envió a su mamá, la reina Maria Teresa de Austria y está hoy en el Kunsthistorisches Museum en Viena. El que retuvo para sus apartamentos es hoy parte de la colección del Metropolitan donde se le conoce como Marie Antoinette in Court dress.

Miren la obra aquí abajo y noten como todos los elementos del conjunto tienen la función de comunicar la elegancia de la reina y el poder de la monarquía. En el episodio se los contamos al detalle!

El retrato de la izquierda, donde la reina aparece vestida de campesina, fue rechazado por la Academia y la artista lo subsituyó por el de la derecha. Les explicamos todo acerca de esto en el podcast.

Maria Antonieta con una rosa,1783 (a la derecha)

Maria Antonieta y sus hijos, 1787

Es una de las obras más conocidas del Palacio de Versalles. La reina aparece rodeada de sus hijos: la mayor, Maria Teresa de 9 años tiene la cabeza sobre su brazo, Luis Charles de 2 añitos está en su regazo, y Luis Joseph de 6 en ese momento el heredero al trono, apunta a la cuna vacía que indica que la bebé Sofi-Beatrice había muerto poco antes. Esta obra se creó para tratar de mostar a una Maria Antonieta más humana (los franceses no la querían. Se acuerdan del famoso “que coman pastel?”).

Cuando estalló la revolución en 1799, Elisabeth entendió que como protegida de la reina ella también corría peligro. Así que una noche se disfrazó de campesina y junto con su hija y su institutriz, se escapó del territorio francés. Pasó los siguientes 12 años viviendo en distintos lugares de Europa, los últimos 6 en la ciudad rusa de San Petersburgo donde produjo hermosísimos retratos como el que ven aquí abajo.

 

Hermosos retratos de niñas

Julie Le Brun mirándose al espejo, 1787 (a la izquierda)

Elisabeth Vigée LeBrun fue una mujer extraordinaria e independiente, artista talentosa y excelente negociante. Rompió paradigmas al mismo tiempo que estableció cánones de moda y belleza. Todo esto no era nada fácil en su época y mucho menos para una mujer. Quiéres saber cómo lo logró? Oye el episodio para conocer la historia completa.

 

 

Bibliografía del episodio

http://digital.library.upenn.edu/women/lebrun/memoirs/memoirs.html

https://www.hermitagemuseum.org/wps/portal/hermitage/digital-collection/01.+paintings/38159

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/656452

https://www.metmuseum.org/toah/hd/vgee/hd_vgee.htm

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/656452

https://www.metmuseum.org/blogs/teen-blog/2016/vigee-le-brun-passion-perseverence\

https://www.nytimes.com/2016/02/12/arts/design/review-vigee-le-brun-metropolitan-museum.html

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La obra más enigmática de la historia del arte

La obra es un tríptico, es decir que consiste en tres partes, tres tablas de madera de roble unidas por medio de bisagras para que las dos exteriores se puedan cerrar sobre la del centro. Las tres partes se deben leer de izquierda a derecha como si fuera un libro. En la primera se representa el Jardín del Edén, en la segunda, un paraíso terrenal repleto de tentaciones y en la tercera, el infierno donde inevitablemente van a parar los que durante su vida cayeron en las tentaciones.

La producción pictórica del Bosco le dió vida a un mundo fuera de la realidad, un mundo raro y perturbador.

La cara que casi nunca se ve

En la parte exterior del tríptico aparece una gran esfera transparente que tienen agua hasta la mitad, de la cual emergen unas formas muy raras, como grandes rocas y plantas. Lo que esto representa es incierto. La interpretación más aceptada propone que es el tercer día de la Creación cuando ya habían aparecido las plantas y vegetales pero aún no los animales y los seres humanos.

 

La maldad existe incluso en El Jardín del Edén

En ésta visión del Paraíso aparecen animales y aves tanto reales como imaginarios. En el centro aparece la tradicional fuente de los cuatro ríos del Paraíso pero de forma estrafalaria y de color rosa y en primer plano aparece Dios quien tomando de la mano a una Eva rubia, se la presenta Adan que sentado muy derechito sobre el pasto, espera para conocer a su pareja. En la esquina inferior izquierda vemos a un gato que camina tranquilamente con un ratón entre los dientes, otro símbolo de que incluso en el paraíso existían la corrupción y el peligro.

El panel del centro es el que le da el título a toda la obra. Este paisaje está poblado por cientos de pequeños hombres y mujeres desnudos, todos jóvenes. No se encuentran ni un sólo niño ni un viejo. Entre la mayoría de figuras de raza blanca, también vemos algunas de raza negra, lo cual es notable ya que no solían ser incluidas en el arte de la época. Los expertos consideran que en este caso el artista quiso mostrar algo de la diversidad de las razas en el mundo. Aparecen también personajes míticos e imaginarios, como las mujeres que tienen todo el cuerpo cubierto con una fina capa de pelo o pelusa a excepción del cuello y la cara, los senos, las manos y los pies.

Bienvenidos al infierno!

El soleado jardín desapareció y en su lugar el Bosco nos muestra un lugar horrible dominado por colores oscuros y cubierto por un gran numero de detalles que vale la pena mirar detenidamente. Estos nos presentan los castigos mas macabros y fantásticos que se hayan pintado. Quieren saber cuáles son sus figuras más famosas y lo que ésatas significan? Oígan el episodio, porque ahí se los contamos todo.

Infierno completo (izquierda)

Les contamos mucho más acerca de esta obra en nuestro podcast. No dejen de oírlo.

Bibliografía

Gombrich, Ernst, “Bosch of Hertogenbosch” in The New York Review, February, 23, 1967 (acceso el 28 de septiembre, 2022), https://www.nybooks.com/articles/1967/02/23/bosch-of-hertogenbosch/
Hickson, Sally, Dr. ”Hieronymus Bosch, The Garden of Earthly Delights,” in Smarthistory, August 9, 2015, (acceso el 28 de septiembre, 2022) https://smarthistory.org/bosch-the-garden-of-earthly-delights/.
Silva, Pilar, ‘El Bosco. Tríptico del Jardín de las delicias.’ En: el Bosco. La exposición del V Centenario, Madrid, Museo Nacional del Prado, 2016, p.n.46 330-346, (acceso el 17 de septiembre, 2022), https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/triptico-del-jardin-de-las-delicias/02388242-6d6a-4e9e-a992-e1311eab3609
Simon Mittman, Asa Dr. “Spotlight — Hieronymus Bosch, The Garden of Earthly Delights, in Smarthistory , August, 31, 2019 (acceso el 17 de septiembre, 2022), https://smarthistory.org/garden-bosch/.
https://english.elpais.com/elpais/2016/06/01/inenglish/1464784579_825393.html (acceso el 17 de septiembre, 2022).
https://mymodernmet.com/es/jardin-de-las-delicias-bosco/ (acceso el 28 de septiembre, 2022).
https://periergeia.org/en/deciphering-the-garden-of-earthly-delights-part-1-the-prelude-to-disaster/ (acceso el 17 de septiembre, 2022).
https://www.salmanrushdie.com/garden-earthly-delights/ (acceso el 20 de octubre, 2022).

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“A fin de cuentas, güera, morena, rica o pobre, toda la gente acaba siendo calavera”

Éstas son las palabras de José Guadalupe Posada, el grabador mexicano que creó la imagen que hoy conocemos como La Calavera Catrina, uno de los símbolos mexicanos más reconocidos en el mundo entero que además se asocia con otra tradición importante: el Día de Muertos. En este episodio especial les hablamos acerca del artista, de los orígenes de La Catrina y por supuesto les contamos todo acerca del significado y la celebración del Día de Muertos.

Para los antiguos habitantes de México la vida y la muerte eran dos estados de una misma existencia.

A partir del siglo XVI, las creencias prehispánicas se fundieron con los ritos cristianos de los conquistadores, dando lugar a las costumbres sincréticas de hoy en día. Es decir que se combinaron dos tradiciones distintas para formar una nueva.

La ofrenda (o altar) de muertos

La noche del 1 al 2 de noviembre, los cementerios se llenan de gente que dedica un altar con las comidas y bebidas favoritas del muertito a quien estén recordando. Las ofrendas también incluyen otros elementos tradicionales como un vaso de agua, velas, papel picado y pan de muerto. Escuchen el episodio donde les explicamos el significado simbólico de cada uno de éstos, y otros elementos.

 

Calavera del editor popular Venegas Arroyo

Dentro del mundo del arte, la figura que más se asocia con el Día de Muertos es José Guadalupe Posada, un grabador y dibujante mexicano que vivió de 1852 a 1913. Su obra representa el modo de vida del mexicano común, incluyendo sus sufrimientos y angustias, al mismo tiempo que critica los excesos de la clases altas. Esto durante la epoca agitada en la que le tocó vivir, que desembocó en la Revolución mexicana.

El artista pobló su mundo gráfico de personajes de su propia invención, entre éstos todo un imaginario de huesos y calaveras relacionados con el culto a la muerte con los que construyó su propio mensaje social. El más famoso de sus personajes es La Calavera Catrina. Sonriente bajo un extravagante sombrero francés adornado con flores y plumas de avestruz, es una burla a las costumbres e hipocresías de los nuevos ricos que se vestían de manera ostentosa y que admiraban todo lo que viniera de países extranjeros y en especial de Francia, mientras que desdeñaban su propia herencia mexicana.

También creó calaveras que representan figuras artísticas o literarias como la Calavera Don Quijote.

Logramos despertar tu curiosidad? Dale click al símbolo de play y escucha el episodio para aprender mucho más acerca de este artista.

La obra de Rivera muestra a docenas de personajes representativos de 400 años de historia nacional.Todos son importantes, pero en la visión del muralista es La Catrina quien es la representante principal de la cultura y la historia de su país. Ella aparece en el centro de todo con su sombrero francés, un elegante traje blanco y una boa de plumas de colores que alude al dios prehispánico Quetzalcoatl, la serpiente emplumada. Junto a ella está su creador Guadalupe Posada, y del otro lado aparece un autorretrato de Diego a la edad de 10 u 11 años, con Frida Kahlo detrás.

No te pierdas el episodio para enterarte de porqué esto es importante!

Bibliografía

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/343353
https://www.npr.org/sections/thesalt/2014/10/29/359829045/decoding-the-food-and-drink-on-a-day-of-the-dead-altar
https://rosalandia.com/varios/damasquina
https://www.christies.com/lot/lot-2062396
https://ich.unesco.org/es/que-es-el-patrimonio-inmaterial-00003
https://smarthistory.org/rivera-dream-of-a-sunday-afternoon-in-alameda-central-park/

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Mas de 300 cuerpos musculosos …

… casi todos hombres desnudos o semi desnudos cubren la pared del altar en la capilla más importante del catolicismo. Esto causó tanta controversia que varias personas propusieron se destruyera. Quieren saber más? Los invitamos a oír el episodio donde les contamos todo esto y más.

La Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano.

Sin duda la capilla más importante del Vaticano, en la que se vela a los Papas difuntos antes de enterrarlos en San Pedro y también donde, hasta el día de hoy, se lleva acabo el Cónclave, es decir la elección de un nuevo Pontífice.

Miguel Angel tenía mas de 60 años,

y había pasado más de un cuarto de siglo desde que había pintado las imágenes de la bóveda, cuando en 1536 regresó a la Capilla Sixtina para plasmar su visión del Juicio Final. El fresco cubre una enorme superficie de 13 x 12 metros. Es decir que es tan alta como un edificio de 5 pisos. La obra impresiona y su historia emociona, y en nuestro podcast se las contamos com-ple-ta.

Un autorretrato?

A la derecha de Cristo aparece San Bartolomé, que vivió en el primer siglo de nuestra era y cuyo martirio consistió en ser desollado vivo, con un cuchillo en la mano derecha y su propia piel en la izquierda. Pero fíjense que mientras que el santo se destaca por su barba gris y su cabeza calva, el colgujo de su piel no tiene barba y sí tiene pelo. Cómo se explica esto? Será que Miguel Angel quizo mostrarnos algo especial? Escuchen el episodio para enterase de todo!

En la esquina inferior derecha del fresco aparece este horrible personaje. En el episodio les contamos quién es y porqué Miguel Angel lo puso ahí.

En el centro: Cristo

Un gigante de enormes músculos, casi un super héroe de las películas de ahora. No aparece ni parado ni sentado, sino en una posición como en cuclillas. Esta es una de las pocas veces en las que se representa a Jesús enojado, feroz y justiciero en lugar de misericordioso y compasivo. Con un gesto agresivo de su mano derecha eleva a los justos hasta el cielo, mientras que con la izquierda, condena a los pecadores al infierno.

 

Bibliografía

https://artstor.wordpress.com/2013/11/13/michelangelos-last-judgment-uncensored/
https://lacapillasixtina.es/el-infierno/
https://elpais.com/diario/1987/08/30/opinion/557272809_850215.html
https://elpais.com/diario/1989/09/18/opinion/622072805_850215.html
https://www.latribunadetoledo.es/noticia/zcdd702c5-0483-b5ce-a4a4e2ff5fb70949/201403/la-polemica-con-miguel-angel
https://smarthistory.org/michelangelo-last-judgment/
https://smarthistory.org/the-protestant-reformation/
https://www.museivaticani.va/content/museivaticani/en/collezioni/musei/cappella-sistina/giudizio-universale.html
https://web.archive.org/web/20070516000937/http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/94.htm

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Pero sus pinturas … sus pinturas tienen magia!!

Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio, nació en 1571 en la región de Lombardia, en el norte de Italia. Pocos años después se convirtió en el artista mas solicitado de Roma. Escucha la historia completa en nuestro podcast!

Una de las obras que lo lanzaron a la fama es La Vocación de San Mateo. Esta nos muestra un momento de transformación espiritual en el que el recaudadador de impuestos que convertirá en San Mateo atiende al llamado de Jesús.

“Sígueme” – le dijo- “y el se levantó y lo siguió.”

Los artistas del Renacimiento presentaban a los personajes bíblicos como idealmente bellos y elegantes. En contraste, las figuras de Caravaggio son brutalmente realistas.

En Jugadores de Cartas, de ca. 1596, Caravaggio nos hace espectadores y cómplices del truco que dos truhanes le juegan a un joven ingenuo que mira sus cartas confiado sin notar que su contrincante esconde unas cartas detrás de la espalda. Y es que el artista conocía bien el bajo mundo…

En 1606, asesinó a un hombre y escapó de Roma. Se refugió en Malta donde pintó la escalofriante Decapitación de San Juan Bautista. Es su obra de mayor tamaño y también la única que firmó, escribiendo su nombre en la sangre que brota de la cabeza del santo y se acumula en el suelo.

David con la cabeza de Goliat, ca. 1609

Caravaggio nos muestra al héroe bíblico de manera muy distinta a lo que se acostumbraba: aquí David no se muestra ni contento ni orgulloso de haber derribado al enemigo, sino que mas bien aparece con la mitad del rostro en sombras, sosteniendo del pelo a la cabeza decapitada de Goliat a la que mira con una mezcla de lástima y asco.

La cara del monstruo es la del pintor!!

Quieres saber la historia completa? Dale click al episodio.

Bibliografía del episodio

Graham-Dixon, Andrew. Caravaggio: a life sacred and profane. Norton (2011).

Schama Simon, Simon Schama’s Power of Art: Caravaggio. DVD (2006).

https://historia-arte.com/obras/la-incredulidad-de-santo-tomas-de-caravaggio

https://historia-arte.com/artistas/caravaggio

https://www.museivaticani.va/content/museivaticani/es/collezioni/musei/la-pinacoteca/sala-xii—secolo-xvii/caravaggio–deposizione-dalla-croce.html

https://borghese.gallery/collection/paintings/david-with-the-head-of-goliath.html

https://www.eltemplodelaocoonte.com/post/la-decapitaci%C3%B3n-de-san-juan-bautista-caravaggio

https://www.bbc.com/mundo/vert-cul-37753047

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Rosa Bonheur nació el 16 de marzo de 1822 en Bordeaux, Francia y a los 7 años se mudó a Paris con toda su familia. Fue hija de Oscar-Raymond y Sophie Bonheur, un profesor de dibujo y una maestra de piano que creían que las niñas debían ser educadas igual que los varones. Gracias a esto Rosa y su hermana Juliette, que también se convirtió en pintora, recibieron la misma educación que sus hermanos, Auguste otro pintor e Isador que llegó a ser escultor.

En Arando en Nivernais (arriba) vemos dos grupo de bueyes trabajando la tierra que aparece tan real que casi podemos distinguir su olor. Esta obra es considerada su primera obra maestra, y la pintó a sus 27 años por encargo del gobierno. Escuchen el podcast para saber porqué es tan importante.

La obra mas famosa de Rosa Bonhuer es La Feria de Caballos (veanla abajo). Pintada al óleo sobre un lienzo enorme de casi 2 por 2.5 metros, ésta nos invita a sentirnos muy cerca de un grupo de caballos que trotan, se paran sobre sus patas traseras y resoplan mientras que sus crines ondean al viento y sus patas golpean la tierra y levantan polvo. Saben que Rosa incluyó su autoretrato entre las caras de los mozos de cuadra? La obra resultó tan maravillosa y realista que un crítico opinó que:

“La Feria de Caballos hubiese sido extraordinaria de cualquier manera, pero el que la haya pintado una mujer es casi un milagro”

El gran éxito artístico y económico que logró le permitieron comprar el Château de By, una enorme propiedad con casa y granja, a la orilla del Bosque de Fontainebleu, una hora al sur de Paris que es hoy día el Museo-Estudio Rosa Bonheur. Hasta ahí llegó, en 1865, la Emperatriz Eugenia para otorgarle la Orden de La Legión de Honor. La medalla se puede ver sobre el lado izquierdo de su pecho en este retrato que le hizo Elizabeth Klumpke.

Elizabeth Klumpke, Rosa Bonheur, 1898. Museo Metropolitano, NY.

Raymond Bonhuer, Rosa a los Cuatro Años, 1826

Este es un retrato que le hizo su padre cuando ella era muy pequeña. Fíjense que en su mano derecha tiene un lápiz y en el suelo aparece un cuaderno. Según sus biógrafos, su papà le había enseñado a dibujar “en el momento que aprendió a sostener un lápiz” y ella había demostrado interés y habilidad para hacerlo.

“En cuanto a machos se refiere, a mí solo me interesan los toros que pinto”

La vida privada de Rosa Bonheur fue muy poco convencional para su tiempo. Tuvo dos parejas, las dos mujeres. La primera fue Nathalie Micas, quien llegó a ser inventora y veterinaria. Con ella pasó cuatro décadas. Después de la muerte de Nathalie, Rosa compartió los últimos años de su vida con la artista estadounidense Elizabeth Klumpke. No hay duda de que Rosa Bonheur fue una mujer extraordinaria que vivió como quiso, sin pedir permiso ni dar explicaciones, pero la historia completa solo la encuentran en nuestro episodio. Así que denle play y escúchenlo.

BIBLIOGRAFIA

https://hyperallergic.com/437985/the-portrait-that-forged-a-divine-marriage-between-two-19th-century-women-painters/ [acceso el 5 de marzo, 2022]

https://hyperallergic.com/433726/frida-kahlo-barbie-rosa-bonheur-doll/ [acceso el 5 de marzo, 2022]

https://artuk.org/discover/stories/ten-reasons-to-love-rosa-bonheur [acceso el 10 de marzo, 2022]

https://www.liverpoolmuseums.org.uk/artifact/le-retour-du-moulin [acceso el 11 de marzo, 2022]

http://ringlingdocents.org/bonheurbio.htm [acceso el 5 de marzo, 2022]

https://www.theartstory.org/artist/bonheur-rosa/life-and-legacy/ [acceso el 5 de marzo, 2022]

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/435702 [acceso el 5 de marzo, 2022]

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“El beso más famoso de la historia del arte”

Creada al óleo en 1907, El Beso es un gran cuadrado de 180 x 180 cm que brilla y refleja la luz que lo rodea, porque para ornamentarla Klimt utilizó hoja de oro y plata. En la obra aparecen un hombre y una mujer, casi de tamaño natural, que se abrazan sobre un prado de flores de colores. El fondo dorado y el halo de cuerpo entero que los une dan a la obra una dimensión casi sagrada. Escucha nuestro episodio para enterarte de todo acerca de esta hermosa pintura y de su creador: el enigmático Gustav Klimt.

“A cada época, su arte, y al arte, su libertad”.

Viena, Austria, 1897.

Un grupo de artistas jóvenes decidieron romper con la Asociación de Artistas a la que consideraban demasiado estricta y anticuada y fundaron la Secesión Vienesa, literalmente: la separación. El estilo de sus obras fue el de las líneas curvas, orgánicas, de formas naturales y decorativas del Art Nouveau.
Su lema fue: “a cada tiempo, su arte, y al arte, su libertad”.

Su primer presidente fue Gustav Klimt.

Klimt, Adele Block-Bauer, 1907

Ella es Adele Bloch-Bauer, esposa del industrial vienés Ferdinand Bloch-Bauer. Su retrato se conoce como “La Dama Dorada” por su esplendorosa superficie ornamentada con pan de oro y plata, que sirve para acentuar la riqueza de las joyas que la modelo lleva encima. Miren las pulseras y sobre todo la sensacional gargantilla de oro y diamantes!

Klimt tuvo affairs con muchas de sus modelos y hasta con algunas de las esposas de sus patrones. Pero su relación más duradera fue con Emilie Flöge, una famosa diseñadora de moda. Su estudio de alta costura fué uno de los primeros en coser vestidos de estilo vanguardista, sueltos y sin corsé, algunos diseñados por el mismo Klimt. Entonces él era el artista más conocido y prestigioso de la ciudad y los retratos que le hizo a su novia la ayudaron a catapultarse a la fama. Uno de estos retratos, pintado en 1902 la muestra enfundada en un vestido modernista en tonos azules.

Una avalancha de flores

En Jardín Campestre con Girasoles (1906), Klimt nos pone frente a una avalancha de girasoles, margaritas, petunias, áster, begonias y flores del campo en colores verdes y rojos, rosas, azules, amarillos y morados, que convierten ese rincon de la naturaleza en un sitio lleno de esplendor.

Logramos despertar tu curiosidad? Dale click al simbolo de play y escucha el episodio para aprender mucho más acerca de este artista.

Bibliografía

Dr. Charles Cramer and Dr. Kim Grant, “Art Nouveau,” in Smarthistory, June 14, 2020, https://smarthistory.org/art-nouveau/ [acceso el 9 de febrero, 2022].
https://www.neuegalerie.org/collection/artist-profiles/gustav-klimt [acceso el 9 de febrero, 2022].
https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-liverpool/exhibition/gustav-klimt-painting-design-and-modern-life-vienna-1900/gustav-5 [acceso el 9 de febrero, 2022].
https://www.wien.info/es/turismo-en-viena/monumentos-en-viena/modernismo/secesi%C3%B3n-357928 [acceso el 14 de febrero, 2022].
https://www.theartstory.org/artist/klimt-gustav/life-and-legacy/ [acceso el 20 de febrero, 2022].
https://artsandculture.google.com/story/yQVhvTHl7e3XJA [acceso el 21 de febrero, 2022].
https://mymodernmet.com/the-kiss-gustav-klimt/ [acceso el 14 de febrero, 2022].
https://www.thecollector.com/6-little-known-facts-about-gustav-klimt/ [acceso el 20 de febrero, 2022].

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Todo el mundo lo ha visto. Es una imagen universal que representa angustia y horror. Aparece satirizada por todas partes y es tan popular que inclusive existe un emoji con el mismo gesto. Pero a su autor, el noruego Edvard Munch, lo conocemos casi exclusivamente por medio de esa imagen aunque fue en realidad uno de los artistas más prolíficos e innovadores de su tiempo. Por eso es que en éste episodio les contamos acerca de él y su expresiva obra.

“Sentí como un grito infinito atravesaba la naturaleza entera.”

Estado de ánimo enfermo, Desolación, 1892, Metropolitan Museum of Art, NY

El 22 de enero de 1892 Munch escribió en su diario que mientras caminaba con dos amigos a lo largo del puente sobre un fiordo, notó que de pronto, el cielo se tornó de color rojo sangre. En ese momento sintió un cansancio de muerte y mientras que sus amigos continuaron su camino, él se detuvo temblando de ansiedad y sintiendo como un alarido infinito atravesaba la naturaleza entera.

 

La niña enferma, 1886, Museo Nacional, Oslo, Noruega

Una de las obras en las que recuerda los momentos previos a la muerte de su hermana mayor. La obra causó revuelo por la por la manera tan innovadora en la que estaba pintada. Las pinceladas parecen desorganizadas, La pintura verde parece chorrear de las paredes, las manos de la niña y la madre parecen fundirse en una sóla.

Una de nuestras obras favoritas es La tormenta, de 1893 y hoy en el MoMA de NY. La escena está situada en un pueblo de pescadores donde Munch solía pasar los veranos. Las ventanas de las casas aparecen iluminadas y la calle vacía. Un pequeño grupo de mujeres vestidas en colores oscuros están cerca de la orilla del mar en la parte inferior izquierda del cuadro. Es posible que sean las esposas, madres o hijas de los pescadores que han salido en la tormenta.

Quieres saber el significado? Escúchalo en el episodio, donde te contamos eso y más!

No tuvo buena suerte con las mujeres

De joven, el pintor había sido abandonado por más de una mujer casada de quien se había enamorado. En Amor y dolor (Vampiro) una mujer cubierta solo por su largo cabello rojo se inclina sobre el cuello del hombre que, completamente vestido que se hinca frente a ella.

Bibliografía

Dr. Beth Harris and Dr. Steven Zucker, “Fernand Khnopff, I Lock my Door Upon Myself,” in Smarthistory, August 9, 2015, https://smarthistory.org/khnopff-i-lock-my-door-upon-myself/. [acceso en linea 19 de enero, 2022].

Julieta Sanguino en Cultura Colectiva, https://culturacolectiva.com/arte/pinturas-para-la-locura-y-las-obsesiones-de-edvard-munch [acceso en linea 23 de enero, 2022].

Dr. Noelle Paulson, “Edvard Munch, The Scream,” in Smarthistory, August 9, 2015, accessed January 23, 2022, https://smarthistory.org/munch-the-scream/.Vargas Llosa, Mario (2005). “Botero: La suntuosa abundancia.” Donación Botero: Museo de Antioquia. (2005). Fondo Editorial Museo de Antioquia.

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MoMA https://www.moma.org/collection/works/80644 [acceso en linea 22 de enero, 2022].

Munch Museum https://munchmuseet.no/en/munch [acceso en linea 19 de enero, 2022].

Museyon http://www.museyon.com/sex-blood-and-symbolism-the-shot-that-made-edvard-munch-scream/ [acceso en linea 19 de enero, 2022].

Smithsonian https://www.smithsonianmag.com/arts-culture/edvard-munch-beyond-the-scream-111810150/ [acceso en linea 20 de enero, 2022].

Tate https://www.tate.org.uk/tate-etc/issue-25-summer-2012/soul-laid-bare [acceso en linea 18 de enero, 2022].

The British Museum https://www.britishmuseum.org/exhibitions/edvard-munch-love-and-angst [acceso en linea 18 de enero, 2022].

The British Museum https://blog.britishmuseum.org/who-was-edvard-munch/?_gl=1*12uxzts*_ga*MTE5ODA4ODc0Ny4xNjQyNTY3ODYz*_ga_08TLB9R8X1*MTY0MjU2Nzg2Mi4xLjEuMTY0MjU2NzkzMi4w [acceso en linea 18 de enero, 2022].

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